miércoles, 7 de mayo de 2014

PABLO PICASSO

Autorretrato (impresionista) es una pintura al óleo realizada por Pablo Picasso en 1896 y que forma parte de la colección permanente del Museo Picasso de Barcelona. Ingresó en el museo como donación del artista en 1970 y se encuentra expuesto en la sala 1 del muse
Picasso pintó este cuadro en la misma época en que hacía numerosos retratos de sus padres. En todos esos retratos se observa un esfuerzo por captar la esencia del ser humano. Sin dejar de lado el academicismo formal, ésta es una obra más espontánea, con pinceladas más impetuosas.
El trazo enérgico denota el oficio adquirido por el joven Picasso y representa, en su concepción y factura, un paso decisivo, ya lejos de los primeros tanteos de La Coruña.
A lo largo de los años y especialmente hasta 1919, Picasso hizo muchas interpretaciones de su propia imagen. El Museo Picasso de Barcelona conserva buena parte de los de la primera época. Unas veces aparece él solo y otras acompañado de los amigos Pallarés, Casagemas y Sebastià Junyer, incluso disfrazado con peluca.
En los autorretratos, Picasso utilizó diversas técncias. Sobre todo, son interesantes porque, al estar hechos en épocas difeentes, reflejan estilos distintios: los hay modernistas, novecentistas, azules, rosas, primitivistas, cubistas... A través de los autorretratos, se puede seguir su doble evolución, física y artística. Cada uno de ellos aporta algo nuevo a su biografía personal. En la última época de su vida, Picasso aparece en sus obras no como individuo, sino como personaje: El pintor y la modeloEl artista y la modeloPintor trabajando.

El bombardeo de la población de Guernica el 26 de abril de 1937 por parte de la aviación alemana despertará la conciencia política de PicassoGuernica será el tema de su obra maestra, realizada para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937.
El lienzo mide 8 metros de largo por 4 de ancho y en la parte superior cuelga una bombilla eléctrica que arroja una fría luz aserrada. Como si esta luz eléctrica no fuera suficiente, una mujer porta en su largo brazo un candil de petróleo, iluminando así hasta el último escondrijo del cuadro. En el lienzo aparecen otras tres mujeres: bajo el toro, posible símbolo de la República, una que porta un niño muerto; en el extremo derecho, otra que levanta los brazos ante el fuego de su hogar; en primer plano, una tercera mujer arrodillada, presumiblemente embarazada, con los pechos desnudos y unos llamativos pezones en forma de chupete.
Bajo la luz eléctrica se encuentra el caballo malherido que relincha y a sus pies se hallan los restos descuartizados de un hombre-estatua, en cuya espada rota renace una flor como símbolo de esperanza. Un pedazo de suelo con baldosas alude al recinto del pabellón español donde se ubicaba el cuadro.
Guernica es un manifiesto contra la guerra y cualquier tipo de brutalidad humana. Por eso estamos ante un cuadro universal que contrapone la capacidad de creación del artista y la capacidad de destrucción de la guerra.
El sueño (también conocido con su nombre en francésLe rêve)1 es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1932. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y es de estilo cubista.
El cuadro, cuyas medidas son 130 x 97 cm, representa a una mujer que yace dormida, en un sillón con la cabeza vencida hacia atrás y el rostro partido en dos y los senos al descubierto. La modelo del cuadro es Marie-Thérèse Walter.
En el año 2006 fue dañada por su dueño, el magnate de Las VegasSteve Wynn. En el año 2013 "el sueño" fue adquirido por Steven Cohen, tras pagar 155 millones de dólares, y se convirtió así en el segundo cuadro más caro de la historia, según una nota publicada en The New York Post  , y en el más cotizado de su obra pictórica.,,,,El sueño (también conocido con su nombre en francés, Le rêve) en es un cuadro del pintor español Pablo Picasso de 1932. En esta obra Picasso muestra a su amante Marie-Therese Walter sentada en un diván y con los ojos entrecerrados, los brazos doblados, la cabeza ladeada y los senos al descubierto. A la hora de pintar el cuadro, Picasso optó por simplificar, reduciendo las formas a volúmenes esféricos.

"El sueño" había sido la estrella de la subasta de la colección Ganz, en 1997, al venderse por 48.4 millones de dólares en medio de una exitosa venta en la que otras obras de Picasso, como una versión de "Las mujeres de Argel ", fueron vendidas por precios excepcionales.

Esta pintura fue seriamente dañada por su dueño, el magnate de los casinos de Las Vegas Steve Wynn, cuando, al enseñarla a unos amigos, hundió accidentalmente su codo en el lienzo, provocando un considerable agujero en el mismo.

Según parece, Wynn había llegado a un acuerdo con el también multimillonario Steven Cohen para vender la sensual obra por 139 millones de dólares, lo que la convertiría en la pintura más cara jamás vendida, superando al "Adele Bloch bauer" de Gustav Klimt, vendida por 135 millones, pero tras el accidente, decidió no hacerlo por considerarlo "una profecía", aunque es de suponer que Steven Cohen también se habría replanteado la compra. El accidente redujo el valor del cuadro a 85 millones de dólares.
http://www.youtube.com/watch?v=lwndJqIfR8g
http://www.youtube.com/watch?v=2CyiZLXLfTA&feature=related


Les Demoiselles d´Avignon

Comentario
Andre Salmon, ya en 1912, suscitó la idea de que la pintura de vanguardia nació en Francia en 1907 con la creación del revolucionario cuadro de Picasso Las señoritas de Aviñón, considerado además como la obra germinal del lenguaje cubista. Esta rotunda tesis, avalada por otros comentaristas, no ha sido puesta en duda por la historiografía hasta el presente. De hecho, son los experimentos que llevaron a cabo Pablo Picasso y Georges Braque a partir de ese momento los que configuraron el horizonte estético del cubismo, decididamente afianzado después de 1910 como corriente de vanguardia, que se hizo internacional en apenas dos años. En origen, la composición de las Señoritas está relacionada con las últimas Bañistas de Cézanne y con obras de él derivadas, como las de Matisse Alegría de vivir y Lujo, calma y voluptuosidad, a la que trata de oponerse conceptualmente; pero sobre todo está influida directamente por la estética antiacadémica de la escultura arcaica griega, egipcia, ibérica y negroafricana. Durante 6 meses el pintor estuvo haciendo dibujos previos, cada vez más simplificados, eliminando lo anecdótico para quedarse únicamente con el espacio y las figuras; después lo transformó con violencia, y al fin lo dejó inacabado. Pero de todas formas, con él revolucionó el modo de concebir la pintura, aunque de momento no fuera entendido. Al parecer la obra fue concebida como una sátira erótico-alegórica-literaria de las obras en boga relacionadas con la Arcadia. Se trataba de cinco mujeres y dos hombres en la habitación de un prostíbulo, en torno a una mesa con frutas, flores, cortinas, etc. En principio la figura central sentada era un marinero, y la que entraba por la izquierda, un estudiante que llevaba una calavera. Placeres de la carne y de los sentidos enfrentados a la muerte, que configuraban una vanitas a la manera barroca, para reforzar la ironía antiacadémica. En las simplificaciones desaparecieron los hombres y las flores, quedando las mujeres en un espacio poco profundo, como en un bajorrelieve. Del lienzo original pintado en la primavera de 1907 sólo quedan los desnudos centrales que miran al espectador. Es patente la norma del antiguo Egipto en la figura de la izquierda, mientras que el arte ibérico influye en el modelado de las cabezas, algunas de las cuales fueron violentadas en el otoño, tras el contacto de Picasso con las esculturas africanas. Matisse, Derain y Vlaminck ya se habían interesado por ellas, y parece que fue Matisse quien indicó a Picasso que podían encontrarse en una tienda de la calle Rennes. El gran valor del arte africano era que integraba figura y espacio en un mismo término. El espacio no es ya un contenedor estático de figuras, sino que puede ser sujeto de deformaciones, exactamente igual que ellas; o sea, se convierte en forma dinámica. La figura, gracias a la multiplicidad de planos, puede verse de frente, de perfil y de espaldas a un tiempo, como la mujer en cuclillas de la derecha, con lo que se rompe el sentido del volumen y la perspectiva tradicional. En efecto, desde el Neoclasicismo los artistas estaban revisando el concepto de espacio pictórico renacentista, creado a base de un espectador fijo que tiene ante sí un cubo de espacio, en el que las figuras se disponen empequeñecidas según se alejan del primer plano. Los neoclásicos dispusieron las figuras a manera de friso en relieve; después los realistasimpresionistas y postimpresionistas habían ido controlando la profundidad por diversos medios, acercándose a la realidad bidimensional del cuadro;Gauguin, Cézanne y los fauves lo comprendieron plenamente. Pero no obstante, la deformación de la figura y el espacio en estos pintores había sido mínima. Picasso descubrirá que la figura puede cortarse en planos, descomponerse, analizarse y que por eso la pintura no deja de ser un cuadro. Cuando mostró Las señoritas a sus amigos quedaron extrañados, con excepción del marchante Daniel Henri Kahnweiler. Permaneció arrinconado en el Bateau-Lavoir hasta que en 1920, sin haberlo visto siquiera, lo compró el coleccionista Jacques Doucet. En 1925 fue publicado por los surrealistas y en 1937 se expuso por vez primera. Parece que el título original fue El burdel filosófico, puesto por Apollinaire y Salmon; luego fue Salmon quien lo llamó al parecer Carrer d'Avinyó, una calle de Barcelona, por donde había vivido Picasso, en la que había prostíbulos. Se hacían bromas con el cuadro acerca de que la abuela de Max Jacob era de Avíñón y de que Fernanda Olivier, la amante de Picasso, y Marie Laurencin, la de Apollinaire, estaban allí representadas.ARTEHISTORIA
Interpretación heideggeriana de Retrato de Pablo Picasso de Gertrude Stein por varias cuentas, Gertrude Stein posó para Pablo Picasso más de 90 veces durante el invierno de 1905-6. Cada sesión no era del todo correcto, con muchos intentos fallidos y frustraciones. En última instancia Picasso la despidió, diciendo que "yo no te puedo ver por más tiempo cuando miro", entonces crea un nuevo retrato de su casi un año después sin volver a verla. Se consideraba como una máscara-como rostro curioso, no es realmente una representación exacta de Stein en el momento. Cuando otros comentaron que Gertrude Stein no se parecía a su retrato, Picasso declaró: "Ella lo hará." Con el tiempo la creencia de Picasso en los "poderes premonitorios" de sus retratos se afirmó como Stein llegó a parecerse en gran manera su retrato, declarando en 1938: "Yo era y sigo siendo satisfecho con mi retrato, para mí, soy yo, y es la única reproducción de mí que siempre es yo, por mí "(Rodenbeck).Retrato de Gertrude Stein de Picasso es una inquietante y trabajo pensativo, imbuido de un gran sentido del misterio y la meditación. La mirada de Stein es echado a un lado, con las manos en una posición gestual, inclinándose hacia delante con la barbilla inclinada y los labios entreabiertos. Es como si ella está a punto de hablar y por el lenguaje corporal de su retrato, prevemos una escena posterior, donde se articula lo que ella ha estado pensando, elaborando con sus manos. La esencia del carácter de Stein se encarna en esta postura y el gesto, la verdad de su ser en esta representación física. Sin saber nada de Stein, uno a la vez comprender que esta mujer es un pensador de considerar cuidadosamente sus puntos y que esta caracterización intelectual es de fundamental importancia para su modo de ser. Picasso ha logrado los efectos de revelación en relación con este retrato al revelar la verdad de Stein a través de Martin Heidegger principio 's de la verdad como aletheia, es decir, unhiddenness o la experiencia de algo oculto presentarlas ante la revelación. Al no permitir que los pensamientos y las palabras de Stein a ser oído y la captura de ella en un momento congelado de la pintura, Picasso permite una comprensión profunda de todo lo que ella tiene que decir. Al ocultar la experiencia de estar en su presencia, y conociéndola como intelectual, revela la misma verdad y la naturaleza de la compostura y la existencia. Si este fuera el retrato de un monumento congelada de Stein en un momento de gloria, un homenaje a su prístina físico o una representación fotográfica y perfecto, entonces nunca podría ver la verdadera precisión de su ser y devenir. Stein es un ser que pregunta, que viaja y evoluciona, que se refiere a su vida con la inquisición y la curiosidad. La suerte de llegar a ser como su retrato no es del todo sorprendente, ya que Picasso comprendió la eventual progresión de su vida y las formas en que podría aparecer en su rostro. Él entendió su mundo y su forma de amoldar su forma material. El carácter de la pintura en la obra de Picasso es rica y compleja, los colores profundos y sombríos. La pincelada es detallada sin llegar a ser demasiado consciente de sí mismo, y el sentido de la luz que sale de la piel luminosa y aireada bufanda explica y complementa la oscuridad necesaria. Heidegger describía las características de los materiales de este trabajo como sus aspectos terrenales, los que "se levantan de cierre automático," pero a través de las dimensiones mundanas, encarnar la próxima espontánea de lo que es esencialmente auto-recluirse. Es a través de y en contra de la pintura, los colores y los elementos de la línea, la forma y la figura, las cuales se accede a un mundo de Stein, que es el contexto de significado en que entendemos este arreglo de la pintura a ser de ella.Heidegger explica que el mundo debe descansar sobre y consisten en la tierra, que absorben y ocultar su significado si no fuera por la tendencia mundana a la claridad y la revelación. Siempre vinculado en tensión, la representación mundana de la frente de Stein desafía sus dimensiones terrenales, así como la rica calidad terrenal de la pintura en el fondo intenta ocultar su significado y sin embargo ofrece ricos pistas texturales al carácter de la obra. Sería parecer a primera vista fácil de ver este retrato como un simple trabajo de la tierra, un retrato anónimo de una mujer con fuertes elementos de características de claroscuro y de la pintura. Sin embargo, es en este-off cerrando muy de sentido que no ganamos el sentido más completo del mundo somos testigos y las formas en que este montón de pintura ha capturado e iluminadas algo del carácter de su tema.Heidegger describe el arte como la pasando de verdad en la lucha entre la tierra y el mundo. La verdad de Gertrude Stein en este retrato surge de las facetas de la obra de Picasso en la tierra. Las sugerencias de su representación física sacarla como mujer en un entorno terrenal realista. Su figura y el lenguaje de sus expresiones faciales y la postura, así como las claves tonales de la luminosidad de su piel a la luz y su ropa revelan que ella sea una mujer de la iluminación reflexiva, que es ella misma implicada en el proceso de revelar la verdad como que brilla y la experiencia de la dualidad en la naturaleza. Sus manos sugieren ambos planos en un gesto vagamente perpendicular, el derecho apuntando hacia abajo y la izquierda apuntando hacia los lados a través de su cuerpo. El tirón de la cara y parte superior del cuerpo como una fuerza de la intelectualidad y las obras de pensamiento embriagadores contra la horizontalidad de su postura de estar y la mano que tanto sus motivos en ese plano y sugiere levantar de ella. Parece como si la luz en realidad proviene de la cara o de alguna parte por encima del plano de la imagen, ya que no proyecta sombras para anclarla en el fondo, de manera que hay una tensión entre la planitud de la tela y la plenitud y la iluminación de su forma . Heidegger hace hincapié en que la creatividad en el gran artista es un impulso por el cual el genio permite un trabajo para convertirse en lo que es. Este retrato es extraordinario en este sentido en el que Picasso reunió a un sentido de Stein durante más de 90 sesiones, pero no podía obligar a su temperamento de ella y no podía limitar su ser en los caminos que sus ojos estaban viendo. Se alejó de la experiencia cuando ya no podía ver Stein para ella y regresó cuando fue capaz de crear simplemente la cara y el cuerpo como eran y como llegaron a ser. Él comprendió intuitivamente que no era simplemente una tarea de capturar su ser físico exacto, pero un logro de un mayor nivel de retratos en la captura de su esencia como ser. Esta pintura está desprovisto de sentimientos de Picasso, psique, o situación histórica. No es característico de su estilo y puede no ser reconocida inmediatamente como un Picasso por un espectador ocasional. El trabajo no es una declaración de la casa de Picasso en el arte o la sociedad en obras posteriores como el Guernica o estudios en el cubismo se convirtió, sino más bien un intento de simplemente dejar que emerja la verdad de Gertrude Stein. No es un retrato halagador excepcionalmente, que no revela la intensa gratitud y reconocimiento Picasso tenía para su comisión y la forma en que Leo y el dinero de Gertrude Stein le permitió viajar por toda Europa y descubrir todo un mundo de arte fuera de su propio. No intenta embellecer o exagerar Stein como una mujer, sino que permite que la belleza natural de su rostro y el ser reflexivo resplandecerán como algo que no necesita la mano pesada, se muestran hermosos. Es a través de la confianza y seguridad que Picasso ha dejado el retrato de pie en la verdad que se convierte en un hermoso y profundamente inquietante trabajo y una realización profunda de la verdad y de ser. No es sólo a través de las revelaciones aletheic entre la tierra y el mundo, que este trabajo tiene éxito. Heidegger enfatizó la importancia igual del creador y conservador, afirmando que en una obra verdaderamente exitoso, el creador se aniquila a sí mismo en el proceso y deja la tarea de encontrar el sentido de la experiencia para el conservador. Picasso ha creado un retrato que puede sostenerse por sí mismo como una representación exacta y honesta de Gertrude Stein, tanto física como metafísicamente como ella "se convirtió en" lo que había en la pintura. Si bien al principio la gente no estaba de acuerdo de que Stein fue capturado en esta obra, Stein misma reconoce su verdad y le permitió venir a la existencia. Su papel como preservador, así como aquellos que siguieron su habilidad para leer en la pintura y lo ven como un acontecer de la verdad, han permitido que este trabajo se abra y revele sus sutilezas y éxitos premonitorios misteriosas. Por su parte, Stein también se hizo más como el aspecto que Picasso retrató, de manera que el trabajo ha permitido el preservador, como el creador, que se originan como ella es a través del trabajo. filosofía de Heidegger es una manera muy eficaz de ver este trabajo. Si fuera considerado en términos del cuerpo de la carrera de Picasso, que no quiso revelar mucho a todos. En comparación con muchas de las obras más profundamente personales y estilísticos de Picasso, este retrato en un primer momento parece estéril y forzados, uno hace simplemente porque su patrón lo exigía. Cuando se revela en términos de aletheia, sin embargo, vemos una nueva dimensión al papel de Picasso como pintor. La sutileza y la revelación de gran alcance en este trabajo muestran Picasso para ver mucho más allá de la carrera de su pincel, expresando sus premoniciones y verdadera comprensión de Gertrude Stein como mujer y como ser humano. El enfolding, ocultando el carácter de la pintura con sus marrones y negros profundos y sutiles pinceladas apartó y envolver Stein en un entorno terrenal misteriosa y rica que luego se abrió y se ilumina en el carácter mundano intensa de su gesto y expresión, así como el contexto en que fue creado y conocido. esta pintura método de análisis de Heidegger revela las formas sutiles y poderosas en el que esta obra nos afecta, explica su significado y la forma en que un retrato que no no totalmente parecer alguien podría encarnar tan completamente su ser. Es a través de la comprensión de este trabajo en términos fo la lucha entre la tierra y el mundo que tenemos acceso a la verdadera habilidad y el talento de Picasso en el éxito de esta pieza, ya través de verlo completamente aniquilado en su creación, así como la importancia de la respuesta de Stein, entendemos los papeles de creador y conservador en el surgimiento dinámico de la verdad. ¿Qué se oculta tanto por el trabajo y por la investigación de Heidegger, es Picasso. No entendemos las condiciones en que esta pintura llegó a ser, como él ha cubierto su historia en una superficie acabada. Es difícil de entender sus sentimientos hacia Stein - mientras que él definitivamente la entendía, es difícil de entender el conocimiento como una respuesta general positiva o negativa a ese entendimiento. No podemos encontrar a su intención con este trabajo, ni necesariamente saber cómo se espera que sea recibido, ni podemos interpretar su personaje a través de su creador. Heidegger podría argumentar que esto es lo ideal como debe ser, que la obra destaca por su cuenta y que Picasso tuvo tanto éxito en su retrato que no necesitamos a conocerlo en absoluto. Sin embargo, sin conocer a Picasso, no podemos saber si este retrato es realmente cierto. Es muy posible que Picasso ha dejado emerger a ser algo que es totalmente falsa y engañosa. El papel de Stein como preservador también puede ocultar la verdad real de la obra, que pudo haber estado dispuesto a creer declaración falsa de Picasso sobre ella y entrar en la historia como una descripción exacta. Heidegger entiende el lenguaje a través de sus logos de raíz, que se deriva de hablar que a su vez deriva de reunir tal que decirlo es reunir significado.Heidegger no da cuenta de la reunión de falso sentido y el hablar de mentiras, como Picasso en realidad puede estar haciendo. Picasso ha reunido el sentido del mundo de Stein, pero es que en toda la verdad? No hay espacio en esta investigación para comprender que, ni poner en duda los sentimientos de las personas involucradas en el retrato en sus roles potencialmente corruptos como el asunto, el creador, preservador y.proceso del pensamiento de Heidegger en general es un vehículo interpretativo bastante eficaz. A pesar de su casi exclusiva la comprensión o la belleza como la verdad revelada y la negligencia de las potencialidades de la falsedad, lo hace traer los muchos sucesos sutiles y complejos en la obra de Picasso, así como muchas obras de la poesía y el lenguaje. Somos conscientes de lo que está sucediendo en el lenguaje de luces y sombras en la pintura a través de la ocultación / dicotomía reveladora y accedemos a las razones por las que esta pintura es exitoso como un retrato a través del reconocimiento de la tierra / lucha mundial y el concepto de verdad como aletheia. Mientras que la pintura es llamativo y atractivo por sus características visuales y presencia sombría, proceso de análisis de Heidegger revela en una complejidad más completa y la riqueza que de otro modo podría ser fácil pasar por alto, pero que, de hecho, mantiene las mismas claves para desentrañar su sentido y significado más profundo . Este método de investigación no sería suficiente para muchas otras obras de arte, como la poesía confesional autoconsciente que depende de nuestra familiaridad con el autor y su vida.Heidegger podría despedir a este tipo de trabajo como "arte malo" y, sin embargo, no existe mérito distinto e impacto preservado a las obras que desafían la estética de Heidegger del arte y la cultura. Su filosofía se basa en la presencia definida de la verdad en la realidad, tal como se revela en este caso a través de desocultar. Pero lo que si no existe una verdad absoluta? Las obras de arte siguen afectando a los espectadores, se mueven y agitan las almas del hombre ya sea que revelan una gran verdad o no. ¿Cómo podemos dar cuenta de nuestras respuestas metafísicas y profundos emocionales a la música, fotografías, drwaings, o una escena en una obra de teatro, si no hay una verdad profunda profunda siendo revelado? La subjetividad de nuestros mundos que lo hace que cada observador o "experimentador" del arte tendrán una respuesta única y entendimiento en base a su sentimiento, la historia y la psicología. Es arte, entonces, revelando verdades universales, o simplemente tocar las creencias subjetivas que erróneamente presentado como verdad porque han sido aparentemente reveló como tal? Heidegger podría afirmar que una obra de arte que evoca verdades "incorrectos", las respuestas erróneas, reacciones confusas y similares, es defectuoso de su falta de claridad en la revelación de la verdad.La calidad multifacética y versátil de trabajo podría, sin embargo, se convierten en una virtud más que un defecto, como más ancho o más atractivo personal, mientras que menos a tierra en la verdad absoluta, puede hacer un trabajo mucho más eficaz e inmediata, fomentando a nivel de alma personal respuestas en lugar de una manera "correcta" de experimentar la verdad. Un análisis menos insistente que no se basa en el acontecer de la verdad como algo que puede ser percibido como bien hecho o no tiene éxito puede permitir mayores niveles de experiencia y comprensión del arte, al tiempo que revela mucho más profundas verdades en el proceso, que podría ser de otro modo oculta por un sistema aparentemente arbitraria del juicio fo lo que puede ser considerado verdadero. Para obras como el retrato que tratan de transmitir la verdad, vehículo de Heidegger de la interpretación es ideal. Podemos entender la verdad del sujeto y la verdad del retrato como aletheia a través de la lucha entre el terrenal y dimensiones mundanas y fomentar nuestra experiencia de la obra tal como la entendemos y articular nuestras reacciones preservando al relativo éxito de la obra en función de cómo así tenemos acceso a la verdad que revela. BIBLIOGRAFÍA CITADA Heidegger, Martin. Poesía, lenguaje, pensamiento. trans. Albert Hofstadter. HarperCollins Publishers, Inc.: New York, 1971 Levy, Lorraine. Picasso.trans. Barbara Beaumont. Henry Holt and Ebury Press: Italia, 1990. Rodenbeck, Judith. "Insistente presencia en Retrato de Gertrude Stein de Picasso" manuscrito ensayo, la Universidad de Columbia, reimpreso en línea por Robert Fisher, 1995. es defectuosa en su falta de claridad en la revelación de la verdad. La calidad multifacética y versátil de trabajo podría, sin embargo, se convierten en una virtud más que un defecto, como más ancho o más atractivo personal, mientras que menos a tierra en la verdad absoluta, puede hacer un trabajo mucho más eficaz e inmediata, fomentando a nivel de alma personal respuestas en lugar de una manera "correcta" de experimentar la verdad. Un análisis menos insistente que no se basa en el acontecer de la verdad como algo que puede ser percibido como bien hecho o no tiene éxito puede permitir mayores niveles de experiencia y comprensión del arte, al tiempo que revela mucho más profundas verdades en el proceso, que podría ser de otro modo oculta por un sistema aparentemente arbitraria del juicio fo lo que puede ser considerado verdadero. Para obras como el retrato que tratan de transmitir la verdad, vehículo de Heidegger de la interpretación es ideal.Podemos entender la verdad del sujeto y la verdad del retrato como aletheia a través de la lucha entre el terrenal y dimensiones mundanas y fomentar nuestra experiencia de la obra tal como la entendemos y articular nuestras reacciones preservando al relativo éxito de la obra en función de cómo así tenemos acceso a la verdad que revela."Insistente presencia en Retrato de Gertrude Stein de Picasso" manuscrito ensayo, la Universidad de Columbia, reimpreso en línea por Robert Fisher, 1995. es defectuosa en su falta de claridad en la revelación de la verdad. La calidad multifacética y versátil de trabajo podría, sin embargo, se convierten en una virtud más que un defecto, como más ancho o más atractivo personal, mientras que menos a tierra en la verdad absoluta, puede hacer un trabajo mucho más eficaz e inmediata, fomentando a nivel de alma personal respuestas en lugar de una manera "correcta" de experimentar la verdad.Un análisis menos insistente que no se basa en el acontecer de la verdad como algo que puede ser percibido como bien hecho o no tiene éxito puede permitir mayores niveles de experiencia y comprensión del arte, al tiempo que revela mucho más profundas verdades en el proceso, que podría ser de otro modo oculta por un sistema aparentemente arbitraria del juicio fo lo que puede ser considerado verdadero. Para obras como el retrato que tratan de transmitir la verdad, vehículo de Heidegger de la interpretación es ideal. Podemos entender la verdad del sujeto y la verdad del retrato como aletheia a través de la lucha entre el terrenal y dimensiones mundanas y fomentar nuestra experiencia de la obra tal como la entendemos y articular nuestras reacciones preservando al relativo éxito de la obra en función de cómo así tenemos acceso a la verdad que revela.
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Pablo Picasso (1881-1973) es uno de los pintores más conocidos del mundo. Por la aparente simplicidad de sus composiciones, su estilo cubista es frecuente tema de bromas. Sin embargo, las obras de Picasso son más complejas de lo que creemos.
En esta obra una mujer (Marie Thérèse Walter, amante de Picasso) se contempla frente a un espejo. Su rostro esta dividido en dos: del lado izquierdo vemos la niña y del lado derecho la mujer. En una interpretación moderna de la vanidad, Marie Thérèse, contempla su reflejo interno. Lo que ve en el mismo esta abierto a debate: ¿reflejo futuro de una decrépita vejez o complejos internos que nos son invisibles?
La mujer estira la mano hacía el espejo en un movimiento que une a la vez la niña, la mujer y el reflejo de la misma. En una sola obra, Pablo Picasso plasma todo su genio. Con brochazos gruesos y una paleta de colores caóticamente colorida, Picasso nos representa tres versiones de una sola mujer. En las palabras del famoso pintor español: “¿Hemos de pintar lo que está en la cara, lo que está dentro del rostro, o lo que está detrás de esto?
TÍTULO: Mujer ante el Espejo
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jACQUELINE FUE LA ULTIMA MUJER E PICASSO,,, LO CUIDO CON EVOCION
HASTA SU MUERTE
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Garçon à la pipe (Muchacho con pipa) es una pintura de Pablo Picasso. Fue pintado en 1905, cuando Picasso tenía 24 años, durante su Período Rosa, poco después se estableció en la sección de Montmartre de París, Francia. El óleo sobre lienzo de pintura representa a un niño parisino sosteniendo una pipa en la mano izquierda y con una guirnalda o corona de flores.

La pintura

Preparación
Principios de los preparativos de este trabajo que implica el posicionamiento del niño en todos los tipos de actitudes que participan en pie, sentado o recostado contra la pared.Después de reposicionamiento de gran parte de la modelo, Picasso decidió ir con el niño sentado. El siguiente fue cómo la posición del brazo, donde mucho tiempo fue gastado en la altura y el ángulo. Los primeros trabajos no muestran objetos que no sean de una tubería que se utiliza. Aunque Picasso comenzó a pintar este cuadro, le dio un período de descanso de un mes. Durante este tiempo, Picasso decidió acabar con él mediante la colocación de una guirnalda de flores sobre la cabeza del muchacho.No se sabe por qué Picasso decidió hacer esto, pero hay un contraste entre la feminidad y la masculinidad en la imagen.

El niño

Le Bateau-Lavoir de Montmartre es donde Picasso vivía cuando pintó el cuadro. Algunas de las personas locales se ganaba la vida en la industria del entretenimiento, como los payasos de ser o acróbatas. Picasso utiliza mucha gente local en sus cuadros, pero se desconoce mucho sobre el niño en la imagen. Lo que parece ser hecho por los comentarios hechos de una variedad de fuentes es que el muchacho era un modelo en su adolescencia que se mantenían en el estudio de Picasso y se ofreció a posar para la labor de petróleo. Propios comentarios de Picasso sobre el niño que se fue uno de los: "Tipos de locales, actores, señoras, señores, los delincuentes... Se quedó allí, a veces todo el día. El me miraba de trabajo. Le encantaba eso. " De este comentario, se pueden hacer suposiciones. La primera es que Picasso no quería que la gente sepa que el niño es, y el segundo es Picasso no sabía realmente el niño. Sin embargo, los informes se han hecho muchos que dicen que el chico es "P'tit Louis", o "Little Louis". Propiedad
El cuadro fue adquirido por John Hay Whitney, en 1950 para EE.UU. de 30.000 dólares. El 5 de mayo de 2004, la pintura fue vendida por 104.168.000 dólares EE.UU. en una subasta de Sotheby's en Nueva York. Sotheby's no ha dicho que compró la pintura.En el momento, se rompió el récord de la cantidad pagada por una pintura subastada (cuando la inflación se ignora). La cantidad, 104 millones dólares EE.UU., incluye el precio de adjudicación de los EE.UU. 93 millones dólares, más la comisión de la casa de subastas, de alrededor de EE.UU. $ 11 millones.La pintura se le dio una estimación pre-venta de dólares de los EE.UU. 70 millones a la casa de subastas. Muchos críticos de arte han afirmado que el precio de venta de alta de la pintura tiene mucho más que ver con el nombre del artista que con el mérito o importancia histórica de la pintura. El artículo de The Washington Post sobre la venta figura la siguiente caracterización de la reacción: "Picasso de expertos Pepe Karmel, alcanzado en Nueva York la mañana después de la venta, se enojó creciente sobre todo el asunto. "Estoy sorprendido", dijo, "que un agradable, pintura menor puede resultar en un precio apropiado para una verdadera obra maestra de Picasso. Esto demuestra hasta qué punto el mercado está divorciada de los verdaderos valores del arte"

Gertrude Stein
Autor: PicassoFecha:1906 Características:
Gertrude Stein era una joven millonaria americana que había llegado a París en 1903 para profundizar en su carrera de psicología. Era miembro de una rica familia de origen judío y físicamente no muy agraciada, asemejándose en primer lugar a un senador romano para parecerse después a una imagen de Buda. Cuando Gertrude llegó a la capital francesa, compartió alojamiento con su hermano Leo, gran entusiasta del arte de Cèzanne y comprador habitual de arte de vanguardia, el propio Picaso entre otros artistas. Gertrude deseó que el joven malagueño le hiciera un retrato y empezó a posar para él. Las sesiones se prolongaron durante casi tres meses, mientras Fernande Olivier, la amante de Picasso, leía fábulas de La Fontaine.El retrato fue empezado en un estilo vinculado con la época rosa y gustaba cuando era enseñado a los conocidos, pero a Pablo no le acababa de satisfacer. En uno de sus habituales impulsos, un día pintó de nuevo la cabeza y cuando Gertrude contempló el resultado escuchó de su amigo: "Es que no la veo a usted cuando la miro". La obra no fue nunca más retocada -a pesar de que no fue del gusto de la modelo- y Picaso dijo: "Todos piensan que ella no se parece en nada al retrato, pero no hay que preocuparse; al final, llegará a ser exactamente así".En este lienzo podemos apreciar claramente el importante cambio suscitado en la pintura de Picasso debido a la influencia ejercida por el primitivismo de los relieves ibéricos de Osuna (Sevilla), que el artista pudo contemplar en una exposición en el Louvre durante el invierno de 1906. La expresividad de estas esculturas, el sintetismo que se manifiesta en sus formas y la plasticidad que poseen supusieron un nuevo punto de partida para el malagueño, tal y como se puede apreciar en esta obra maestra. De las esculturas ibéricas proceden las grandes orejas de Gertrude, el tratamiento asimétrico del rostro y la acentuada mandíbula. También apreciamos elementos de épocas anteriores como el tratamiento arquitectónico de la figura, la sugerencia del espacio a través de la esquina o las grandes manos.Una importante novedad que anticipa el futuro cubismo será el enfoque del rostro en el que las diversas partes van adquiriendo autonomía propia como observamos en el pómulo, traído a primer plano y distorsionado, la colocación asimétrica de los ojos, uno más grande que el otro y a distinta altura o el aspecto de máscara de yeso. Esta sensacional obra se relaciona con el Autorretrato con paleta también del invierno de 1906.
http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/9658.htm

PABLO PICASSO


Autorretrato con la paleta en la mano Autor: PicassoFecha:1906 Características:
En el invierno de 1906, antes de partir para Gosol, Picasso realizará dos retratos cumbres en su producción del periodo primitivista, antes de dar el salto al cubismo. Se trata del retrato de Gertrude Stein y del Autorretrato con paleta que contemplamos, de clara sintonía con el anterior. Si observamos con detenimiento ambos retratos, podemos comprobar que los rostros de los dos personajes están relacionados. La razón debemos encontrarla en el empleo de las máscaras ibéricas como fuente, marcando la mandíbula y las orejas al tiempo que las sombras bajo la mejilla y la barbilla se interrumpen de manera brusca. El cuerpo es volumétrico, casi arquitectónico, definido gracias a intensas líneas de color negro con las que consigue aportar mayor volumetría, tanto a la cabeza como al brazo. Sin embargo, el resto de la composición pertenece claramente al periodo rosa como podemos apreciar en la postura frontal de la figura o el colorido empleado, jugando con tonos rosas, azules, blancos y grises. Los ojos abiertos del artista parecen indicar la expectación sobre lo que pronto va a llegar: la revolución cubista.
CUBISMO
CubismoFechas: 1.907 - 1.914
Obras: 1

Galería
Aunque se acepta que el cubismo como movimiento artístico comienza en 1907, fecha de Las señoritas de la calle Avinyó, de Pablo Picasso (ése es el nombre original de Las señoritas de Avignon), la verdad es que ese cuadro supone una culminación de experiencias iniciales, ya en 1906. Dos son los formuladores del cubismo, Georges Braque y Pablo Picasso. Comparte determinados aspectos como la admiración, en la historia del arte de Seurat y, sobre todo, de Cézanne. Además siguen a Matisse en la nueva admiración por el arte de los pueblos no europeos, la escultura africana y oceánica. A comienzos de 1908 Braque y Picasso realizan una estancia en el sur de Francia, en la localidad de L' Estaque; será un año de intensa amistad y trabajo en común, de forma que en apenas un año el cubismo tiene unas sólidas bases y un perfil propio. El cubismo es una titánica reflexión intelectual y visual sobre la forma. Pese al aspecto de algunos cuadros cubistas la forma siempre fue respetada, no cruzando nunca el umbral de lo abstracto. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas, los elementos que se disponen de modo caótico sobre la mesa de un café. Se pueden distinguir diversas fases en el desarrollo del cubismo. Después del momento inicial, hacia 1910-1911 se define el llamado cubismo analítico, el más críptico de todos, donde forma y fondo se entremezclan, se confunden. A partir de entonces la pintura recompone su imagen, proceso en el que cabe mencionar a Juan Gris (1887-1927). Es cuando surge la técnica del collage, en la que se recortan planos de diversos materiales y se pegan a la superficie del lienzo. El comienzo de la Primera Guerra Mundial fracciona el cubismo, que seguirá subsistiendo en experiencias como el purismo,


Picasso. Pablo Ruiz PicassoNacionalidad: EspañaMálaga 1881 - Mougins 1973 PintorEstilo: CubismoEscuela:
Galería
Pablo Ruiz Picasso es el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del cubismo junto a Braque, su capacidad de invención y de creación le sitúan en la cima de la pintura mundial. Nació en Málaga en 1881, ciudad en la que su padre era profesor de Dibujo y director del Museo Municipal. La familia Ruiz Picasso pronto se traslada a La Coruña y de allí a Barcelona, donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo totalmente académico; pero rápidamente contacta con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión. París se va a convertir en la gran meta de Pablo y en 1900 se traslada a la capital francesa por un breve periodo de tiempo. Al regresar a Barcelona, empieza a trabajar en una serie de obras en la que se observan las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; está buscando un estilo personal. Entre 1901 y 1907 se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos años iniciales del siglo XX está viviendo continuos cambios y Picasso no puede quedarse al margen. Así que se interesa por Cézanne y partiendo de él va a desarrollar una nueva fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo. Pero Picasso no se queda ahí y en 1912 practica el collage en la pintura; a partir de este momento todo vale, la imaginación se hace dueña del arte. Picassso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo de Ingres; durante una temporada va a alternar obras clasicistas con otras totalmente cubistas. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le servirá como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia. Igual que le ocurre a Goya, a Picasso también le influye mucho la situación personal y social a la hora de trabajar. Sus relaciones con las mujeres, muy tumultuosas en ocasiones, van a afectar muy seriamente a su obra. Pero lo que afectó tremendamente al artista fue el estallido de la Guerra Civil Española y el bombardeo de Guernica, que provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas. Falleció en Mougins en 1973, cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el final.

artehistoria

  • elisabs respondido hace 8 años
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético, fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber.

Pablo Picasso La ingente obra del pintor y escultor español Pablo Picasso ejerció una gran influencia en el arte contemporáneo. Picasso se estableció en París en 1904 y comenzó a pintar en un estilo cercano al postimpresionismo. Más tarde evolucionó hacia otras tendencias artísticas a lo largo de sus más de 20.000 obras. Está considerado como el artista más relevante del siglo

PERIODO DE FORMACIÓN

Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Hasta 1898 siempre utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus obras, pero alrededor de 1901 abandonó el primero para utilizar desde entonces sólo el apellido de la madre. El genio de Picasso se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas: a la edad de 10 años hizo sus primeras pinturas y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Picasso, Barcelona), que representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño junto a la cama de una mujer enferma; ganó una medalla de oro.

PERIODO AZUL

Entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904. El ambiente bohemio de las calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del postimpresionismo de Paul Gauguin y del simbolismo de los pintores nabis. Los temas de la obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, así como el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco.

PERIODO ROSA

Poco después de establecerse en París en un desvencijado edificio conocido como el Bateau-Lavoir, Picasso conoce a su primera compañera, Fernande Olivier. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos; los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, que visitó con gran asiduidad, creando obras como Familia de acróbatas (1905, National Gallery, Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su alter ego, práctica que repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan su amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los marchantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler y los ricos estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el pintor.

PROTOCUBISMO

En el verano de 1906, durante una estancia de Picasso en Gosol, Andorra, su obra entrará en una nueva fase marcada por la influencia del arte griego, ibérico y africano. El célebre retrato de Gertrude Stein (1905-1906, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York) revela un tratamiento del rostro en forma de áscara. La obra clave de este periodo es Las señoritas de Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York), tan radical en su estilo —la superficie del cuadro semeja un cristal fracturado— que no fue entendido, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos.

CUBISMO ANALÍTICO Y SINTÉTICO

Tres músicos El pintor español Pablo Picasso retrató en varias de sus obras a personajes del circo y del teatro. En Tres músicos (1921, óleo s/lienzo, 200,7 × 222,9 cm, Museo de Arte Moderno de Nueva York) están representados dos personajes de la Commedia dell’arte italiana (Arlequín con un traje a rombos y Pierrot vestido de blanco). Algunos expertos creen que Arlequín es un autorretrato del pintor.

Inspirados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de “pequeños cubos”, imponiéndose así el término cubismo. Entre 1908 y 1911 trabajaron en estrecha colaboración dentro de esta línea de descomposición y análisis de las formas, desarrollando juntos la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico. La paleta monocromática prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modo simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, entre los que destaca el retrato de uno de sus marchantes, Daniel Henry Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de Chicago). En 1912 realiza su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón. Esta técnica señala la transición hacia el cubismo sintético. Esta segunda fase del cubismo es más decorativa, y el color desempeña un papel más destacado, aunque nunca de manera exclusiva. Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de estilos que utilizó: Arlequín (Museo de Arte Moderno) es un cuadro cubista sintético, mientras que un dibujo de su marchante, Vollard (Museo Metropolitano de Arte), está realizado dentro de lo que se conoce como estilo ingrista, así denominado porque emula las formas artísticas del pintor francés Jean August Dominique Ingres. De 1923 es su Arlequín con espejo (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid). Obra de su llamado periodo clásico (1921-1925), anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia de su estancia en Italia en 1917.

ESCULTURA CUBISTA

El busto de bronce de Fernande Olivier (también llamado Cabeza de mujer, 1909, Museo de Arte Moderno) muestra la consumada habilidad técnica de Picasso en el tratamiento de las formas tridimensionales. También realizó conjuntos —como Mandolina y clarinete (1914, Museo Picasso, París)— formados por fragmentos de madera, metal, papel y otros materiales, explorando con ello las hipótesis espaciales planteadas por la pintura cubista. Su Vaso de ajenjo (1914, Museo de Arte Moderno) es una escultura en bronce coloreada que representa un vaso de ajenjo sobre el que aparece colocada una cucharilla de plata y la reproducción exacta de un terrón de azúcar; tal vez se trate del ejemplo más interesante de escultura policromada cubista realizado por Picasso, anticipando con ella tanto sus posteriores creaciones de objetos encontrados del tipo Mandril y joven (1951, Museo de Arte Moderno), como los objetos Pop art de la década de 1960.

REALISMO Y SURREALISMO

Durante la I Guerra Mundial, Picasso viajó a Roma para realizar los decorados de los ballets rusos de Sergei Diáguilev. Conoció allí a la bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco después. Dentro de un estilo realista, figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo, en Pablo vestido de Arlequín, 1924, Museo Picasso, París) y a sus numerosos amigos. A comienzos de la década de 1920 pintó una serie de cuadros con figuras robustas, pesadas, escultóricas, dentro del que se ha denominado estilo ingresco, como por ejemplo Tres mujeres en la fuente (1921, Museo de Arte Moderno) y obras inspiradas en la mitología, como Las flautas de pan (1923, Museo Picasso, París). Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de bañistas inflados e informes, con cabezas muy pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de mujeres en actitudes violentas, convulsas, indicando a menudo con ellas sus propias tensiones vitales. Aunque siempre declaró que no era surrealista, en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características propias de este movimiento artístico, como en Mujer durmiendo en un sillón (1927, Colección Privada, Bruselas) y Bañista sentada (1930, Museo de Arte Moderno).

PINTURAS: 1930-1935

Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de 1930, en los que predomina la armonía de líneas, el trazo curvilíneo y un cierto erotismo subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor, Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija Maya en 1935. Marie Thérèse, retratada muy a menudo en actitudes de reposo, fue también la modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo (1932, Museo de Arte Moderno). En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros; en esta obra, tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales más importante del siglo XX.


El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española, la aviación alemana, por orden de Francisco Franco, bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme mural conocido como Guernica. En menos de dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937. El cuadro no retrata el acontecimiento en sí; más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la complejidad de estos y otros símbolos, y a la imposibilidad de dar a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra. El cuadro permaneció en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1939 hasta 1981, año en el que regresó a España; aquí se emplazó en el Casón del Buen Retiro, junto al Museo del Prado, en Madrid, hasta que en 1992 se trasladó de nuevo, esta vez de manera definitiva, a su actual emplazamiento en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, también en Madrid.

LA II GUERRA MUNDIAL Y LOS AÑOS DE POSGUERRA

El estallido y posterior desarrollo de la II Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de sus obras. Así lo vemos, por ejemplo, en Bodegón con calavera de buey (1942, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf) y en El osario (1945, Museo de Arte Moderno). Conoce por entonces a la pintora Françoise Gilot, con la que tendrá dos hijos, Paloma y Claude; ambos aparecerán retratados en numerosas obras que recuperan los primeros estilos de Picasso. Su última compañera sentimental, a la que también retrató en bastantes ocasiones, fue Jacqueline Roque, a la que conoció en 1953 y con la que se casó en 1961. Desde entonces residió casi siempre en el sur de Francia.

ÚLTIMOS TRABAJOS: RECAPITULACIÓN

Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet, Eugène Delacroix y Édouard Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de Fernande Mourlot. Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947, en Vallauris, realizó cerca de 2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas: El hombre del carnero (1944, Museo de Arte de Filadelfia), un bronce a tamaño natural, y La cabra (1950, Museo de Arte Moderno), también en bronce, obra de enorme fuerza. En 1964 llevó a cabo la maqueta de Cabeza de mujer, una monumental escultura levantada en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago. En 1968, y a lo largo de siete meses, creó las notables series de 347 grabados con los que retornó a sus primitivos temas: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas.

A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo. Picasso murió el 3 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie, su residencia cercana a Mougins.

Su obra mas importante:

El Guernica (1937, óleo s/ lienzo, 349 × 776,6 cm, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid) del pintor español Pablo Picasso describe el bombardeo de la localidad vasca por parte de la Legión Cóndor alemana el 26 de abril de 1937. Para realizar este inmenso lienzo, que podría encuadrarse dentro del cubismo, Picasso realizó más de 60 croquis preparatorios en color; sin embargo la obra definitiva es en blanco, negro y grises para destacar la violencia de la masacre. En el centro, el caballo herido por una lanza simboliza las víctimas inocentes.,,,,


Pablo Picasso
El periodo azul de Picasso fue una etapa de formación. En ella prescinde del color para dominar la forma sin distraerse con elementos ajenos a la composición. El periodo rosa es el complemento de su formación en la que ya incorpora el color, cuando ha dominado la línea. Estas obras son apreciadas con justicia pero son obras clásicas en las que habla a su manera, con veinte años, de la vida.
Con el cubismo Picasso analiza la forma de representación del objeto, así como el arte abstracto analiza el color. El cubismo geométrico analiza la posición de los elementos en el plano. El cubismo analítico realiza un análisis de las facetas del objeto, de las formas; el color carece de importancia. El cubismo sintético analiza los elementos que componen el objeto, por eso cambia la realidad de la que se ocupa y ya no analiza la figura humana —de la que se ocupará, no sin dificultades, al final de este periodo(Hombre con pipa, 1915, donde encontramos una obra figurativa dentro de una composición cubista), y después de él, con gran acierto, cuando oficialmente ha abandonado este estilo (partiendo de suArlequín de 1915). Picasso llevó el estudio del objeto mediante el cubismo analítico y sintético hasta el límite, podíamos decir, en que el análisis la representación que se va a realizar mantiene relación formal con los aspectos del objeto (posición, forma y composición). Propiamente, realiza su análisis hasta que las facetas que se eligen del objeto no permiten una mayor aproximación, en el primer caso, y, en el segundo, hasta que se alcanza la mayor reducción posible en la búsqueda de la esencia de su composición. Sirvan como ejemplos, respectivamente, Guitariste (La mandoliniste), de 1910 yGuitarra, de 1913. Puede parecer que el desarrollo lógico del estudio llevará a una total desaparición del objeto, pero tal cosa ocurriría si se estudiara la pintura en lugar de la técnica; ese principio lógico no es aplicable en este caso.
Una confusión similar se puede producir con las obras surrealistas de Picasso. Para aclararlo, debemos investigar, de nuevo, la esencia de su obra. Y el origen de esa representación, no está, como en los surrealistas, en el sueño ni en el subconsciente ni en la irracionalidad; está en la propia realidad. Picasso analiza la representación, mediante el procedimiento de los surrealistas, del objeto que reproduce. Nuevamente, Picasso interpreta la realidad estudiando otra forma de expresión en la que también investigó sus límites. Tiene aspectos que parecen relacionarle con el surrealismo pero, aunque las formas coincidan, la esencia es distinta.

2

Con el cubismo Picasso creó valores, estableció una forma de representación que no partía de la percepción de las formas sino de los principios de representación. Pero Picasso buscaba el drama, no sólo las bellas apariencias. Por ello, afirma Ruhrberg: “Abandonó el cubismo cuando consideró que se había vuelto demasiado científico”.1 Con lo que se quiere manifestar que Picasso buscaba expresar el sentido de la vida: “Lo increíble y monstruoso forman parte de la realidad…”2 “Que Eros y Tánatos, la alegría y la tragedia, son gemelos, se revela de forma más clara en la obra de Picasso que en la de ningún otro artista de nuestro tiempo”.3
Así, las últimas obras de Picasso son de gran valor, pues en ellas nos habla de la esencia del gran hombre, por eso está lejos de ser comprendido. Su obra es más filosófica que artística. La trasformación de Picasso no se ha entendido: Picasso se ha hecho niño en tanto, que antes, era león.
Es decir, buscaba la intuición y se quejaba de la comprensión racional.Parece que Ruhrberg ha intuido el sentido de la última etapa de la pintura de Picasso. Frente a quienes han valorado, por encima del resto, sus primeras obras y especialmente el cubismo, por la influencia que ha tenido en otros artistas y por la profundidad de ese estilo, méritos que son innegables, Picasso le supera por ser un conocimiento racional que acaba por reducir el pensamiento y nos ofrece una forma de conocer que, más que intuitiva, pretendía ser instintiva, y presenta un arte ajeno a toda racionalización: acabó realizando un expresionismo simple, destacando la sencillez y la inmediatez. Después de concebir la técnica más difícil acabó haciendo las obras más sencillas, en contraposición a aquellos que, cuanto más pequeños, más necesitan la seguridad de una técnica y notar el peso de los conceptos —el estilo lo es— antes que disfrutar de la liviandad de las ideas. Los críticos de Picasso piensan que todo lo que no es intelectual (con lo que se quiere decir racional) carece de calidad. Así, las últimas obras de Picasso son de gran valor, pues en ellas nos habla de la esencia del gran hombre, por eso está lejos de ser comprendido. Su obra es más filosófica que artística. La trasformación de Picasso no se ha entendido: Picasso se ha hecho niño en tanto, que antes, era león.

3

Debemos intentar aclarar por qué la simplicidad que considerábamos un demérito en el arte del siglo XX es en Picasso una superación. En general, la simplicidad es un síntoma de falta de recursos y en Picasso la sencillez es el abandono de todos los recursos. Con la escasez de medios para la representación Picasso nos está demostrando el amor fati, que la vida merece ser vivida por encima de cualquier otra consideración que, por muchas limitaciones que se tengan en ella, se la pueden reconocer ventajas, sólo hace falta ser capaz de aceptar los inconvenientes y los sufrimientos para apreciarlas, para comprender el placer de vivir. Picasso se impone todas las limitaciones y se exige una precisión en su trabajo que no requiera ninguna modificación del trazo realizado y no se permite representar ningún elemento que distraiga la esencia que muestra: que esas limitaciones de la vida no pueden ser inconvenientes para ella, sino que son su esencia. Así, la simplicidad es, en unos casos, incapacidad, en otros, una superación: En la evolución de su obra no buscó la contemplación estética del arte, sino de la vida, es decir, percibía las ideas que subyacen en toda representación del mundo y nos las muestra. Picasso, acompasó su vida y su obra a su edad.
No hay en nadie en el siglo XX que haya pretendido nada semejante; desde el mundo del arte es absolutamente imposible analizarle, solo conociendo teorías filosóficas que se cuestionan el valor de la razón, se puede uno aproximar a él. Y Picasso lo entendió —instintivamente.
También en el libro citado se refleja el comentario de Picasso en el que dice que “todo el mundo quiere entender el arte” [...] ¿Por qué no intentan entender el canto de un pájaro?”Ésta es la clave para comprender el arte de sus últimas etapas. Intenta hacer un arte que no tenga que justificarse con razonamientos, intenta evitar una interpretación racional de sus obras, lo cual al hombre moderno, es decir, al hombre teórico, le parece algo inconcebible, por lo que sus obras no han sido entendidas y, por ser inconcebible la intención, se rechaza la forma. Después de investigar todas las formas de expresión artísticas que existían en el mundo buscó las instintivas que tenía dentro de sí para mostrar su voluntad, no su conocimiento. A través del arte quiere hablarnos de la vida, de una vida superior. Lo que pretende es que la pintura se comprenda por el instinto, de tal forma que ese modelo se aplique a otras situaciones, vaciándolas también de todo compromiso e interpretación pues lo racional conduce a la confusión. Nos dice: esto es un cuadro, no intentes comprenderle, siéntele; con lo que nos quiere decir, ahí tienes la vida, no la analices, vívela; o, ante un problema, no uses la razón, aplica el instinto. Quiere que la vida se comprenda de la forma en que se escucha el canto de un pájaro, sin buscar razones. Picasso sabía, al igual que Nietzsche, que sólo la razón no sirve para la vida. Y nos mostró la tragedia de la vida. Su obra se puede llegar a conocer pero no la puede comprender quien carezca de instinto. Si el arte sólo le pueden comprender los artistas, supuestamente individuos con instinto, la obra de Picasso sólo la puede comprender un artista que a la vez sea filósofo: un artista de la vida. No hay en nadie en el siglo XX que haya pretendido nada semejante; desde el mundo del arte es absolutamente imposible analizarle, solo conociendo teorías filosóficas que se cuestionan el valor de la razón, se puede uno aproximar a él. Y Picasso lo entendió —instintivamente
http://revistareplicante.com/la-obra-de-picasso/


1937 Pablo Picasso (Spanish artist, 1881–1973) Marie-Therese Walter 1937.

1937 Pablo Picasso  

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Picasso - femme au beret rouge
portrait of a woman

Picasso.SenEspejo.

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1937 Pablo Picasso (Spanish artist, 1881–1973) Marie-Therese Walter 1937.

1937 Pablo Picasso  

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Picasso - femme au beret rouge
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Picasso.SenEspejo.

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24
OCT2013

Los cinco cuadros más caros de Picasso

  • Conoce qué obras de arte han superado los 100 millones de dólares en subastas y ventas privadas
Definir la obra de Pablo Picasso es una difícil tarea, dada su gran cantidad y diversidad estilística. Sin embargo, sí podemos decir que está estrechamente relacionada con su vida personal, siendo un fiel reflejo de sus aventuras amorosas y su miedo a la muerte.
Pablo Ruiz Picasso nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga. Desde muy pequeño comenzó a imitar a su padre, también pintor. Con tan solo 13 años comenzó a dejar su impronta en óleos de una calidad asombrosa para un niño de esa edad. Ese año se mudó a Barcelona con su familia, donde empezó a estudiar en la Escuela de Arte.
El sueño, vendido por 155
millones de dólares, es el
cuadro más caro de Picasso
Su padre, entusiasmado con las maneras que apuntaba, lo envía a Madrid para que diera un salto en su formación. Sin embargo, pronto se cansa de la rigidez y el academicismo, regresando a la ciudad condal donde comienza a vender trabajos comerciales que le permiten pagar el alquiler.
Una de sus obras es elegida para participar en la Exposición Universal de París, en 1900. Fue un fracaso, ya que no despertó ningún tipo de expectación. Lejos de frustrarle, Picasso lo vio como un reto. Empezó a dibujar hasta que un marchante le ofreció una exposición en solitario. Esta vez sí, Picasso triunfó. Tras volver a Barcelona, regresa a Francia para instalarse definitivamente en 1904.
Las señoritas de Avignon, obra clave en la carrera de Picasso.
La vida amorosa influyó notablemente en la obra artística de Picasso. Cada mujer que pasaba por su vida marcaba drásticamente su estilo pictórico. Tras sus etapas azul y rosa llegó su época cubista, todas ellas marcadas por amores y desamores. Durante esta última pintó Las señoritas de Avignon, obra que marcaría un antes y un después en su carrera, cambiando las reglas del arte del siglo XX.
Desnudo, hojas verdes y busto es
la obra subastada de más valor,
con 106,5 millones de dólares
Nadie la entendía. Picasso, un visionario, tuvo que guardarla casi diez años para que fuera aceptada. Sin embargo, se convirtió en el espejo de muchos jóvenes pintores a los que marcó profundamente, creando tendencia. Junto a su amigo y rival Henri Matisse se convirtió en referente del expresionismo y el surrealismo europeo.
Aunque lejos de su España natal, Picasso seguía muy pendiente de su devenir. La Guerra Civil le marcó profundamente, inspirándole para realizar una de las pinturas más importantes del siglo pasado, Guernica. En la época final de su vida siguió pintando y realizando trabajos de escultura y sobre cerámica. No quería parar,su miedo a morir le obligaba a enfrentarse cada día a un lienzo en blanco.
La belleza de sus obras ha convertido a Picasso en uno de los pintores más cotizados del mundo. Algunas de sus pinturas están entre las más caras del mundo:
El Sueño (1932): 155 millones de dólares, adquirido por Steven Cohen en una venta privada.

Desnudo, hojas verdes y busto (1932): 106,5 millones de dólares, adquirida en 2010 en subasta por una persona anónima. Fue la obra más cara subastada hasta ese momento.

Garçon à la pipe (1904): 104,1 millones de dólares. También en subasta, en 2004. Fue el primer cuadro en superar los 100 millones de dólares.

Dora Maar au chat (1941): 95,2 millones de dólares. Cuando se vendió, en 2004, también consiguió el récord de ser el cuadro más caro de la historia.

Femme aux bras croisés (1902): perteneciente a su etapa azul, se vendió en el año 2000 por 55 millones de dólares.

Fuentes de referencia

24
OCT2013

Los cinco cuadros más caros de Picasso

  • Conoce qué obras de arte han superado los 100 millones de dólares en subastas y ventas privadas
Definir la obra de Pablo Picasso es una difícil tarea, dada su gran cantidad y diversidad estilística. Sin embargo, sí podemos decir que está estrechamente relacionada con su vida personal, siendo un fiel reflejo de sus aventuras amorosas y su miedo a la muerte.
Pablo Ruiz Picasso nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga. Desde muy pequeño comenzó a imitar a su padre, también pintor. Con tan solo 13 años comenzó a dejar su impronta en óleos de una calidad asombrosa para un niño de esa edad. Ese año se mudó a Barcelona con su familia, donde empezó a estudiar en la Escuela de Arte.
El sueño, vendido por 155
millones de dólares, es el
cuadro más caro de Picasso
Su padre, entusiasmado con las maneras que apuntaba, lo envía a Madrid para que diera un salto en su formación. Sin embargo, pronto se cansa de la rigidez y el academicismo, regresando a la ciudad condal donde comienza a vender trabajos comerciales que le permiten pagar el alquiler.
Una de sus obras es elegida para participar en la Exposición Universal de París, en 1900. Fue un fracaso, ya que no despertó ningún tipo de expectación. Lejos de frustrarle, Picasso lo vio como un reto. Empezó a dibujar hasta que un marchante le ofreció una exposición en solitario. Esta vez sí, Picasso triunfó. Tras volver a Barcelona, regresa a Francia para instalarse definitivamente en 1904.
Las señoritas de Avignon, obra clave en la carrera de Picasso.
La vida amorosa influyó notablemente en la obra artística de Picasso. Cada mujer que pasaba por su vida marcaba drásticamente su estilo pictórico. Tras sus etapas azul y rosa llegó su época cubista, todas ellas marcadas por amores y desamores. Durante esta última pintó Las señoritas de Avignon, obra que marcaría un antes y un después en su carrera, cambiando las reglas del arte del siglo XX.
Desnudo, hojas verdes y busto es
la obra subastada de más valor,
con 106,5 millones de dólares
Nadie la entendía. Picasso, un visionario, tuvo que guardarla casi diez años para que fuera aceptada. Sin embargo, se convirtió en el espejo de muchos jóvenes pintores a los que marcó profundamente, creando tendencia. Junto a su amigo y rival Henri Matisse se convirtió en referente del expresionismo y el surrealismo europeo.
Aunque lejos de su España natal, Picasso seguía muy pendiente de su devenir. La Guerra Civil le marcó profundamente, inspirándole para realizar una de las pinturas más importantes del siglo pasado, Guernica. En la época final de su vida siguió pintando y realizando trabajos de escultura y sobre cerámica. No quería parar,su miedo a morir le obligaba a enfrentarse cada día a un lienzo en blanco.
La belleza de sus obras ha convertido a Picasso en uno de los pintores más cotizados del mundo. Algunas de sus pinturas están entre las más caras del mundo:
El Sueño (1932): 155 millones de dólares, adquirido por Steven Cohen en una venta privada.

Desnudo, hojas verdes y busto (1932): 106,5 millones de dólares, adquirida en 2010 en subasta por una persona anónima. Fue la obra más cara subastada hasta ese momento.

Garçon à la pipe (1904): 104,1 millones de dólares. También en subasta, en 2004. Fue el primer cuadro en superar los 100 millones de dólares.

Dora Maar au chat (1941): 95,2 millones de dólares. Cuando se vendió, en 2004, también consiguió el récord de ser el cuadro más caro de la historia.

Femme aux bras croisés (1902): perteneciente a su etapa azul, se vendió en el año 2000 por 55 millones de dólares.

Fuentes de referencia

http://www.elvalordelascosas.es/los-cinco-cuadros-mas-caros-de-picasso/

1 comentario:

Anónimo dijo...

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sigue calentandome con tu sexo