jueves, 13 de octubre de 2011

ESCULTURA DE LA ANTIGUA GRECIA


http://www.slideshare.net/landa/escultura-griega-segundo-clasicismo


Statue d’Aphrodite, dite Vénus d’Arles. Marbre de l’Hymette, œuvre romaine de l’époque de l’empereur Auguste (fin du Ier siècle av. J.-C.), peut-être une copie de l´Aphrodite de Thespies réalisée par Praxitèle. La pomme et le miroir sont des ajouts réalisés au 17e siècle. Découverte en 1651 dans le théâtre antique d’Arles, France.
La Venus de Arles es un 1,94 metros de altura (6,4 pies) de la escultura de Venus en el Museo del Louvre .  Es de mármol de Himeto y data de finales del siglo 1 aC.

serait une copie de l'Aphrodite de Thespies de Praxitèle

: Discobole Lancelotti. Marbre, œuvre romaine, vers 140 ap. J.-C
La transición del estilo severo a la época clásica plena o madura está representada por Mirón, gran escultor y broncista de extraordinario prestigio. Su empeño en reproducir la realidad y por la preocupación por la simetría serán sus principales características como se observa en su célebre Discóbolo, una de las obras más famosas de la escultura griega. Como tantas veces se ha señalado, representa el Discóbolo un avance originalísimo y decisivo en el estudio del movimiento violento, de la tensión muscular consiguiente y de la integración de la figura en el espacio. Todos estos logros quedan sometidos al principio rector de la plástica clásica: la frontalidad del punto de vista principal. El modelado es típico del estilo severo.


Auriga de Delfos
Autor: Pithagoras de Reggio
Fecha:478-74 a.C

El Auriga formaba parte de un grupo dedicado a Apolo por el tirano Polyzalos de Gela (Sicilia), por lo que se ha pensado en atribuirlo a un gran broncista suritálico, tal vez, Pythágoras de Rhegion. El cuerpo del Auriga, está fundido por piezas primorosamente soldadas. Pese a la actitud de reposo, la figura está en tensión y así lo refleja la expresión del rostro, en el que afortunadamente se conservan los ojos. A estas cualidades se unen las del plegado, por todo lo cual la obra es un estupendo exponente de la categoría de los broncistas griegos. El Poseidón procedente del cabo Artemisión (Eubea) es otra de las grandes obras de este momento.



Hermes con el niño Dioniso es una escultura griega de mármol con una altura de 213 centímetros que se encuentra en el Museo Arqueológico de Olimpia. Su autoría se atribuye al escultor Praxíteles del período clásico final o bien, según otros autores, se trataría de una copia del siglo I de un original del mismo artista del 350-330 a. C. Se encontró en el año 1877 entre las ruinas del templo dedicado a Hera donde servía como ornamentación. Se trata de una obra escultórica exenta, inspirada en la mitología griega.
Los conceptos de perfil griego, nariz griega y curva praxitélica han pasado a ser un modelo de belleza clásica dentro del arte de la escultura.
Esta escultura que representa a Hermes con Dioniso niño en brazos se atribuye al escultor ateniense Praxíteles, del siglo IV a. C. y podría ser la única obra original de este escultor que perdura en nuestros días.
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El conjunto escultórico tallado en un bloque de mármol de Paros de la mejor calidad, mide 213 centímetros y la obra completa con la base unos 370 centímetros.
Representa al dios Hermes sosteniendo entre sus brazos a su hermano Dioniso, al que ofrece un racimo de uvas (no encontrado) que el niño trata de agarrar con sus pequeñas manos.

Se encontró el año 1877 entre las ruinas del templo dedicado a Hera en Olimpia y se encuentra actualmente en el Museo Arqueológico de Olimpia.

Desde el punto de vista compositivo la obra muestra un elemento característico de la obra de Praxiteles, el contrabalanceo acusado en la postura del cuerpo de Hermes con el brazo derecho levantado, el izquierdo apoyado en un soporte cubierto con un manto, desequilibrando así el eje de su cuerpo, completado por la curvatura de la pierna y del pie y culminado en la parte superior por la inclinación de la cabeza, de manera que su torso dibuja la denominada «curva praxiteliana», ese esquema en «S» que le confiere una posición lánguida y relajada pero que al mismo tiempo ofrece una sensación de dinamismo.

La cabeza es otro de los puntos de atención de la escultura. Su rostro muestra los ojos entornados, que le dan un aire ausente, de ensimismamiento pese a jugar con su hermano; su boca presenta unos labios carnosos y los mechones rizados del cabello crean un claroscuro que le dotan expresividad y movimiento.

Es también característico de Praxíteles el magnífico acabado de las superficies con suaves ondulaciones en el modelado, de modo que la luz parece resbalar sobre las superficies, creando una sutil transición entre las zonas de luz y sombra.
Además el rostro y el torso de Hermes muestran un perfecto pulido, casi brillante.
Este alto grado de pulimentado y difuminado del rostro no se aprecia, sin embargo, en la espalda que tiene marcas de los golpes del cincel y el resto de la escultura sólo está pulida parcialmente.

ZEUS OLIMPICO
Considerada como una de las Siete Maravillas de la antigüedad. Se encontraba en el templo consagrado a Zeus Olímpico en el santuario de Olimpia.
Obra de Fidias en conmemoración de la victoria sobre los persas en la Segunda Guerra Médica. Cerca del templo, se ha encontrado el taller de Fidias y numerosas herramientas del escultor.
La enorme estatua de doce metros de altura representaba a Zeus sentado, portando un cetro en la mano izquierda y una «niké» con alas en la  derecha. Se construyó con una estructura de madera revestida con hojas de oro y marfil (crisoelefantina).
Cuando se terminó la gigantesca estatua apenas entraba en el templo. Estrabón escribió: «... aunque el templo es muy grande, la estatua de Zeus sentada, casi toca el techo con la cabeza. Tenemos la impresión de que si se levantara rompería el techo del templo».


Atenea Parthenos
La escultura tenía 12 metros de altura (incluyendo el pedestal de 1,50 metros) y se guardaba dentro del Partenón. Su núcleo estaba construido con madera cubierta con placas de bronce, recubiertas con láminas de oro y marfil. El manto y el casco tenían incrustaciones de oro.
La obra es conocida por fuentes antiguas, así como por una descripción muy detallada de Pausanias (siglo II d. C.):
«... la imagen está hecha de marfil y oro. En medio del casco hay una figura de la Esfinge... y a uno y otro lado del yelmo hay grifos esculpidos... La estatua de Atenea es de pie con manto hasta los pies y en su pecho tiene insertada la cabeza de Medusa de marfil. Tiene una Victoria de aproximadamente cuatro codos y en la mano una lanza; hay un escudo junto a sus pies y cerca de la lanza una serpiente. Esta serpiente podría ser Erictonio. En la base de la estatua está esculpido el nacimiento de Pandora».

Atenea en pie apoya el peso del cuerpo sobre la pierna derecha manteniendo la rodilla izquierda ligeramente flexionada. La cabeza la tiene ligeramente inclinada hacia adelante y los mechones del cabello caen sobre el peto de la diosa. Su mano izquierda se apoya sobre un escudo circular (égida). Su quitón (túnica) se ajusta a la cintura con un par de serpientes, cuyas colas se entrelazan en la parte posterior. Sobre su mano derecha extendida se yergue una Niké alada de marfil (se discute si había un soporte bajo el original de Fidias). Una lanza se apoya en el brazo derecho y hombre derecho de la diosa sostenida por una de las serpientes del escudo.



La colosal escultura crisoelefantina (de oro y marfil) de Atenea Parthenos (Atenea Virgen), obra de Fidias, se alojaba en el Partenón de la Acrópolis de Atenas.
Atenea, patrona de Atenas, aparece como una diosa guerrera, con escudo y casco, preparada para la defensa de la ciudad.


 

Atenea Partenos. Mármol griego firmado ANTIOCHOS, copia del siglo I del original de Fidias del siglo V a. C. que se erigió en la Acrópolis
Atenea (griego ático: Ἀθηνᾶ Athēnā o Ἀθηναία Athēnaia; jónico Ἀθήνη Athēnē; dórico Ἀθάνα Athana), también conocida como Palas Atenea (Παλλάς Αθηνά) es, en la mitología griega, la diosa de la guerra, la civilización, la sabiduría, la estrategia, las artes, la justicia y la habilidad.
Es una de las principales deidades del panteón griego y uno de los doce dioses del Olimpo, Atenea recibe culto en toda la antigua Grecia y en toda su zona de influencia, desde las colonias griegas de Asia Menor a la península Ibérica y el norte de África. Su presencia está atestiguada en las proximidades de la India. De ahí su culto tomó muchas formas, y su figura era divinidades sincréticas con varias regiones de todo el Mediterráneo, se extiende la variedad de formas de culto. Su equivalente aproximado en la mitología romana era Minerva.La versión más actual de su mito la pone como hija de Zeus y Metis, nacida completamente armada de la cabeza a los pies. Nunca se casó ni tuvo amantes, se ha encargado de mantener una virginidad perpetua. Fue una guerrera invicta en la guerra, incluso contra Ares el dios de la guerra. Se convirtió en patrona de varias ciudades, siendo más conocida como la protectora de Atenas y Ática.
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La Afrodita de Fréjus es obra de uno de los seguidores de Fidias más populares y de mayor éxito en vida, Kallimachos, excelente escultor, de un extraordinario refinamiento en sus obras, lo que tal vez tenga que ver también con su faceta de pintor. Kallimachos es además autor de otra obra no menos conocida, como fuera el conjunto de relieves que decoraban la balaustrada del templo de Atenea Niké y de los que se ha conservado una de las piezas más conocidas de este periodo, la Niké atándose la sandalia. Y asimismo se le considera el inventor del capitel corintio y de la técnica del trépano, de lo que al menos puede concedérsele el beneficio de la duda.

La Afrodita de Fréjus es una obra de mucho más empaque. Originalmente en bronce, de su éxito dan fe las numerosas copias que se hicieron, como ésta que se conserva en el Louvre y cuyo nombre deriva de la población donde se conservara. La obra refleja el estilo de su autor, caracterizado por su vena amable y su técnica preciosista y refinada. 

 
 Sátiro en reposo
 Autor:Praxíteles
 Fecha:365 a.C.
 Museo:Museos Capitolinos
 Características:
 Material:Mármol
 Estilo:Grecia
Réplica del original griego atribuido a Praxíteles en el que observamos una figura masculina desnuda, de gran perfección anatómica. El sátiro, al apoyar su brazo derecho sobre un tronco de árbol y dejar caer el peso de su cuerpo sobre su pierna izquierda, deja ver en su pose la famosa curva praxítelica, tan característica del escultor griego. 
 APOLO SAUROCTONO

El sonriente efebo de Praxíteles se aparta por completo de cualquier relación con los hombres, totalmente absorto en su distraído juego, y tiene la leve elegancia de un epigrama, aun permaneciendo siempre en una esfera simbólica y divina (G. Becatti). El Apolo Sauróctono de Praxíteles presenta una iconografía difícil de explicar. ¿Por qué el dios, jovencillo, se entretiene despreocupadamente en matar un lagarto? Sería una burla pensar en una versión diminuta de la serpiente Pitón, y no parece que Apolo, defensor contra todas las plagas campestres, desde los lobos hasta las langostas, tuviese mucho que hacer contra animal tan inocente. Sea como fuere, la obra es de una novedad plástica impresionante. El suave torso, por vez primera en la estatuaria griega, se desequilibra hasta no poderse sostener por sí solo: la ondulación del cuerpo, estructurada sabiamente por Policleto, y que en la Amazona de Berlín estaba a punto de perder su estabilidad, ahora ya se deshace en una bella curva continua, la curva praxitélica, que un árbol debe soportar. Y el propio árbol, por lo demás, añade, con su lagarto, una dimensión nueva a la estatua: Apolo aparece idealmente inmerso en un paisaje idílico, resumen ideal de los felices campos del Olimpo donde viven los dioses su eternidad placentera. Jamás hasta entonces la absoluta felicidad divina, ésa que le hará decir a Epicuro que los inmortales, para conservarla, se desentienden por completo de los hombres, había sido plasmada de forma tan directa y espontánea. Quien se empeñe en ver en esta obra sólo amaneramiento decadente, sin duda se quedará sólo en la superficie de un profundo enfoque religioso. Y Praxíteles mantendrá ese enfoque toda su vida, acaso porque coincidía con el gusto de quienes le hacían encargos: Sátiros, Afroditas, dioses jóvenes, la cazadora Artemis, componen el feliz repertorio de su fecunda obra
http://www.artehistoria.jcyl.es/historia


La Afrodita de Milos (griego: "Αφροδίτη της Μήλου"), más conocida como Venus de Milo, es una de las estatuas más representativas del periodo helenístico de la escultura griega, y una de las más famosas esculturas de la antigua Grecia. Fue creada en algún momento entre los años 130 y 100 a. C., y se cree que representa a Afrodita (denominada Venus en la mitología romana), diosa del amor y la belleza; mide, aproximadamente, 211 cm de alto.
Esta estatua fue encontrada en MiloIslas Cícladas , desenterrada por un campesino y vendida a Francia entre 1819 y 1820. El precio que el campesino pedía por la escultura era demasiado alto, y Dumont d'Urville —viajero que realizó una parada en este lugar—, no llevaba el dinero suficiente como para comprarlo, por lo que recurrió a un embajador francés en Constantinopla, quien accedió a comprarla. Sin embargo, anteriormente el campesino había acordado venderla a los turcos, lo que inició un conflicto por la posesión de la estatua.
La escultura fue hecha en mármol blanco, en varios bloques cuyas uniones no son visibles, en un tamaño ligeramente superior al natural; se desconoce su autor, pero se cree que pudiera ser obra de Alejandro de Antioquía. Esta escultura posee un estilo característico del final de la época helenística, que retoma el interés por los temas clásicos al tiempo que los renueva. El aspecto clasicista de sus formas hacen suponer que su autor, desconocido pese que en su base aparecía la firma de un escultor, se inspiró en la estatua del siglo IV a. C. de Lisipo, la Afrodita de CapuaLa estatua se encontró semienterrada, en dos pedazos, el 8 de abril de 1820 en la isla egea de Melos,llamada también Milo, por un campesino llamado Yórgos Kendrotás. Cerca de la estatua se encontró un fragmento de un antebrazo y la mano con una manzana (en lengua griega, Μήλο significa literalmente manzana) y estos restos son considerados parte de sus brazos.El brazo derecho se piensa que sostenía la túnica justo a nivel de la cadera izquierda en un aparente intento de impedir que la túnica se resbalara, mientras el izquierdo sostenía la manzana del Juicio de Paris, manzana que el troyano Paris hubo de ofrecer a la mismísima Afrodita en testimonio de su decisión en el mítico juicio de bellezas al que fue sometido. Lo cierto es que no está claro si los brazos pudieron perderse después del hallazgo moderno de la escultura: Yórgos dejó una mitad de la Venus en el mismo lugar donde la había encontrado por no poder desenterrarla, pues su peso es de al menos 900 kilos, y la otra mitad la llevó al establo, ofreciendo en primer lugar la venta de la estatua a un clérigo ortodoxo..



La Venus de Médici es una escultura helenística en mármol a escala real que representa a la diosa griega del amor Afrodita. Se trata de una copia en mármol del siglo I a. C., hecha quizás en Atenas, de un original griego en bronce, siguiente el tipo de la Afrodita de Cnido, que habría sido realizada por un escultor en la inmediata tradición de Praxíteles, quizá a finales del siglo. Se ha convertido en uno de los puntos cruciales del progreso de la tradición clásica occidental, cuyas referencias resumen los cambios de gusto y el proceso de investigación clásica. Se exhibe en la Galería Uffizi, en Florencia (Italia).
La diosa se representa en una pose fugitiva y momentánea, como si hubiese sido sorprendida en el momento de emerger del mar, a lo que alude el delfín a sus pies, que no habría sido un apoyo necesario para el bronce original.
Venus de' Medici at Peterhof     Copia en mármol del siglo XVIII de la Venus de Médici en el Palacio Peterhof (San Petersburgo).
La Victoria alada de Samotracia, también conocida como Victoria de Samotracia y Niké de Samotracia, es una escultura en bulto redondo perteneciente a la escuela rodia del periodo helenístico. Se encuentra en el Museo del Louvre, París. En griego la estatua se denomina Níke tes Samothrákes (Νίκη της Σαμοθράκης).
Tiene una altura de 245 cm y se elaboró en mármol hacia el 190 a. C. Procede del santuario de los Cabiros en Samotracia. Algunos expertos la atribuyen con cierta probabilidad a Pithókritos de Rodas. Fue descubierta en 1863 en la isla de Samotracia (Samothraki, en griego) por el cónsul francés Charles Champoiseau, un arqueólogo aficionado.
Aunque cuando se descubrió se pensó que fue mandada esculpir por Demetrio Poliorcetes para conmemorar su triunfo naval en Salamina sobre la flota de Ptolomeo Sóter en el año 306 a. C., porque figuraba en las monedas emitidas del 294 al 288 a. C., la datación de la escultura hacia comienzos del siglo II antes de Cristo hace más lógico pensar que en realidad se labró para celebrar las victorias sobre Antíoco III Megas.
La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un navío, que actúa de pedestal de la figura femenina, cuyo cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta en un fino chitón y un manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía, tratamiento éste que recuerda a la denominada técnica de «paños mojados» atribuida a las obras de Fidias. El manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer luego entre las piernas, dando lugar a una composición muy característica en otras figuras femeninas de la misma época.
Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo.
Atenea Partenos. Obra romana esculpida en mármol entre 130 y 150 d.C. Es una copia de un original griego de 11 metros de altura de oro y marfil, esculpido por Fidias para el Partenón (Atenas) entre 447 y 438 a.C. La cimera del casco es fruto de una restauración del siglo XVII.
Afrodita, Pan y Eros.: Aphrodite and Eros fighting off the advances of Pan. Marble, hellenistic artwork from the late 2nd century BC. From the site of the Poseidoniasts of Berytos in Delos.___Grupo marmóreo procedente de Delos se ofrece una representación de la diosa Afrodita amenazando con una sandalia a Pan, dios de los pastores y los rebaños. Éste aparece siempre representado con piernas de macho cabrío y torso humano. Lleva barba y dos cuernos, y la mitología narra como perseguía incesantemente a ninfas y adolescentes. Sobre Afrodita un Eros burlón juega con la cornamenta de Pan. Este grupo se incluye dentro del llamado rococó helenístico.
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Estatua de Afrodita Calipigia en el Museo del Hermitage.La Venus Calipigia (en griego antiguo Ἀφροδίτη Καλλίπυγος Aphrodite Kallipygos, ‘Afrodita de Bellas Nalgas’) es un tipo de estatua femenina desnuda de la época helenística. Representa a una mujer parcialmente cubierta, levantándose su liviano peplo para descubrir sus caderas y nalgas, y que mira atrás y abajo sobre su hombro, quizá para evaluarlas.

FIDIAS.  Autor que introduce el pleno clasicismo en la escultura ateniense del siglo V a. Cto. Sus obras más importantes se encuentran en la Acrópolis de Atenas, tanto los relieves como las esculturas de bulto redondo. Amazona, (450 a. Cto.) realizó una amazona en bronce, de la que nos ha llegado copia romana en mármol, y que fue realizada para un concurso organizado en Éfeso para decorar el Artemisión y que ganó Policleto. Veremos cómo la mayoría de los escultores del siglo V a. Cto. tienen un ejemplar de amazona. Trata los paños de forma más realista que los preclásicos. Museo Capitolino, Roma.

La Sirena de Canosa, es una estatua que data del 400 a. C. - 301 a. C., y que fue tallada en Canosa, ciudad perteneciente a la Magna Grecia, (en griego Μεγάλή Ελλάς – Megalê El'lás –, que es el nombre dado en la Antigüedad al territorio ocupado por los colonos griegos al sur de la península italiana y Sicilia, donde fundaron numerosas poleis que comerciaron con su metrópoli).La estatua formaba parte de un ajuar funerario depositado en una tumba de la antigua ciudad de Canosa, y representa a una sirena en pie, portando una cítara, con alas, patas y cola de ave, y que tiene levantado el brazo derecho a la altura de la cabeza en gesto de lamentación. Se trata de una escultura funenaria, y que ejercia de psicopompo, ( ser mitológico que tenía el papel de conducir las almas de los difuntos hacia la ultratumba, cielo o infierno
El Apolo de Belvedere, también llamado el Apolo pitio, es una famosa escultura de mármol de la Antigüedad Clásica. Fue redescubierta a finales del siglo XV, durante el Renacimiento. Desde mediados del siglo XVIII, fue considerada la mejor escultura antigua por los neoclasicistas y durante siglos se consideró el epítome de los ideales de perfección estética de la cultura europea y occidental  La escultura representa al dios griego Apolo que acaba de vencer a la serpiente Pitón, un monstruo que recientemente había causado estragos en la costa de Delfos. La flecha acaba de salir de su arco, y aún perdura el esfuerzo impreso en su musculatura. Su cabello, ligeramente rizado, flota en tirabuzones sobre su cuello y se alza graciosamente en lo alto de su cabeza, que está rodeado con el strophium, una banda simbólica de reyes y dioses. Su aljaba cuelga del hombro izquierdo. La ropa (clámide) está sujeta sobre el hombro derecho, vuelta sólo sobre su brazo izquierdo y echada hacia atrás.
La parte inferior del brazo derecho faltaba cuando fue descubierta y restaurada por Giovanne Angelo de Mentorsoli, un escultor y alumno de Miguel Ángel.
El Apolo muestra las características distintivas del arte helenístico, en particular las de Praxíteles, sobre todo en el contraste entre el modelado mórbido del cuerpo y los pliegues del manto que forma fuertes claroscuros, como notó y alabó el teórico del neoclasicismo, Winckelmann.
La estatua mide de alto 224 centímetros, y está situada en el Cortile Ottagono (o del Belvedere) de los Museos Vaticanos.



Atenea Partenos (en griego antiguo Ἀθηνᾶ Παρθένος, literalmente ‘Athena la Virgen’) es el nombre de una enorme escultura crisoelefantina de la diosa griega Atenea, obra de Fidias. Recibía su nombre de un epíteto de la propia diosa, y estaba alojada en el Partenón, en la Acrópolis de Atenas. Se han realizado diversas réplicas y obras inspiradas en ella, tanto antiguas como modernas.
Fue la imagen de culto más renombrada de Atenas, considerada uno de los mayores logros del escultor más aclamado de la antigua Grecia. Fidias empezó su obra alrededor del 447 a. C., Lacares retiró las láminas de oro en el 296 a. C. para pagar a sus tropas, y el bronce fue probablemente dorado más tarde. Resultó dañada por un incendio hacia el 165 a. C., pero fue reparada. Continuaba estando en el Partenón en el siglo V, cuando pudo haberse perdido en otro incendio. Un relato la menciona, sin embargo, en Constantinopla en el siglo X.
La obra tuvo un gran impacto entre sus contemporáneos, hasta el punto de que dio origen a una tradición de estatuas crisoelefantinas, en la cual encontramos comprometido de nuevo a Fidias, con la estatua de Zeus en Olimpia, y a otros escultores, en los santuarios de los siglos V y IV a. C.
Panorámica del altar de Zeus en el Museo de Pérgamo de Berlín.

El Altar de Pérgamo es un monumento religioso de la época helenística construido originalmente en la acrópolis de Pérgamo, a principios del reinado de Eumenes II (197-159 a. C.). Sus frisos monumentales, que representan una Gigantomaquia y la historia de Telefo, son una de las obras maestras de la escultura griega antigua y representan la culminación del "barroco helenístico".
El edificio no es un templo, pero probablemente el altar de un templo. Se cree que el Templo de Atenea fue su referencia de culto. Otra posibilidad es que aquí Zeus y Atenea fueron venerados por igual.
Descubierto en 1871 por el ingeniero alemán Carl Humann, el altar fue transportado y reconstruido en Berlín en 1886, en virtud de un acuerdo de 1879 entre Alemania y el Imperio Otomano. En la actualidad puede contemplarse el gran friso de esculturas en la ciudad alemana de Berlín, en el museo de Pérgamo.


El busto de Antinoo Mondragone, acrolito una imagen de culto de Antinoo deificado.
En la antigüedad, un acrolito (en griego: ἀκρόλιθος / akrolithosfin) fue una estatua cuyo torso era de madera y las extremidades (cabeza, manos y pies) de mármol.
La madera estaba oculta por el dorado o, más comúnmente, por una vestidura, dejando las parte elaboradas de forma aislada de mármol a la vista. Las esculturas criselefantinas eran similares aunque normalmente de mayor tamaño, utilizando el marfil en lugar de mármol, y por lo general estaban cubiertas de oro en el cuerpo.
El acrolito fue mencionado con frecuencia por Pausanias, y el ejemplo más conocido es el de Atenea Areia en Platea. Eran esculturas, normalmente utilizadas para su culto como deidades.


La Venus de Cnido, Afrodita de Cnido o Afrodita Cnidea es una de las más célebres esculturas del escultor griego Praxíteles y una de sus primeras obras, realizada en Atenas en torno al año 360 a. C. La escultura representa a la diosa griega del amor (principalmente en su acepción del amor erótico), la belleza y la fertilidad femenina de Afrodita, prestándose a realizar, o tras haberlo efectuado, el baño ritual de las Eleusiadas. Tal escultura estaba destinada a exornar el naos de un pequeño templo de dos aberturas a lo largo de un mismo eje, o quizá para ubicarse en un templete monóptero en la ciudad helénica de Cnido (en Caria, Anatolia). Se la llamó Knidia o Cnidia porque fueron los habitantes de esta ciudad quienes adquirieron la estatua después de que los de la ciudad de Cos la rechazaran y compraran a Praxíteles una versión en la cual, la diosa estaba vestida de forma «más púdica y severa».
La Afrodita de Cnido, para la cual sirvió de modelo Friné, fue representada desnuda en actitudes personalmente íntimas. Tal actitud recibió el nombre de replegamiento intimista y se utilizó principalmente en la Antigüedad tanto por Praxíteles como por Escopas para representar a divinidades y personajes míticos en poses particularmente despreocupadas.
La obra de Praxíteles se hizo rápidamente famosa y fue muy venerada: Plinio el Viejo relata que un joven se enamoró de la escultura (notar, que como todas las otras esculturas clásicas, la misma estaba pintada imitando lo más perfectamente posible al ser humano vivo). Se trata de una de las esculturas que posee mayor número de copias y variantes.
La desnudez en la Afrodita Cnidia es un buscado y logrado elemento de erotismo: la seducción ha sido acentuada merced a la tersura que se ha obtenido en el fino labrado del mármol que constituye a la estatua. Tersura realzada por las curvilíneas y suaves (mórbidas) formas, grácilmente femeninas del cuerpo. Formas que se "mueven" con un perfil sinuoso (en "S"). La representación toma, en efecto, a Afrodita cuando presta al baño, deja caer casi lánguidamente sus vestiduras sobre una hydria (gran ánfora para agua) que está a su costado. La vestidura y el ánfora, pese a la impresión opuesta sugerida, cumplen la función de fuerte soporte estructural, de manera que así el cuerpo puede "rotar" ligera y levemente hacia adelante y hacia la izquierda, casi en un gesto de, instintivo aunque despreocupado, pudor. Como si la diosa hubiese sido sorprendida en tal pose por un extraño. Por ello, "lleva" su mano diestra delicadamente a cubrir incompletamente el pubis.
La obra original desapareció durante un incendio ocurrido durante la rebelión de Niká en Constantinopla, ciudad a la que la había hecho transportar el emperador Teodosio. A pesar de ello, se mantienen numerosas copias.


La cabeza Kaufmann en el Museo del Louvre.

El Dios del cabo Artemisio es una estatua griega de bronce, perteneciente al llamado estilo severo.
La escultura fue encontrada en 1928 en el fondo del mar cerca del cabo Artemisio, cerca de Histiaca, al norte de la isla de Eubea. Uno de los brazos de la estatua fue encontrado dos años antes, en 1926. La estatua viajaba dentro de un barco datado entre fines del siglo I a. C. y comienzos del siglo I. En la actualidad se encuentra en el museo arqueológico nacional de Atenas.
La estatua ha sido datada por los expertos hacia 460 a. C., encuadrada en el estilo severo, periodo de transición entre el arcaísmo y el clasicismo. Se ha abandonado ya la frontalidad y el estatismo, propios de épocas pasadas, pero la figura se sigue apoyando en ambos pies, a pesar de que el dinamismo comienza a apuntarse.
La obra representa a un dios en el momento de lanzar con la mano derecha un objeto que se ha perdido. Su tamaño es mayor del natural (2,10 m.), está desnudo y dando una zancada. Se discute si el representado es Zeus lanzando un rayo o Poseidón lanzando su tridente. Se ha argumentado que la posición de los dedos de la mano, que está abierta, parece más adecuada para sostener un tridente mientras que un rayo suele ser representado asido con la mano cerrada. Sin embargo, la idea de un tridente arrojadizo resulta extraña y cuando se ha tratado de reconstruir la estatua con el posible tridente, la figura queda estropeada.
Existe una réplica de la escultura original en Nueva York, en la sede de las Naciones Unidas, donada por el gobierno griego. La obra se exhibe en el atrio principal.
Su altura es de 2,09 metros, correspondiente a la escala habitual con que los griegos representaban a los dioses. Los hombres, por el contrario, solían ser representados con una altura de unos 1,80 metros, como es el caso del Auriga de Delfos. La medida de 1,90 metros se reservaba para la representación de los héroes.


El Efebo de Anticitera es una estatua en bronce de un joven de lánguida elegancia que fue hallado en 1900 por pescadores de esponjas en el área de un antiguo naufragio cerca de la isla de Anticitera, Grecia. Fue la primera de una serie de esculturas griegas de bronce recuperadas en el siglo XX en el Egeo y el Mediterráneo que ayudaron a cambiar sustancialmente la visión moderna de las esculturas de la antigua Grecia. El naufragio, datado en la década entre el 70–60 a. C., también reveló el mecanismo de Anticitera, un instrumento de cálculo astronómico, así como una característica cabeza en piedra de un filósofo estoico, y un gran número de monedas, entre las que había una desproporcionada cantidad de tetradracmas cistóforos pergamenses y monedas de Éfeso, llevando a los investigadores a suponer que el pecio habría comenzado su viaje en la costa jónica, quizás en la propia Éfeso; ningún elemento del cargamento recuperado ha sido identificado como procedente de la Grecia continental.
El Efebo mide 1,94 metros, un poco mayor que la estatura humana normal, y fue recuperado muy fragmentado. Su primera restauración, realizada poco después de su hallazgo, fue revisada en la década de 1950, bajo la dirección de Christos Karouzos, cambiando el foco de los ojos, la configuración del abdomen, la conexión entre el torso y la parte superior del muslo derecho, y la posición del brazo derecho. Esta nueva restauración se considera generalmente como acertada.
El Efebo no se corresponde con ningún otro modelo iconográfico conocido, no existiendo copias de este tipo. Sostenía un objeto esférico en su mano derecha,

7 comentarios:

Simonetta Vespucci dijo...

Es maravilloso todo lo que nos muestras,en este y en todos tus post,mil gracias de todo corazón por compartir siempre tanta belleza y sabiduría.
Un abrazo espiritual.

PACO HIDALGO dijo...

Magnífico, amplio y documentado repaso a toda la estatuaria griega, base de toda la escultura posterior de Occidente. Me viene bien la entrada, pues ahora empezamos a dar la escultura griega. Un abrazo, Isthar.

Cayetano dijo...

Antropocentrismo puro y duro. El ser humano se convierte en el principal protagonista del mundo. Nuestras raíces.
Un saludo.

isthar dijo...

Simonetta Vespucci gracias por tus palabras me alegra saber que te ha gustado esta entrada.Es un gusto compartir con tod@s mis amig@s.
Te envio un cordial saludo

isthar dijo...

PACO HIDALGO, me gusta este tema, pero que puedo decirte a ti que eres un profesor experto en arte.Solo que hago lo posible, por aprender un poquito mas. Te envio un abrazo

isthar dijo...

Cayetano, de Paco y de ti solo puedo aprender, son extraordinarios en su especialidad.
Gracias por tus gratas visitas. Un abrazo

Anónimo dijo...

Nama se le ven lo grano