VINCENT VAN GOGH

VINCENT VAN GOGH

 Adeline Ravoux
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Colección Particular
 Características:67 x 55 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Durante la estancia en Auvers, Van Gogh se alojó en una habitación situada en el pequeño café del matrimonio Ravoux en frente del ayuntamiento. Su relación con sus caseros será bastante estrecha como prueba este retrato de la hija, Adeline, una joven de carácter tímido y retraído que se manifiesta claramente en la imagen que contemplamos. La figura aparece de perfil, mirando de reojo al espectador - quizá no se fiara en exceso del pintor - sentada en una silla y jugando con sus manos, recortada ante un fondo oscuro en sintonía con el vestido. Las tonalidades malvas dominan la composición, contrastando con el amarillo del cabello y de las manos iluminadas, relacionándose con la teoría de los colores complementarios avanzada por Delacroix y continuada por los impresionistas. Las líneas de los contornos continúan destacadas por un trazo oscuro, relacionándose con el estilo simbolista de Bernard y Gauguin. La aplicación del color posiblemente sea lo más atractivo - sin menospreciar la expresividad de la figura - al crear a base de pinceladas empastadas y rápidas una composición de gran belleza.      

 Agostina Segatori en el Café du Tambuorin
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1887
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:55´5 x 46´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Van Gogh organizó dos exposiciones de sus cuadros en el Café du Tamborin, situado en el Boulevard Clichy, el eje de Montmartre. Estaba regentado por una famosa modelo italiana llamada Agostina Segatori, quien había posado para Corot y Degas en sus años mozos. Ahora se presenta como propietaria, posando apoyada en una de las típicas mesas en forma de pandereta que decoraban el local. Algunos especialistas consideran que Agostina fue durante un tiempo la amante de Vincent y que posaría desnuda para él, siendo la modelo delDesnudo femenino de espaldas.

La figura se sitúa tras la mesa, observándose al fondo una de las paredes del café decorada con una estampa japonesa por la que sentían especial predilección los artistas del Impresionismo. Esta afición hacia lo oriental también se extenderá a la burguesía que empezó a decorar algunos de sus salones a la moda oriental; incluso los prostíbulos más famosos de París incluían entre sus salas los motivos exóticos procedentes de Oriente. Agostina tiene la mirada perdida, destacando la nostalgia de sus grandes ojos, preocupada por quién sabe qué cuestiones. Junto a ella observamos una jarra de cerveza y sujeto en su mano izquierda un cigarrillo, simbolizando así la integración de cierto grupo femenino en el ambiente nocturno parisino. Los tonos empleados por Vincent se han hecho más suaves que en el periodo deNuenen acercándose al estilo de Degas o Toulouse-Lautrec. El efecto atmosférico característico de un local cerrado se aprecia claramente al difuminar el pintor los contornos.     

 Anciana campesina con cofia
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1884
 Museo:Colección Particular
 Características:33 x 26 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Entre los personajes de la serie de retratos pintada por Van Gogh en el invierno de 1884-1885 conviene destacar a esta anciana ataviada con una pulcra y almidonada cofia blanca. Su amplio rostro queda enmarcado por dicha cofia, obteniendo una espléndida volumetría al recortar su cabeza sobre el fondo neutro y proyectarse hacia el exterior. Los ojos de la mujer son el punto de referencia para el artista, enfrentando su mirada con el espectador lo que indicaría la fuerte personalidad de la anónima anciana. Las pinceladas empleadas por Vincent son vibrantes, aplicando el color a base de rápidos toques de pincel sin apenas utilizar dibujo previo. La iluminación refuerza el carácter de la mujer, resaltando el contraste de claroscuros que se crea, en sintonía con el estilo de Rembrandt que Van Gogh admiró al igual que sus compañeros de la Escuela de La Haya.          

 

 Anciano afligido
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Museo Kröller Müller
 Características:81 x 65 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

En la primavera de 1890 Van Gogh va a buscar la inspiración en jarrones con flores recién cortadas - Jarrón con lirios o Jarrón con rosas, por ejemplo - aunque también se dedicará a reelaborar antiguas imágenes realizadas en Holanda como este trabajo subtitulado Usado. Un anciano junto al calor de la chimenea parece enjugarse las lágrimas; la tristeza y el paso del tiempo protagonizan este bella imagen en la que podemos encontrar cierto simbolismo con la pronta marcha de Vincent a París, triste por abandonar tantos recuerdos después de dos años en la Provenza.
La pincelada empleada es suelta y vibrante, ocupando toda la superficie pictórica para crear una imagen llena de intensidad y pena, reforzada por el subtítulo. Los tonos verdes, amarillos y azules parecen mostrar una nota de esperanza que posiblemente el anciano y el propio Vincent encuentren en la religión. Recordando al simbolismo de Bernardy Gauguin, Van Gogh utiliza una línea oscura para delimitar los contornos tanto en el anciano como en la silla o la chimenea.    

  

 Almendro en flor
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:48´5 x 36 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo

 Estilo:Neo-Impresionismo     

 Armand Roulin con 17 años
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Museo Folkwang
 Características:65 x 54´1 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Durante el invierno de 1888, Van Gogh realizará una atractiva serie de retratos protagonizados por los miembros de la familia Roulin: Camille,Madame Augustine, Marcelle, Joseph o Armand al que aquí vemos retratado a la edad de 17 años. El hijo mayor servirá de bello modelo a Vincent en alguna ocasión más, siendo esta imagen que observamos uno de los mejores retratos de la serie. Armand se presenta con sus mejores galas, vistiendo una elegante chaqueta amarilla y un sombrero gris. Su incipiente bigote no resta interés a sus ojos castaños, el verdadero centro de atención del lienzo donde el artista muestra la expresión de su modelo. La figura se recorta ante una fondo neutro de color verdoso, aplicada la pintura de manera plana - recordando a laestampa japonesa - para resaltar la volumetría. Las pinceladas de la chaqueta indican el relieve mientras que en el rostro encontramos una sensacional referencia dibujística que en los paisajes arlesianos apenas existe. Las vivas tonalidades empleadas son características de esta etapa de Arles aunque podremos observar la impronta de Gauguin, con el que convivía desde octubre.            

 Autorretrato
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1887
 Museo:Museo Kröller Müller
 Características:32 x 23 cm.
 Material:Oleo sobre cartón
 Estilo:Neo-Impresionismo

En la primavera de 1887 Vincent se enzarzará en la ejecución de una serie de autorretratos con diferentes trajes o sombreros, mostrando en todos ellos su expresión melancólica, ansiando encontrar el paraíso perdido y abandonar París. Ya empieza a madurar la idea de formar una comunidad de artistas en la que intercambiar ideas y gastos, teniendo como núcleo el llamado "Groupe de Peintres du Petit Boulevard" denominado así por el propio Vincent, englobando a los pintores con los que vivía, trabajaba e incluso exponía: Toulouse-Lautrec,Bernard y Anquetin, mostrando su obra por primera vez en el restaurante "Du Chalet". Su mirada seria, directa al espectador, se convertirá en la protagonista de estos trabajos elaborados con una pincelada rápida y empastada que casi supera al Impresionismo.

 Autorretrato
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1887
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:41 x 33 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

           

 Arboles del jardín del hospital de Saint-Paul
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1889
 Museo:The Armand Hammer Museum
 Características:90´2 x 73´3 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

A pesar de su recuperación durante el mes de octubre de 1889 Van Gogh se sentirá más seguro en las inmediaciones del hospital, considerándole también como un modelo interesante para sus trabajos, envuelto entre los grandes árboles que había a su alrededor. La escena está tomada a plena luz del sol, mostrando un cielo azul intenso que ocupa como fondo la mayor superficie del lienzo. Entre los árboles, contemplamos la fachada amarilla de la institución médica con sus persianas verdes y el tejado rojo. Impidiendo apreciar el edificio en su esplendor aparecen en primer término unos árboles retorcidos con elevadas copas en un terreno rojizo con arbustos verdes. La aportación más significativa de esta etapa de Saint-Rèmy será el brillante colorido empleado, más intenso aun que el de Arles, utilizando colores complementarios de los que llegó a decir "expresar el amor de dos enamorados a través del enlace de los colores complementarios, en una lucha eterna por el medio justo que nunca se puede conseguir. Por tanto, el contraste mismo es lo paradójico".         

 

 Barcas de pesca cerca de Saintes-Maries
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:51 x 64 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo

 Estilo:Neo-Impresionismo  

 Barcazas de carbón
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Colección Particular
 Características:71 x 95 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

En los últimos días de agosto de 1888 Vincent sentirá una especial atención hacia las labores de descarga en el puerto de Arles, realizando una pequeña serie formada por Descargadores de carbón en Arles, Barcazas en el Ródano y estas barcazas de carbón que contemplamos. Todas las escenas se incluyen en los deseos del pintor por recoger las luces del atardecer, siendo posiblemente una mera excusa para pintar las últimas luces del sol y las tonalidades anaranjadas que se crean. Las figuras del primer plano obtienen así unos colores tremendamente oscuros al quedar en semipenumbra, de la misma manera que ocurre con la silueta de la ciudad al fondo. Los reflejos anaranjados y amarillentos en el agua indican la maestría del holandés, haciendo gala una vez más de esos trazos rápidos pero certeros que le caracterizan con los que organiza la composición y crea los diferentes elementos sin apenas utilizar el dibujo.     

 Boulevard de Clichy
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1887
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:45´5 x 55 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

La primavera de 1887 supone para Van Gogh una absorción clara de las influencias del Impresionismo y de los artistas "independientes" que trabajaban en París. Quizá sea este momento su única experiencia con el Puntillismo, siguiendo al joven Signac con quien mantenía una estrecha amistad. Los contrastes cromáticos son en esta ocasión tremendamente pronunciados, interesándose por encontrar los colores complementarios, alejándose de las tonalidades originales de los edificios. El color es aplicado a través de pequeños toques de pincel, como si se tratasen de puntos o comas. Vincent va experimentando hasta encontrar un estilo totalmente personal.    

 

 Cabañas blancas en Saintes-Maries
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Kunsthaus Zurich
 Características:33´5 x 41´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

La caída del sol en la costa será para Vincent un motivo de inspiración de gran belleza como observamos en estas tres cabañas blancas de la villa costera de Saintes-Maries-de-la-Mer. El blanco está resaltado por el efecto de la luz, creando un atractivo juego de tonalidades con los azules, naranjas y verdes, evocando la teoría de los complementarios que ya había esbozado Delacroix y habían hecho suya losimpresionistas. Las siluetas de las cabañas están sabiamente trazadas, marcando sus contornos con una línea oscura que recuerda al cloisonismo. La pincelada rápida y empastada caracterizará los trabajos de Van Gogh en estos años finales.  

 Café nocturno
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Yale University Art Gallery
 Características:72´4 x 92´1 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Vincent solía acudir con frecuencia a uno de los cafés nocturnos de Arles. Se sentía atraído por la luz de gas, que protagonizará algunos lienzos realizados durante el mes de septiembre de 1888, como Terraza de café. Este café abría toda la noche y era muy cómodo para el pintor ya que estaba frente a su casa, la casa amarilla. La habitación está presidida por un globo de gas en el centro de la estancia acompañado de tres lámparas de aceite. El gas deja caer una luz verdosa sobre la sala, iluminando fantasmagóricamente al dueño, vestido de blanco, y a los demás clientes, que se acodan en las mesas. Ese color verdoso de la luz y del tapete del billar contrasta claramente con el rojo de las paredes, creando un ambiente digno de un lugar de esas características. Los tonos amarillentos intensifican el contraste. Vincent emplea su típica pincelada circular en las lámparas, formando así el halo luminoso que se crea alrededor del foco de luz. Esta pincelada caracterizará obras posteriores como Campo de trigo. Van Gogh se inspiró en los libros y estampas japonesas para crear estas pinceladas tan personales, pasando por alto los detalles pero sin olvidarlos, como hacía Goya con sus retratos.

 Calle en Auvers
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Atheneumimn Taidemuseo
 Características:73 x 92 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Las bellas casas con tejados rojos y la luz primaveral del norte de París servirán de inspiración a Van Gogh en un buen número de lienzos realizados en los dos meses pasados en Auvers. No en balde, Vincent había manifestado meses atrás su deseo de trasladarse al sur para pintar la luz septentrional, alcanzando en estas obras una fuerza con el color similar a Arles. Los verdes-amarillentos, azules, rojos y sienas se mezclan en una sinfonía cromática llena de ritmo, obtenida a través de cortas y empastadas pinceladas denominadas facetas. Las formas están trazadas con una línea oscura en referencia al estilo de Bernard, contrastando con la violencia del azul celeste, jugando con el blanco de la tela sin pintar.  

 Calle y escalera en Auvers
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Saint Louis Art Museum
 Características:49´8 x 70´1 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Tras su llegada a Auvers-sur-Oise a mediados de mayo de 1890, Van Gogh volverá a pintar y dibujar intensamente las casas, los paisajes, los viñedos o los jardines de la zona, realizando más de 80 cuadros en los dos meses de estancia. Su creatividad está en su momento más álgido y cualquier rincón del pueblo puede servirle de inspiración. En todos estos trabajos destacará la utilización de un color extremadamente brillante, liderado por un amarillo-verdoso y un rojo que nunca han alcanzado ese nivel. Los trazos son cada vez más rápidos y expresivos, creando las formas con el color. Las líneas que forman los contornos de los diferentes elementos se remarcan con un trazo negro, en relación con el estilo de su amigo Bernard que siempre manifestará Vincent, quizá para no perder las formas, como estaba ocurriendo en las obras deMonet.    

 Camille Roulin
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:40´5 x 32´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

En este retrato observamos el aspecto travieso del pequeño que parecía ocultar cuando estaba vestido de escolar. Camille nos mira con un gesto de niño malo, ocultando su cabeza por una amplia gorra azul que contrasta con el amarillo del fondo. Sus inmensos ojos azules y la finura de su rostro son el centro de atención, eliminando detalles superfluos para no despistarnos del motivo principal: la expresión del modelo. La pincelada empleada por Vincent se aleja de la planitud de los trabajos influidos por Gauguin, mostrando ahora su textura como suele ser habitual en las obras de Arles: diversos toques de color organizando la composición, dejando al dibujo en un lugar secundario. La perspectiva ligeramente alzada empleada recuerda a Degas.    

 Camino de Montmartre
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1886
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:22 x 16 cm.
 Material:Oleo sobre cartón
 Estilo:Neo-Impresionismo

Aunque en la primavera de 1886 Van Gogh asista a las clases de Ferdinand Cormon, preferirá la ejecución de diferentes paisajes y vistas de los alrededores de Montmartre para expresarse en toda su plenitud. En esta escena parece mezclar elementos de su periodo deNuenen - las tonalidades oscuras, el interés hacia las luces nocturnas o incluso las cofias de las mujeres - con aspectos típicamenteimpresionistas como la sensación atmosférica obtenida o el aspecto abocetado. El color aun parece resistirse a entrar en las composiciones, penetrando ligeramente en algunas zonas como el cielo o el manto de la mujer de primer plano.   

 Campamento de gitanos con carros
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Museo de Orsay
 Características:45 x 51 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo

 Estilo:Neo-Impresionismo     

 Campo con amapolas
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1889
 Museo:Kunsthalle de Bremen
 Características:71 x 91 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

A medida de que Vincent observa una interesante recuperación en su enfermedad - ya no sufre frecuentes crisis, comiendo y durmiendo bien - incorpora el color a sus trabajos como observamos en este bello campo de amapolas empleando una luz distinta a Trigal verde con ciprés. Los tonos rojos llaman nuestra atención junto a los amarillos y los malvas, animando la amplia gama de verdes que forman el paisaje. La sensación de perspectiva es correcta, mostrando la influencia de la fotografía al cortar los planos pictóricos. Al incorporar las dos casas Van Gogh elimina esa peligrosa cercanía a la abstracción , al perderse paulatinamente la forma como estaban haciendo Monet y Pissarro. La fuerza de la pincelada utilizada continúa presente, apreciándose con claridad el empastamiento lo que hace estas obras inimitables.  

 Campesino con pipa
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1885
 Museo:Museo Kröller Müller
 Características:44 x 32 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Aun abundando los retratos de mujeres, en la serie de cabezas de campesinos que realizaría Vincent en el invierno de 1885 también encontramos algún hombre como éste que contemplamos. Se presenta casi de perfil, fumando en una pipa de barro con un gesto de ligera preocupación. La luz procedente de la izquierda resbala por su rostro, exaltando los gruesos y empastados toques de pincel que forman el busto, en un alarde de pintura rápida con la que Vincent ejecutará toda la serie. El personaje se recorta sobre un fondo neutro más claro que sus compañeros, otorgándole un mayor colorismo al colocarle un pañuelo rojo al cuello.  

 Campo con amapolas
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Gemeentemuseum de la Haya
 Características:73 x 91´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Los amplios campos que rodeaban al pueblo de Auvers también serán un interesante motivo de inspiración para Van Gogh en un momento de "angustia creativa". Pensemos que en los dos meses que vivió en el norte pintó más de 80 lienzos por lo que cualquier tema será interesante para crear un cuadro. Vincent recurre a vistas panorámicas donde las protagonistas son las amapolas que contemplamos esparcidas por más de dos tercios de la tela. Al fondo, sobre la línea del horizonte, hallamos varios árboles recortados ante el nuboso cielo. La sorprendente pincelada del maestro vuelve a ser la estrella de la composición, construyendo la obra a base de manchas de diversos colores aplicadas con una soltura extraordinaria. Encontramos cierta sintonía con los trabajos de Monet o Pissarro al perderse paulatinamente la forma, interesándose exclusivamente por la luz y el color, los dos conceptos que revolucionaron la pintura.

 Cartero Roulin
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Museo de Boston
 Características:81´2 x 65´3 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Los primeros seis meses que Van Gogh vivió en Arles los pasó en soledad trabajando en sus lienzos, escribiendo a Theo y a Bernard - quien le ponía al día sobre el Simbolismo y el cloisonnismo en los que trabajaba - y charlando con el cartero Joseph Roulin, al que vemos aquí retratado, y con el subteniente Milliet. La amistad de Vincent con este acérrimo republicano fue creciendo hasta realizar al menos tresretratos y un buen número de dibujos. Roulin viste uniforme de Correos con gorra incluida, recortándose la figura sobre un fondo claro. Está sentado en una silla y apoya su brazo derecho sobre una mesa verde. Los contornos del uniforme están delimitados con una gruesa línea de color negro, aplicando el color en el interior de las zonas creadas por la línea de manera casi uniforme. Por contra, el rostro está realizado a base de pequeñas pinceladas de variados colores que conforman perfectamente el duro gesto de este hombre con aspecto de cascarrabias. En las manos se aprecian las carencias dibujísticas de Van Gogh, por lo que los tonos claros empleados se aplican con una pincelada rápida y nerviosa.      

 Casa de campo en un trigal
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:45 x 50 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Durante su estancia en Arles, Vincent apenas se relacionará con sus habitantes, quienes le consideraban un personaje extraño y algo chiflado. Así que el pintor se dedicará a realizar paisajes de los alrededores, aunque a él le atraiga más el retrato. Surge de esta manera una amplia serie de imágenes protagonizadas por los prados o los árboles en flor, recogiendo en ellas la alegría y el colorido primaveral. En esta escena que contemplamos, Vincent ha captado a la perfección la luz mediterránea, fuerte y clara, resaltando las tonalidades verdes del trigal o las amarillas del tejado de la casa. El cielo azulado expresa el estado de ánimo del artista, aplicando las pinceladas con serenidad o cierta violencia, especialmente en las nubes a través de trazos arremolinados. La influencia del Impresionismocontinúa presente al recoger las luces tomadas directamente del natural, en un afán de mostrar al espectador la naturaleza en su más absoluto realismo. 

 Casas con tejado de paja
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Museo del Hermitage
 Características:60 x 73 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Desde septiembre de 1889 Van Gogh siente enormes deseos de abandonar Arles para trasladarse al norte de Francia, ansioso por captar el colorido y la luz de los paisajes septentrionales. Esa "huida" se produce en el mes de mayo del año siguiente, instalándose hasta el final de sus días en Auvers-sur-Oise, un pueblecito situado a unos 30 kilómetros al norte de París. Las casitas con el tejado de paja llamaron tremendamente su atención, elaborando una amplia serie con esta temática. La escena que contemplamos muestra las influencias delImpresionismo, especialmente por las sombras malvas proyectadas en las casas. La pincelada rápida de Vincent se aprecia cada vez con mayor claridad, saliendo del lienzo para mostrarnos la textura del óleo. Los trazos se hacen ondulados, obteniendo un ritmo casi musical mientras las líneas de los contornos están menos marcadas, olvidándose del estilo de Bernard y Gauguin. Respecto al color, emplea unos tonos verdes amarillentos y morados, interesándose por la teoría de los complementarios que ya había avanzado Delacroix. El estilo de Vincent se hace cada vez más personal, convirtiéndose en único.

 Casas en Auvers
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Museo de Boston
 Características:72 x 60´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

La breve estancia en Auvers - los meses de junio y julio de 1890 - va a suponer para Van Gogh un importante cambio en su paleta. Ahora afloran las tonalidades oscuras complementadas perfectamente con colores brillantes. Así encontramos verdes con rojos, malvas con amarillos, recuperando la teoría de los complementarios avanzada porDelacroix y desarrollada por los impresionistas. Partiendo de estos artistas, Vincent va a evolucionar añadiendo el empleo de una pincelada muy particular, con rápidos y empastados trazos que se aprecian con claridad en la tela. Especialmente personal es la utilización de esa pincelada arremolinada, inspirada en el puntillismo de Seurat y en las líneas de la estampa japonesa. Este delicado paisaje rural de Auvers que contemplamos nos transmite el estado de placidez en el que se encuentra el pintor por estas fechas al haberle diagnosticado eldoctor Gachet los síntomas de su enfermedad, barajando la posibilidad de que la causa fuese la inhalación de vapores de trementina en exceso. Pero la mente de Vincent bulle y pronto se disparará un tiro - el 27 de julio de 1890 - en los campos de Auvers que tanto gustaba de plasmar en sus lienzos.  

 Casas en Auvers
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Toledo Museum of Art
 Características:60´6 x 73 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

El delirio creativo que manifiesta Vincent en sus dos últimos meses, transcurridos en compañía del doctor Gachet en Auvers, se puede admirar en cualquiera de las más de 80 obras elaboradas, trabajando de sol a sol para crear más de un cuadro al día. Las casas del pueblo serán representadas a las diferentes horas del día, enlazando así con las teorías impresionistas que consideraban diferente un objeto dependiendo de la luz que impactara sobre él. Así surgen maravillosas serie salidas de los pinceles de Monet o Pissarro, uniéndose a ellos el genial holandés. Las tonalidades verdes dominan el conjunto, compartiendo protagonismo con los verdes y amarillos mientras ligeros toques del rojo de las amapolas llaman nuestra atención en primer plano. El color sirve para obtener las formas, excepto en aquellos elementos que tienen delimitados los contornos con una línea más marcada, siguiendo el cloisonismo de Bernard y Gauguin, motivo habitual en toda la producción de Vincent.     

 Catorce girasoles en un jarrón
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1889
 Museo:Colección Particular
 Características:100´5 x 76´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

A su regreso a la casa amarilla, tras pasar dos semanas ingresado en el hospital de Arles tras cortarse el lóbulo de la oreja y sufrir una profunda hemorragia, Vincent se interesa de nuevo por los floreros con girasoles, quizá evocando la alegría del verano anterior cuando se enzarzó en la elaboración de una serie de paneles con ese tema para decorar la casa ante la llegada de Gauguin. La recuperación del color será la característica más significativa de esta nueva etapa, continuando con los temas florales por el aspecto decorativo que conllevan, recordando a las estampas japonesas. Las flores están dispuestas de manera arbitraria en el jarrón, ubicado sobre una mesa que se separa de la pared gracias a una línea profundamente marcada. Esa pared tiene el color aplicado de forma plana mientras que en la mesa encontramos un mayor empastamiento, diferenciando así las texturas de ambos espacios. El color vuelve a ser aplicado con soltura, interesándose por manifestar su estado de ánimo en su trabajo, anticipando el Expresionismo.

Este lienzo fue adquirido en 1987 por la aseguradora japonesa Yasuda Fire & Marine Insurance Company en 5.000 millones de pesetas, siendo durante unos meses el cuadro más caro de la historia hasta que salió a la venta los Lirios que adquirió la Fundación Paul Getty de Malibú.

 Corona imperial en un jarrón de cobre
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1887
 Museo:Museo de Orsay
 Características:73´5 x 60´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Los asuntos florales habían sido puestos de moda en la década de 1880 por el ya fallecido Manet. Vincent parece retomar esta corriente al elaborar una amplia serie durante los dos años de estancia parisina, resultando un importante aliciente cromático para el holandés. Las diferentes tonalidades de las flores serán presentadas por Van Gogh en todo su esplendor, interesándose por resaltar la brillantez de los colores al aplicar la teoría de los complementarios iniciada porDelacroix y continuada por los impresionistas. La aplicación del color es rápida y empastada, organizando con los toques de pincel las formas de los objetos, suprimiendo en algunas ocasiones el dibujo preparatorio. En el fondo podemos observar una referencia al puntillismo, estilo que interesó a Vincent debido a su estrecha relación con el joven Signac.     

 Doctor Gachet con rama de dedalera
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Museo de Orsay
 Características:68 x 57 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

En una carta a su hermana Wil, Vincent dice en relación a sus retratos: "Quiero hacer retratos que, cien años después, sean como apariciones para los hombres de la época. Pero no pretendo conseguirlo a través de un parecido fotográfico sino mediante la actitud apasionada, utilizando nuestros conocimientos modernos sobre el color y nuestra forma moderna de percibirlo como instrumentos expresivos y métodos para expresar el carácter". Esta filosofía se aplica perfectamente a los dos retratos que elaboró de su buen amigo el doctor Gachet, el médico que estudió su enfermedad y con quien convivió en Auvers-sur-Oise. Van Gogh pinta este retrato igual que siempre, empleando un colorido impetuoso y una pincelada violenta, mostrando el carácter de la persona con la que más convivió en sus últimos meses. Refiriéndose a él dice escribe en una carta a Theo: "El doctor Gachet me parece tan enfermo como tú y como yo, siendo además mucho mayor que nosotros. Hace algún tiempo perdió a su mujer. pero es ante todo médico y su experiencia y su fe le ayudan a mantener el equilibrio. Nos hemos hecho bastante amigos. Estoy haciéndole un retrato, con la cabeza cubierta con una gorra blanca y sus cabellos rubios en un tonos muy claros; la carne de las manos es también muy clara; lleva una levita azul y el fondo es de azul cobalto. Esta apoyado sobre una mesa roja, en la que hay unos libros amarillos y una planta de digital con flores púrpuras".         

 Dormitorio de Van Gogh
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:72 x 90 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Van Gogh quiere inspirar tranquilidad y sosiego en este lienzo en el que solamente se observa su austero dormitorio. La espera ante la llegada de Gauguin supone para Vincent un incentivo a la hora de crear imágenes hasta ahora impensables para el mundo artístico académico. La pequeña estancia está vista en perspectiva, marcando las líneas del suelo y de las paredes para crear el volumen de la habitación. Sin embargo, abandona las sombras y la textura tradicional, creando superficies planas de clara inspiración oriental. Mezcla de esta manera la tradición europea en la perspectiva con las simplificaciones japonesas, uniendo así sus dos fuentes de inspiración. Recordemos que las estampas japonesas habían revolucionado el arte - al emplearlas losimpresionistas - y la cultura - lo oriental era cada vez más demandado por la sociedad -. En el retrato de Père Tanguy, Vincent había colocado todo el fondo repleto de estampas, tan apreciadas en París. El contacto con Bernard, aunque sea a través de cartas, motiva la utilización de gruesas líneas oscuras para delimitar los objetos, siguiendo el "cloisonnisme", método inspirado en las vidrieras y los camafeos medievales. A través de estos contornos consigue crear un mayor efecto volumétrico en los elementos presentes en la escena. Los tonos empleados son los más apreciados por Vincent; el amarillo y el azul aparecen en la mayor parte de su producción, convirtiéndose en sus tonalidades emblemáticas. Añade a estos colores pequeñas pinceladas de verde y rojo para jugar con los contrastes. La pincelada suelta a la que recurre el artista se aprecia claramente en algunas partes del lienzo, especialmente en la zona de la izquierda. Pero esa pincelada suelta no implica que olvide el detallismo de los objetos - las telas o el bodegón sobre la mesa - heredero de la tradicional pintura flamenca y holandesa del Barroco que tanto atrajo en su juventud a Vincent.   

 El marido está en el mar
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1889
 Museo:Colección Particular
 Características:66 x 51 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

La triste espera de la mujer del marinero protagoniza esta delicada imagen de Van Gogh realizada en septiembre de 1889 tomando como modelo una estampa de Millet, uno de sus pintores favoritos. La explicación de porque retoma imágenes de maestros anteriores -Delacroix y Rembrandt también se incluyen en esta serie - estaría en la falta de inspiración que Vincent sufre en las primeras semanas del otoño al no abandonar el sanatorio de Saint-Paul donde residía por miedo a una nueva crisis. El fuego es el foco de luz de la composición, resbalando por el cuerpo amplio de la mujer e impactando la ropa del pequeño. Las pinceladas empleadas son rápidas, marcando el dibujo a través del color, uniendo los dos conceptos que definen la pintura.   

 Huerto con albaricoqueros en flor
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:64´5 x 80´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Desde su llegada a Amberes en el invierno de 1886, Vincent había sentido una especial admiración hacia las estampas japonesas, admiración que se había ampliado durante su estancia en París gracias a su contacto con Père Tanguy que le proporcionaba numerosas xilografías. En estas estampas los creadores nipones muestran la floración de los árboles en su plenitud, siendo un motivo fundamental para la decoración de las casas japonesas. Van Gogh a su llegada a Arles pudo contemplar con sus propios ojos un proceso de floración lo que le llenó de gozo. Tenía Japón ante si y se puso manos a la obra, elaborando una serie de lienzos donde la influencia de la estampa japonesa está presente pero los modelos son reales, es la naturaleza la que posa para Vincent. Esta idea la podemos contemplar en el lienzo que observamos, donde aun podemos encontrar un recuerdo delImpresionismo al emplear sombras coloreadas así como una referencia a su amigo Emile Bernard al utilizar líneas oscuras para delimitar los contornos. El huerto con los albaricoqueros en flor se convierte en una sinfonía de luz y de color que sólo puede ser interpretada por el pincel de Van Gogh, transmitiendo con sumo realismo lo que sus ojos observan. En el fondo, Vincent nunca abandonó el realismo con el que comenzó en Nuenen, adaptándolo a su manera de vivir, a sus sentimientos.  

 Huerto en flor
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Colección Particular
 Características:72 x 58 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Cuando Van Gogh abandonó París en dirección a Arles fue en busca de la luz y el color del Mediterráneo, intentando encontrar su Japón del sur. Por desgracia, a su llegada en febrero de 1888 el invierno le recibirá con toda su dureza pero la primavera no tardó en aparecer, mostrándonos en los lienzos de los meses de abril y mayo la floración de los árboles de los alrededores. Vincent se interesa por captar la luz directamente del natural, siguiendo las teorías impresionistas, resaltando las tonalidades del paisaje. El intenso cielo azul provoca una serie de sombras coloreadas en los campos, resaltando el contraste con el rojo de los tejados de las casas. La influencia de la estampa japonesa - que tanto había admirado Van Gogh desde su llegada a Amberes - se encuentra presente en el aspecto decorativo y en la temática floral, así como en la planitud de algunos tonos. La pincelada de Vincent adquiere un importante valor en sus trabajos ya que determina las formas de los elementos que configuran la composición. En las líneas oscuras con las que traza los contornos encontramos una referencia al cloisonismo de su amigo Bernard, enlazando con el deseo del holandés por demostrar su capacidad como dibujante.

 Jardín
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Metropolitan Museum
 Características:92 x 73 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Una verdadera sinfonía de colores brillantes, aplicados con una pincelada rápida y empastada protagoniza esta composición. En ella podemos contemplar la situación emocional de Vincent, interesado en recoger con sus pinceles todo lo que le rodea. Las flores de primer plano están obtenidas a través de pequeños toques de pincel que recuerdan el Puntillismo mientras que apreciamos un mayor dibujismo en las casas del fondo. La pérdida de forma en la que cae elImpresionismo de Monet y Pissarro parece motivar a Van Gogh para realizar estos trabajos donde el color está en su estado más puro, dejando la línea en un plano totalmente secundario. La luz también está presente, aumentando el brillo de algunas tonalidades como el amarillo, intensificado por efecto de la iluminación solar. Vincent está encontrando su manera de expresarse; tras una serie de experimentos se decantará por el sensacional cromatismo e incluso el infantilismo que caracterizan su producción.

 Jardín de Daubigny
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:50´7 x 50´7 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Durante los dos meses de estancia en Auvers, Van Gogh se sentirá especialmente atraído por este jardín que repetirá en varios lienzos. El amplio espacio está cerrado al fondo por el edificio rodeado de árboles, creando una admirable sensación de profundidad. Las flores de primer plano se convierten en el centro de atención, iluminadas por una luz de atardecer primaveral que resalta sus vivos tonos igual que ocurre con la hierba. La pincelada ha sido aplicada con tremenda soltura, apreciándose los diversos trazos en la tela ya que Vincent apenas emplea el dibujo para elaborar sus creaciones; sólo con el color consigue obtener las formas, enlazando con la manera de trabajar deMonet.    

 Jarrón con amapolas, peonias y crisantemos
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1886
 Museo:Museo Kröller Müller
 Características:99 x 79 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Tras abandonar Nuenen en el otoño de 1885, Van Gogh inicia un proceso de aclaramiento en su paleta primero gracias al conocimiento de la obra de Rubens en Amberes y más tarde al contacto con los maestrosimpresionistas. Este avance respecto al color se puede apreciar claramente comparando incluso las naturalezas muertas ejecutadas en el periodo de Nuenen y las que realiza en París como este magnífico jarrón donde el color ojo de las amapolas se adueña de la composición, jugando con su complementario, el verde, siguiendo las teorías aprendidas de Delacroix. La relación con algunas obras de Manetelaboradas en los años iniciales de la década de 1880 es también significativa. 

 Jarrón con lirios
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:92 x 73´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Durante la primavera de 1890 Van Gogh va a emplear como modelos de sus trabajos las flores que recogía en el frondoso jardín del hospital de Saint-Paul. Su delicado estado de salud le impedía trasladarse a los alrededores por lo que decidió realizar una serie protagonizada por lirios y rosas en un jarrón. En estos trabajos encontramos una interesante similitud con los girasoles elaborados en otoño de 1888, cuando Vincent esperaba la llegada de Gauguin a Arles. El florero se deposita sobre un espacio de color ocre y se recorta ante un amplio fondo amarillo, aplicando en esta zona el color de manera plana en sintonía con la estampa japonesa. Esa misma influencia le lleva a eliminar las sombras. Las varas de lirios se disponen ocupando la mayor superficie de la tela, trabajadas con una pincelada arremolinada característica de estos momentos. Los colores complementarios - amarillo y morado - avanzados por Delacroix y asimilados por elImpresionismo alcanzan su máximo esplendor, recuperando Vincent su admiración por el color con el que pretende manifestar sus sentimientos.

 La Berceuse
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1889
 Museo:Colección Particular
 Características:93 x 74 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

 La hilandera
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1889
 Museo:Colección Particular
 Características:40 x 25´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

En el mes de septiembre Vincent está recluido en el hospital ya que tiene miedo de una nueva crisis. Le falta inspiración y recurre a copiar sus viejas estampas, incorporando novedades cromáticas más cercanas a su estilo. Obras de Delacroix, Rembrandt o Millet, como en esta ocasión, serán reinterpretadas por Van Gogh. Millet le atrajo ya desde su periodo de Nuenen y ahora inspirará un buen número de trabajos, quizá rememorando su estancia en Holanda, en la casa familiar que ahora echa de menos. La hilandera se encierra en una pequeña estancia llena de diversos objetos, enzarzada en su trabajo por lo que incluso nos da la espalda. Las tonalidades vibrantes que caracterizan las obras de Vincent se encuentran aquí presentes aunque la estética realista no haya desaparecido.    

 Le Moulin de la Galette
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1886
 Museo:Colección Particular
 Características:55 x 38´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Resulta curioso observar como Van Gogh - a diferencia de otros artistas como Renoir o Toulouse-Lautrec - nunca nos ofrece una visión del interior de uno de los templos parisinos del ocio sino que siempre muestra el edificio desde el exterior, bien desde la calle o desde las huertas de atrás. En primer plano se nos muestra a un campesino como si deseara comparar la vida disoluta de los asistentes a Le Moulin y el trabajo duro del hombre, enlazando con su periodo de Nuenen y con las pinturas de Millet que siempre admiró. La majestuosa silueta del molino preside la composición, rodeada de nubes en tonos malvas y blancos mientras que las tierras de la zona baja toman tonalidades variadas, desde el ocre al marrón pasando por el verde o rojo. La pincelada empleada difiere del lugar donde nos encontremos: es rápida y con pequeños toques - típicamente impresionista - en el campo de labor mientras que organiza el resto de las formas - árboles, el molino, el campesino - con una seguridad absoluta.  

 Marguerite Gachet al piano
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Museo de Bellas Artes de Basilea
 Características:102´6 x 50 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Cuando Van Gogh llegó a Auvers se instaló en una pensión para después alojarse en un acogedor café. Sus mejores amigos en el pueblo serán los Gachet, la familia del médico homeópata que debía vigilarle. Vincent elaboró varios retratos de los miembros de la familia; precisamente uno del doctor Gachet fue vendido en subasta pública por 8.500 millones de pesetas en mayo de 1990. En este lienzo observamos a la hija del afamado médico, tocando el piano. La figura de perfil se recorta sobre un fondo neutro de dos colores, aludiendo al suelo y a la pared. La casi ausencia de perspectiva se deberá al contacto con el simbolismo de sus amigos Bernard y Gauguin. La figura de la joven está elaborada a través de largas pinceladas, apreciándose claramente la textura del óleo. El piano está algo más dibujado, recurriendo a marcar los contornos con líneas más oscuras. El rostro de la joven casi pasa desapercibido pero sí apreciamos la concentración de la pianista para no defraudar a su audiencia. Y es que Vincent sigue en sus retratos la tradición barroca holandesa al interesarse por las personalidades de sus modelos.

 Mujer sentada en la hierba
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1887
 Museo:Colección Particular
 Características:41´5 x 34´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Durante los dos años de estancia en París, Vincent va a estar en pleno proceso de aprendizaje, relacionándose con los diferentes grupos de artistas que podrán aportar algo a su insaciable genio. Losimpresionistas - que ya estaban en sus horas más bajas - serán para Van Gogh un importante punto de referencia admirando su interés por la luz y el color mientras que los jóvenes pintores - Seurat, Bernard,Gauguin - le abrirán nuevas vías de expresión, obteniendo unos resultados totalmente personales. Pero durante estos años parisinos, Vincent trata cada uno de los estilos que le interesan, poniéndose de manifiesto en esta obra que contemplamos su acercamiento a Renoir,Monet o Pissarro, artistas que formaban el grupo de "Peintres du Grand Boulevard" exponiendo en la galería dirigida por su hermano Theo. La mujer se sienta al aire libre, en una zona de sombra, para mostrarnos en el fondo el impacto de la luz sobre el trigal amarillo. La teoría de los complementarios está llevada a su máxima expresión al contrastar el verde y el rojo, el amarillo y el morado. La aplicación del color se realiza a base de pequeños toques en forma de pequeñas comas, obteniendo una sensación de mosaico que se supera al contemplar el lienzo desde lejos.

 Mujer sentada junto a una cuna
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1887
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:61 x 45´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

La estrecha relación entre Van Gogh, Signac y Seurat provocarán la admiración del puntillismo por parte del holandés, introduciendo este nuevo método en su pintura. Las obras ganan en color y luminosidad, dotándolas de ese aspecto fragmentario que caracteriza a la composición organizada a base de pequeños toques de pincel. Con esta técnica se aportaba al Impresionismo un aspecto más científico. De esta manera nos encontramos al Vincent más experimentador. Esta imagen de una mujer anónima junto a una cuna refuerza la frase pronunciada por el pintor en aquellas fechas: "Prefiero mil veces pintar los ojos de la gente que pintar catedrales". La figura transmite toda su personalidad a través de su rostro enjuto con dos enormes ojos tremendamente expresivos. Las referencias espaciales van aumentando, lo que demuestra la seguridad de Vincent a la hora de crear, obteniendo importantes resultados.

 Niña con naranja
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Colección Particular
 Características:50 x 51 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Van Gogh realizará en Auvers una pequeña serie protagonizada por niños, mostrando una vez más su atracción hacia la temática retratística. Ya durante su estancia en París comentó que prefería pintar los ojos de la gente a pintar catedrales pero la ausencia de modelos motivarán la escasa presencia de esta temática en su producción. En la etapa de Auvers, quizá la más variada, no podía fallar el retrato como podemos admirar en esta niña anónima sentada en la naturaleza, resaltándose los colores de la naranja que lleva entre las manos, la hierba y las flores de alrededor así como su rubio cabello. El color de la fruta se refleja en los mofletes de la pequeña, acentuando su aspecto tranquilo y candoroso, a diferencia de los rostros de losDos niños. Mientras la figura de la niña está algo más elaborada - especialmente por las líneas negras de los contornos en sintonía conBernard y Gauguin - en el fondo hallamos un mayor abocetamiento debido a la luz. Además de la expresión de la pequeña, debemos destacar en esta composición la variedad y la brillantez de los tonos empleados, buscando Vincent en ellos su vehículo de expresión.

 Paciente del hospital de Saint-Paul
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1889
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:32´5 x 23´5 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Entre los retratos elaborados en la etapa de Saint-Rèmy destaca éste que contemplamos protagonizado por uno de los enfermos que convivía con Vincent en el sanatorio. El hombre parece mirar a su mundo imaginario con sus intensos ojos azules, presentados de manera divergente para acentuar su estado mental perturbado. En el rostro encontramos una mayor minuciosidad para pasar a espesas pinceladas con las que trabaja la camisa y chaqueta mientras que en la zona superior el entramado de trazos se difumina y se pierde como una especie de aureola. Los colores oscuros marcan un retrato donde Vincent se interesa por la expresión de su modelo, elemento identificativo de todos los retratos que ejecutó.

 Puente de Gleize cerca de Arles
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1888
 Museo:Colección Particular
 Características:46 x 49 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Los puentes que rodeaban Arles también interesarían a Van Gogh, de la misma manera que había ocurrido en el verano anterior con lospuentes de Asnières. En los numerosos paseos que el artista daba por los alrededores de la ciudad pudo contemplar algunas imágenes que quiso plasmar en sus lienzos como estas lavanderas haciendo su labor al pie del río. Ahora Vincent no se muestra preocupado por el trabajo de las mujeres como ocurría en el periodo de Nuenen sino que admira los reflejos en el agua o la belleza de las tonalidades amarillas en el paisaje. Eso no quiere decir que haya abandonado su carácter reivindicativo pero en estos momentos es la naturaleza en su plenitud la que llama su atención. Esas vivas tonalidades empleadas, aplicadas en el soporte de manera rápida pero precisa, se convierten en el centro de atención de la composición. El recuerdo al Impresionismo lo encontramos presente al mostrarnos su interés hacia la luz de un momento determinado del día, enlazando con las obras de su gran amigo Pissarro.

 Père Tanguy
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1887
 Museo:Museo Rodín
 Características:93 x 73 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

Tanguy era uno de los personajes emblemáticos entre los pintores que vivían en París. Regentaba una pequeña tienda de artículos de dibujo y pintura en Montmartre, suministrando material habitualmente a los artistas impresionistas y post-impresionistas. En muchas ocasiones, aceptaba un cuadro como pago de las deudas contraídas por los artistas, formando quizá la mejor colección de pintura contemporánea (entendiéndose decimonónica). Fue Tanguy uno de los promotores principales del "desembarco" de estampas japonesas, que vendía y exponía en su tiendecita. Esta afición por lo oriental provoca que Van Gogh sitúe tras su bonachona figura un buen número de estampas, dando la impresión de ser el propio Tanguy una estampa más. Los vivos colores han aparecido con fuerza, haciendo olvidar las tonalidades oscuras de la etapa de Nuenen que también marcaron sus primeras imágenes parisinas - Le Moulin de la Galette -. La pincelada empleada por Vincent tiende a ser cada vez más facetada, creando pequeñas manchas de color que organizan la composición. La figura de Tanguy es plana, pegándose a las estampas para marcar la influencia oriental, que también mostrará en Japonaiserie. Varias líneas de la chaqueta están perfiladas en negro para resaltarlas entre los tonos claros. No es muy habitual el retrato en la ingente producción de Vincent, pero cuando se interesó por él pone todo su empeño en mostrar la personalidad de su modelo, del carácter bonachón y amable del comerciante. Resulta curioso la presencia de la estampa del monte Fuji sobre su cabeza, como simbolizando la bonanza del retratado hacia los pintores, igual que el Fuji hacia el Japón. 

 Vista de Auvers
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1890
 Museo:Museo Nacional Van Gogh
 Características:50 x 52 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

De nuevo las casas de Auvers servirán como modelos para los lienzos de Vincent. Este mes de junio de 1890 el doctor Gachet se entrevista con Theo en París y le transmite sus impresiones; cree que Vincent está curado y piensa que los ataques no se producirán más, invitándoles a pasar el próximo domingo juntos. Theo, Johanna y el pequeño Vincent pasan un día con el pintor en Auvers. Vincent lleva a su ahijado en brazos y le enseña los animales de la granja; está eufórico como se puede apreciar en las obras que creará en sus dos últimos meses, trabajando sin parar para realizar un cuadro al día. Esa rapidez la podemos encontrar en esta composición en la aplicación de las pinceladas arremolinadas de primer plano que casi no cubren la superficie preparatoria del lienzo. Al fondo, más estructuradas, encontramos las casas con sus tejados rojos o malvas mientras que en último término se nos presentan las verdes colinas y el cielo, apenas trabajado con ligeros toques azulados. A pesar del abocetamiento, Van Gogh ha conseguido transmitir la impresión que le produce un paisaje, enlazando con su maestro Pissarro y con las teorías impresionistas.

 Vista de la iglesia de Saint-Paul-de-Mausole
 Autor:Vincent Van Gogh 
 Fecha:1889
 Museo:Colección Particular
 Características:44´5 x 60 cm.
 Material:Oleo sobre lienzo
 Estilo:Neo-Impresionismo

En el pequeño pueblecito de Saint-Paul-de-Mausole se ubicaba el hospital mental donde Vincent residía desde el mes de mayo de 1889. Interesado por recoger en sus lienzos los alrededores del sanatorio, en esta ocasión le toca el turno a la iglesia del pueblo, anticipando la famosa vista de la Iglesia en Auvers. Las edificaciones se trasladan al fondo, recortadas ante un cielo azulado con notas blancas, mientras en primer plano contemplamos un amplio espacio ocupado por los terrenos que antecedían al templo. En este primer término observamos las mismas sombras malvas que se proyectan en los tejados - herencia de las teorías impresionistas - condicionadas a la luz de atardecer que Van Gogh nos trasmite en la tela. Sus pinceladas son rápidas y empastadas, aplicando el color con fuerza y sentimiento, mientras que los contornos de los edificios se delimitan con una línea oscura en sintonía con el simbolismo de Gauguin y Bernard.

 Van Gogh, Vincent
Nacionalidad: Holanda
Groot-Zunder 1853 - Auvers-sûr-Oise 1890
Pintor
Estilo: Neo-Impresionismo
Escuela:

Van Gogh, Vincent
Nacionalidad: Holanda
Groot-Zunder 1853 - Auvers-sûr-Oise 1890
Pinto

Obras: 751r
Estilo: Neo-Impresionismo
Escuela: 

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El tesón y las ganas de trabajar - más de 800 cuadros en nueve años como pintor - que demostrará Vincent a lo largo de su corta vida son encomiables y definen claramente la biografía de este magnífico pintorneo-impresionista. Vincent Willem van Gogh nace en Groot Zunder (Holanda) el 30 de marzo de 1853 en el seno de una familia de clase media. Su padre - Theodorus van Gogh - era un pastor protestante y su madre - Anna Cornelia Carbentus - pertenecía a una importante familia de encuadernadores. Sus tíos paternos se dedicaban al comercio de obras de arte, fundando la sucursal holandesa de la prestigiosa firma Goupil & Cie. No existen muchos datos sobre su infancia, iniciando sus estudios en 1861 y destacando en el aprendizaje de inglés, alemán y francés. Abandona repentinamente el instituto donde estudia y regresa a su casa; son los escasos datos que conocemos de estos años de adolescencia ya que hasta los 30 no tendrá vocación artística. Con 16 años empieza a trabajar en la galería Goupil, fundada por su tío en La Haya. Allí se vendían preferentemente obras de artistas holandeses contemporáneos - la conocida como Escuela de La Haya que buscará sus raíces en el paisaje realista del Barroco conJacob van Ruysdael como principal protagonista - y de la Escuela francesa de Barbizon, origen del Impresionismo. Durante los cuatro años que Vincent estuvo en La Haya se empapó de estas escenas que tenían bastante salida comercial. Pero ya en estos momentos se inicia su profunda admiración por Millet, a quien considera el padre de la nueva pintura francesa. Anton Mauve, uno de los miembros de la Escuela de La Haya, contrae matrimonio con una de las tías de Vincent, quince años mayor que su marido, convirtiéndose Mauve en el primer mentor artístico de Van Gogh. En 1873 Vincent se traslada a Londres para trabajar en la sucursal de Goupil de la capital británica. Su primer año allí será de entera felicidad, apreciando la pintura de Constable yTurner, y afirmando su admiración por la pintura holandesa contemporánea. Parece que su primera crisis psíquica fue motivada por el rechazo sentimental de la hija de su patrona, la joven Ursula Layer, de quien se había enamorado profundamente. El deterioro físico y psíquico de Vincent fue tal que se le trasladó a la oficina de París por un periodo de tres meses. Vincent se volcó en la religión tras su fracaso amoroso, convirtiéndose en un hombre extraño. En 1875 regresa a París procedente de Londres - donde había estado los últimos seis meses - trabajando de nuevo en la central de la casa Goupil. Se obsesiona con la religión, descuidando su aspecto, leyendo continuamente la Biblia, incluso en el trabajo. También es un asiduo visitante del Louvre y del Museo del Luxemburgo. Cada vez rinde menos en el trabajo; por consiguiente, los jefes de la casa Goupil le dan un plazo de tres meses para que presente su dimisión. Corría el mes de enero de 1876 cuando Vincent abandona París y regresa a Inglaterra, siendo profesor en una escuela de Ramsgate donde su sueldo era el alojamiento y la comida. En julio de 1876 se instala en las cercanías de Londres, formando parte de una escuela metodista cuyo director le anima a impartir clases de ética y a predicar. Durante las Navidades de ese año regresa a Holanda y su padre le convence para que se quede en casa. En 1877 inicia un nuevo trabajo en una librería de Dordrecht gracias a la recomendación de su tío. Vive solo y no le interesa el trabajo por lo que pretende matricularse en la Facultad de Teología de Amsterdam en dos ocasiones sin obtener resultados positivos. Tras nuevos intentos fracasados, su padre consigue que se le otorgue un acuerdo para permanecer por un periodo de seis meses como predicador a prueba en el sector de Masnes, en la región belga de Borinage. Durante tres años estará Vincent trabajando con comunidades mineras, renunciando a sus escasas pertenencias para vivir como ellos. Ya entonces empieza a contar con la colaboración económica de su querido hermano Theo, quien trabaja en la central de Goupil en París. Esta dependencia económica se mantendrá durante el resto de la vida de Vincent. El ardor religioso remite y Vincent abandona a los mineros. Posiblemente haya decidido convertirse en un artista profesional por lo que se traslada a Bruselas, compartiendo estudio con Anton van Rappard. Inicia estudios de perspectiva y anatomía, acompañados de lecturas complementarias. En abril de 1881 Vincent regresa a la casa paterna de Etten, donde permanecerá ocho meses al enamorarse apasionadamente de su prima Kee Vos. Llega incluso a quemarse la mano ante el rechazo y se traslada a La Haya, viviendo con una prostituta embarazada que ya tenía un hijo llamada Sien Hoornik. Al pensar Vincent en hacerla su esposa, su padre considera declararle demente para alejarle de Sien. En esta breve etapa en La Haya se sitúa bajo la dirección artística de su tío Anton Mauve. Vincent realiza su primer óleo titulado Muchacha bajo los árboles en tonos oscuros siguiendo a la próspera Escuela de La Haya. Su compañera Sien será su modelo en múltiples dibujos. Pero la relación Vincent-Sien se agota y el pintor regresa a la casa paterna, ahora en Nuenen. Theo continúa su apoyo económico como anticipo de las ventas de unos cuadros que nunca se venderán. Vincent dirá a este respecto: "Yo no tengo la culpa de que mis cuadros no se vendan. Pero llegará el día en que la gente se dará cuenta de que tiene más valor de lo que cuestan las pinturas". Los dos años pasados en Nuenen (1883-1885) se culminan con la obraCampesinos comiendo patatas. Muerto su padre en abril de 1885, Vincent se siente más libre y en otoño se traslada a Amberes donde contempla los espectaculares retablos de la catedral ejecutados porRubens, iniciando un aclarado de su paleta. La pintura de Delacroixtambién llamará su atención en estas fechas. Vincent tiene cada vez más claro que debe continuar su aprendizaje en París, donde se traslada por sorpresa en marzo de 1886. En la capital del arte del siglo XIX permanecerá por un periodo de dos años; primero se matricula en la escuela de Ferdinand Cormon para pintar modelos vivos. Allí conocerá a Toulouse-Lautrec, poniéndose en contacto con los impresionistas. Este nuevo movimiento artístico sirve a Vincent de punto de partida, aunque piensa que Millet ha hecho más por la pintura queManet. Durante estos años realizará paisajes de las cercanías de su casa o bodegones de flores, apreciándose un aclarado de su paleta en relación con el periodo de Nuenen. También inicia ciertos experimentos con el Puntillismo así como conoce a Degas, interesándose por la figura humana. Pero la atención de Vincent se centra en sus contactos con los jóvenes Paul Signac y Émile Bernard, quienes consideran anticuado el Impresionismo. Ambos artistas influirán mucho en la obra de Vincent, que empieza a pensar en la creación de una comunidad de artistas. Las estampas japonesas supondrán también una importante influencia para el joven pintor, de igual manera que influyen en todos los movimientos del momento. Incluso llegó a reproducir varias estampas japonesas mientras el retrato de Père Tanguy está lleno de estampas niponas. El contacto de Vincent con Gauguin se inicia en el otoño de 1886. Entre ambos surgió un respeto mutuo, creciendo la admiración de Van Gogh hacia Paul a medida que pasaba el tiempo, haciéndose cada vez más fuerte la idea de constituir una sociedad de artistas en la que se compartieran gastos e ideas, ofreciéndose apoyo mutuo. En febrero de 1888 Vincent se traslada al sur de Francia, a Arles, buscando su lugar de escape, su Japón del Sur como él denominaba a la ciudad mediterránea. En Arles beberá mucho menos y creará mucho más. Alquilará una casa, la Casa amarilla, pero la soledad es muy dura - sólo mantenía relaciones con la familia del cartero Roulin y sus amigos - por lo que empezó a creer con más fuerza en su ansiada sociedad de artistas. Invitó a Gauguin a instalarse en Arles, aceptando éste trasladarse en octubre de ese año, tomando Paul el dinero que Theo Van Gogh le envió para dar gusto a la idea de su hermano. Vincent está en un tremendo estado de excitación ante la llegada de su amigo y se dedica a la decoración de la casa con una serie de paneles congirasoles. Cuando Gauguin llega, incita a Vincent a pintar de memoria, creando escenas como el Sembrador, en las que la naturaleza resulta ligeramente fantaseada. Pero la convivencia entre ambos artistas no es fluida y las discusiones cada vez suben más de tono. El desenlace se produce la noche del 23 de diciembre de 1888. Después de haber bebido mucho, discuten de nuevo y Vincent amenaza a su amigo con una navaja de afeitar. Gauguin, asustado, se marcha al hotel y Vincent, arrepentido por el desenlace de la disputa, decide arrancarse el lóbulo de su oreja derecha, entregándoselo a una prostituta para que lo lleve a Gauguin como señal de arrepentimiento. El escándalo fue mayúsculo y la policía acordonó la casa; Vincent es internado en el hospital y delira durante tres días. En enero de 1890 regresa a su casa y pinta las sillas - donde observamos la diferencia de ambos pintores - así como varios autorretratos donde se aprecia su mutilación. Las noticias de la promesa de matrimonio de Theo con Johanna Gesina Bonger, hermana de su amigo Anders Bonger, no hacen mucha gracia a Vincent, especialmente por la amenaza económica que suponía. Además, su amigo Roulin es trasladado a Marsella quedándose bastante solo de nuevo. En febrero Vincent es ingresado de nuevo en el hospital al cuidado del doctor Felix Rey ya que padece de insomnio y alucinaciones, imaginándose que alguien quiere envenenarle. Un mes más tarde, un grupo de treinta vecinos de Arles solicita el internamiento del "loco del pelo rojo" como le denominan, una vez más, en el hospital. La policía cierra la Casa Amarilla con todos sus cuadros. Tras abandonar el hospital, Vincent abandona su hogar y se instala en dos pequeñas habitaciones del doctor Rey. Las recaídas son cada vez más frecuentes y el propio Vincent desea ingresar en un sanatorio, lo que ocurre el 8 de mayo. Voluntariamente, se marcha al sanatorio mental de Saint-Paul-de-Mausole, cerca de Saint-Rémy, a 27 kilómetros de Arles. ¿Cuál era la enfermedad de Vincent? Exactamente desconocemos a qué se debían esas crisis y ataques, surgiendo múltiples hipótesis. La más certera sería una inestabilidad psíquica de carácter congénito, acentuada por el abuso del alcohol. No en balde el doctor le rebajará la dosis de alcohol a medio litro diario, indicándonos esta noticia que era un alcohólico empedernido. Lo que no es del todo cierto es que las crisis que sufre Van Gogh influyan en su pintura ya que Vincent sólo duerme cuando tiene un ataque, teniendo miedo a estas crisis porque no puede crear durante esas fases. Por lo tanto, decir que la obra de Van Gogh es el resultado de los ataques de locura de un esquizofrénico es totalmente falso. Más bien nos encontramos ante la visión de una persona muy sensible que sabe aplicar el color como nadie en su momento. Este encierro en Saint-Rémy le obliga a pintar lo que hay alrededor del hospital, tanto las habitaciones, la naturaleza o los propios internos. Después de varios ataques - en uno de ellos intenta tragarse las pinturas - Vincent recibe la noticia de que Theo va a ser padre, deseando que el pintor sea el padrino del futuro bebé. Lleno de emoción, quiere regresar al norte de Francia para poder estar más cerca de sus amigos. Ahora trabaja copiando obras de Millet o Delacroix porque tiene miedo a pintar al aire libre. Tras una conversación con Pissarro, Theo considera conveniente que Vincent se instale en Auvers-sur-Oise, en el noroeste de París, al cuidado deldoctor Gachet, famoso homeópata relacionado con los impresionistas. A fines de diciembre de 1889 sufre un nuevo ataque mientras está pintando e intenta tragarse las pinturas; una vez más el doctor le prohibe pintar, permitiendo la ejecución de dibujos. El 31 de enero de 1890 Johanna da a luz un niño al que se llamará como su tío, Vincent Willen. La noticia llena de alegría al pintor, que también se entera de la primera compra de un cuadro suyo - el Viñedo rojo - por parte de Anne Boch. En mayo de ese año viaja a París para conocer a su sobrino, pasando tres días en la ciudad, que le parece demasiado ruidosa e intranquila. Parte para Auvers, alojándose en una pensión primero y después en un Café. El doctor Gachet le cuida cariñosamente e incluso piensa que está curado, considerando que nunca más tendrá un ataque. Durante los dos meses que vivió en Auvers pintó más de 80 cuadros, demostrando estar en pleno éxtasis creador. El 6 de julio de 1890 Vincent va a París para ver a su hermano; le encuentra muy preocupado por su situación laboral, el problema de la vivienda y la enfermedad del pequeño Vincent. Se agobia por ser una carga para su hermano y temiendo un nuevo ataque, el 27 de julio sale al campo y se dispara con un revólver; regresa a su hogar y avisa a los señores Ravoux para que soliciten un médico al no encontrarse bien. Reconoce haberse disparado y los doctores le vendan la herida pero no extraen la bala. Enterado de la noticia, Theo parte para Auvers y pasa el día con Vincent, fumando ambos en pipa. El 29 de julio de 1890 fallece el primer genio de la pintura contemporánea. Curiosamente, su hermano Theo muere seis meses después en una casa de salud de Utrecht. Desde 1914 ambos hermanos reposan juntos en el cementerio de Auvers-sur-Oise.

Director de la colección: Luis Sanguino Arias

            

            

BONOZZO GOZZOLI***EL CORTEJO DE LOS REYES MAGOS

EL CORTEJO DE LOS MAGOS.Obra de Benozzo Gozzoli. Pintor italiano del cuatroccento, entre sus obras sobresalen los fres de la capilla de los Médicis en Florencia de la que presentamos su cortejo.

 Ellos, después de oír al rey, se pusieron en camino, y he aquí que la estrella que habían visto en el Oriente iba delante de ellos, hasta que llegó y se detuvo encima del lugar donde estaba el niño.
 Al ver la estrella se llenaron de inmensa alegría.

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 Entraron en la casa; vieron al niño con María su madre y, postrándose, le adoraron; abrieron luego sus cofres y le ofrecieron sus  dones oro, incienso y mirra.

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  BENOZZO GOZZOLI (h. 1420-1497). La Comitiva de los Reyes Magos (Palacio Médici-Riccardi, Florencia, 1459) se concibe como algo decorativo. La composición es rica en pequeños detalles de gran valor visual. Su carácter retardatario en lo formal se suple con la fidelidad de los retratos de los comitentes, la familia Médici. Estas pinturas muestran un espacio artificial, similar al de los tapices.
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                        Procesión de los Magos 
 Autor:Benozzo Gozzoli
 Fecha:1459-61
 Museo:Palacio Médici-Riccardi
 Características:
 Material:Fresco
 Estilo:

La composición realizada por Benozzo Gozzoli en el Palacio Médici muestra el uso de elementos aparentemente contradictorios como son el fondo de paisaje, representado según los convencionalismos del gótico internacional, y los escorzos de los caballos y algunas figuras. Los elementos tradicionales aparecen aquí no como solución arcaizante sino como intento de ambientación histórica de la fecha del acontecimiento.            

En la Capilla de Los Magos, en el Palacio Medici Riccardi, se encuentra el "Cortejo de los Reyes Magos", la obra más conocida de Benozzo Gozzoli, donde el episodio bíblico sirve al artista para representar a numerosos miembros de la familia propietaria del palacio.

Todos los años se celebraba en la ciudad-estado de Florencia el cortejo de los Reyes Magos, un desfile festivo en el que particiba todo el pueblo. Servía para distraer a los ciudadanos de sus problemas, pues en su preparación invertían varias semanas, incluso meses. El desfile estaba organizado por los gremios que se encomendaban a los Reyes Magos y por cofradías como la "Compañía de los Reyes Magos". Sus más selectos miembros se disfrazaban de los Reyes y su séquito, participando el 6 de Enero en el más bello de los desfiles de la época.

Según Maquiavelo los Medicis fueron dueños del poder de Florencia tanto tiempo porque entre otras tácticas ofrecían al pueblo algo que apartase sus pensamientos del estado. Las fiestas y desfiles lo consiguieron en gran medida.

En la obra pueden reconocerse a varios miembros de la familia. El joven Rey lleva el rostro y aspecto de Lorenzo de Medici. A la izquierda podemos ver a su padre, un hombre mayor con un traje oscuro bastante discreto, Cósimo de Medici, rodeado de algunos de sus hijos. Incluso aparece el propio pintor, que es el único personaje identificable con plena seguridad, pues en su gorro aparece la siguiente frase: Obra de Benozzo.
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Sobre Benozzo Gozzoli,

Fue un pintor italiano de finales del siglo XV, discípulo de Fra Angélico y uno de los últimos exponentes de la transición del gótico al pleno renacimiento.

En su obra se aprecia el interés por el detalle (había empezado siendo orfebre, como Botticelli), el colorido brillante, que toma de su maestro Fra Angélico y por los paisajes en sus fondos, que a veces sustituye por escenas arquitectónicas.

Sus obras principales fueron mayormente frescos. Destacan los dedicados a S. Francisco de Asís y algunos pasajes del Antiguo Testamento como La vida de Noé o Salomón y la reina de Saba. Otras obras suyas se encuentran en la capilla de la catedral de Orvieto o en la capilla nicolina del Vaticano.

Su obra más destacada es la que pintó en la capilla del palacio Médici-Ricardi, el gran palacio dedicado a esta familia florentina, que construyó el arquitecto Michelozzo, dando paso a un tipo de palacio que marcó un estilo propio. Tal obra es El cortejo de los Reyes Magos, en la que los Reyes Magos tienen el rostro del patriarca de Constantinopla y el emperador bizantino Juan Paleólogo (esta asimilación la hizo el pintor cuando llegaron ambos personajes al concilio que se iba a celebrar en Ferrara pero que se trasladó a Florencia por la epidemia de peste de aquella ciudad). En el mismo cortejo que acude a visitar al niño Jesús, también incluye a la familia Médici y hasta un propio autorretrato.

Esta obra está inspirada en otra anterior de Gentile da Fabriano.
web.quattrocento@gmail.com  
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Cortejo de los Reyes Magos.

Benozzo Gozzoli.

Palacio Médici-Ricardi. 1459-1461

Una de las pinturas más espectaculares del Primer Renacimiento por su vistosidad y sus dimensiones es la que realiza Benozzo Gozzoli para la Capilla del Palacio Médici (luego Ricardi). Se trata de un encargo noble relacionado con el  mecenazgo que Cosme de Médici hace al arquitecto Michelozzo del propio palacio, pues las pinturas se realizan cuando aún se estaba ultimando el edificio.

Iconográficamente la obra de Gozzoli tiene múltiples aristas que permiten una interpetación variada y rica de la obra. En primer lugar hay que tener en cuenta que la festividad de la Epifanía se celebraba con gran fervor en Florencia y que por ello mismo el día 6 de enero se organizaba un magnífico desfile patrocinado por diferentes gremios y cofadrías encomendados a esta festividad, entre las que destacaba la "Compañía de los Reyes Magos". La relación de la propa familia Médici con la promoción de este tipo de eventos explica en primer lugar la elección del tema, pero también la curiosa representación de los numerosos personajes que aparecen en la pintura, entre los que se distinguen diversos miembros de la familia donante, así como de otros linajes nobiliares florentinos. De esta forma, el tema evangélico se va a convertir en un pretexto para una representación mundana de la sociedad florentina. No acaba aquí la interpretación de la obra, que en una lectura complementaria de la escena quiere hacer referencia a la reciente pérdida de Constantinopla en manos de los turcos (1453), de tal forma que la obra se interpreta como un homenaje póstumo a la unidad de la Cristiandad, de ahí que en la representación de los Reyes Magos aparezcan las figuras de Juan VIII Paleólogo, y probablemente de José, Patriarca de Constantinopla, el primero, presente en la ciudad de Florencia en 1439, siendo además el último emperador en mantener la unidad del imperio frente a los turcos y de conservar la ciudad de Constantinopla.

Todo ello explica la profusión de personajes reales que van apareciendo en el cortejo: en la pared oriental el protagonista es el rey Gaspar, un rey joven que puede identificarse con la figura de Lorenzo de Médici, junto al que aparecen otros ilustres miembros del clan, como su padre Cosme de Médicis, entonces señor de Florencia, vestido con un sencillo traje oscuro, o el hermano de éste, Piero. En la pared meridional se representa al rey Baltasar como un retrato del emperador bizantino Juan VIII Paleólogo, que además complementa la imagen del rey Gaspar, pues si aquel era representación de la juventud, éste lo es de la plena madurez. Finalmente en la pared occidental se representa al rey Melchor, imagen de la senectud (símbolo de la experiencia y la sabiduría), que en este caso está representado probablemente por el retrato de José, Patriarca de Constantinopla, aunque últimamente se ha puesto en duda dicha identidad y se ha sustituido por otros posibles nombres. Junto a ellos se reconocen también otros personajes ilustres entre la multitud, como Galeazzo María Sforza, hijo del Duque de Milán; Sigismondo Pandolfo Malatesta, señor de Rímini; miembros de las grandes familias florentinas; los representantes de la banca Médici de ciudades como Brujas o Roma, y el propio pintor, que se autorretrata con un gorro rojo sobre el que firma "obra de Benozzo".

el rey Baltazar con los rasgos del emperador Juan VIII Paleologo, 

La estructuración de todo el conjunto pictórico también sige un orden establecido, pues el cortejo en su conjunto avanza hacia otra pintura, situada en una cuarta pared, que constituye el eje de toda la representación y que no es otra que la “Adoración del niño” (1460) de Fray Filippo Lippi, hoy en el Staatliche Museum de Berlin.

Desde el punto de vista formal la obra también aporta contenido al comentario pues constituye una curiosa amalgama de elementos innovadores junto a otros relacionados con la tradición de la pintura gótica. En este sentido a Gozzoli se le ha considerado un pintor conservador y poco evolucionado, en lo que también ha tenido que ver el juicio que le mereciera a Vasari, que en sus “Vidas” lo considera un pintor menor. Por ello se le ha valorado como un buen discíplo de Fray Filippo Lippi, pero demasiado apegado al detallismo de la tradición flamenca, o a ciertos recursos y convencionalismos propios del Gótico Internacional.

Con todo y con eso, no parece que esa valoración de Gozzoli sea del todo justa, teniendo en cuenta otras aportaciones que aparecen en la obra y que demuestran su perfecto conocimiento de las últimas novedades de la pintura floretina del momento, que es tanto como decir, de las más novedosas aportaciones del Quattrocento italiano.

En este sentido la obra cuenta en primer lugar con una composición en serpentina, que se adapta perfectamente al sentido procesional del cortejo y que tiene por tanto un ritmo compositivo idóneo, que además contribuye a la sensación perspectiva; los escorzos de algunas figuras son innovadores; como lo es igualmente la introducción de actores reales en la representación de un tema bíblico; también por tanto el concepto de retrato colectivo, con abundancia de figuras además, algo muy poco frecuente con anterioridad; así como el carácter anecdótico de la narración, que supera el mero detallismo gótico.

Los tres santos reyes. Gozzoli, con el gorro rojo (autorretrato)

Si junto a estos valores aparecen otros que parecen una rémora del pasado, como el empleo de oros, el paisaje sucedáneo, de rocas acartonadas, más como un decorado escénico que como entorno naturalista, y la perspectiva de registros superpuestos al modo del Gótico Internacional, responde a una razón concreta, que nada tiene que ver con un carácter conservador de este pintor. En palabras de Víctor Nieto Alcalde, si como hemos apuntado anteriormente, el cuadro es un homenaje a la antigua unidad de la cristiandad, lo que pretende Gozzoli en esta obra es reconstruir con un criterio historicista esa etapa anterior a la pérdida de Constantinopla, razón por la cual emplea esos recursos y convencionalismos del periodo artístico anterior. Lo cual en sí mismo es también un valor novedoso e innovador de la pintura en su aspecto narrativo.

La pintura por lo demás resulta espectacular por sus dimensiones, la precisión de la línea (en la que se deja sentir la influencia de su maestro Lippi), la nitidez de las escenas, la luminosidad de todo el conjunto, con la proyección de una luz cenital igualmente nueva, y la utilización del color, predominando tonos azules de gran intensidad, rojos y verdes, que aparte de ser los colores representativos de la familia Médici, se van a convertir en las tonalidades más utiizadas (con el mismo criterio de armonía y equilibrio cromático que emplea Gozzoli) en la pintura del Quattrocento.
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Juan Paleologo, patriarca de Constantinopla

Juan VIII Paleólogos, como el rey Baltasar

De aquella tabla, y, probablemente también, del recuerdo que sobre Gozzoli debió dejar, cuando era un joven de unos veinte años, la triunfal entrada del penúltimo emperador bizantino, Juan VIII Paleólogos, y el Patriarca José de Constantinopla, en Florencia en 1439, con motivo de la celebración del Concilio que había de tratar de la reunión de las Iglesias católica y ortodoxa, tomaría Gozzoli la idea de su representación. Sin duda, ese es uno de los grandes aciertos de la obra: convertir un asunto piadoso en la representación de una crónica cortesana destinada a manifestar el lujo y poder de la familia Médicis. Una manera de representarlo que, por las profusas descripciones y el detallismo de las pinturas, está mucho más cerca de las narraciones de los Evangelios apócrifos, que de los austeros pasajes del Evangelio de San Mateo (Otero Rejón, "Los adoradores adorados. Los Tres Santos Reyes de Tizimín"). 
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Benozzo_Gozzoli_Cappella_dei_magi_lorenzo_il_magnifico.

. El rey aparece como un joven soberano, para muchos historiadores Gozzoli está representando a Lorenzo, el hijo de Cósimo de Medici, el jefe de la familia en ese momento; aunque los rasgos no se corresponden con retrato posteriores de Lorenzo, hay que tener en cuanta que la fecha en la que se pinta es aun un niño con las facciones sin definir, por lo que Gozzoli hace un posible retrato de como será en un futuro (bastante idealizado por cierto)La intención es señalar el nacimiento de una nueva dinastía, que evidentemente tiene el objetivo de hacerse con el control definitivo de la ciudad de Florencia. Detrás de la figura a caballo del rey el cortejo se amplia, presidido por Cósimo y Piero de Medici, con un amplio séquito de acompañantes, entre los que destacan Segismondo Malatesta y Galeazzo Sforza., y donde se incluyen también filósofos del momento como el humanista Marcilio Ficino, y el autorretrato del propio Benozzo Gozzoli, con la leyenda en su tocado. Se prolonga hacia un paisaje montañoso, en el que se divisan a lo lejos las murallas de algún castillo, y se suceden escenas de caza.

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Gozzoli, Benozzo
Nacionalidad: Italia
Florencia 1420 - Pistoia 1497
Pintor
Estilo:
Escuela:

Obras: 1

• Alfabético
• Cronológico
• Galería

Benozzo di Lesse, que era su nombre de pila, se inicia en el arte de la orfebrería primero y luego se decanta por la pintura. Estando en Florencia trabajó con Ghiberti, más tarde en la Ciudad Eterna entró en contacto con Fra Angelico. De su producción destaca El Cortejo de los Reyes Magos que ejecuta para la capilla del palacio de los Médicis en Florencia. En los frescos que cubren los muros de este espacio recurre a escenas que evidencian la influencia de los pintores florentinos. Para la ejecución de esta obra se inspiró en una pintura sobre tabla de Gentile da Fabriano que abordaba el mismo asunto. En esta obra, los Reyes Magos, representados con ricos ropajes, cabalgan hacia el encuentro con el niño. Pero lo más significativo es la comitiva que acompaña a los magos de Oriente, formada por los personajes más representativos de la sociedad, en su mayoría miembros de la familia Médicis. En el análisis de esta composición es importante resaltar como el autor llega a transformar una escena de índole religiosa en un tema social. En lo que se refiere al paisaje cabe añadir que todavía denota reminiscencias medievales. A partir de 1463 comienza a trabajar en las Escenas de la Vida de San Agustín en San Gimignano que concluye en 1467. Un año después, inicia las Escenas Bíblicas del Camposanto de Pisa, donde trabaja hasta 1484. De su producción sobre tabla son dignas de mención Virgen entre ángeles y Santos que conserva la National Gallery de Londres y Virgen con Niño de San Gimignano. De su maestro Fra Angelico adopta el gusto por el detalle y los colores brillantes, aunque no reproduce sus fondos místicos. La maestría con que describe sus representaciones permitió que se convirtiera en uno de los artistas más admirados de la época.        

    

LAS TENTACIONES DE SAN ANTONIO by EL BOSCO

Las tentaciones de San Antonio, de El Bosco, un triptico de la escuela flamenca, que se conserva en Lisboa, 

El Bosco, Uno de los mayores exponentes de la pintura flamenca de los siglos XV y XVI, sorprende por lo atrevido y avanzado de sus ideas, la representacion de personajes oniricos y animales antropomorfos, catalogables para algunos de los estudiosos,como "surrealistas"aun  a pesar de pertenecer todavia al medioevo pero sobre todo la creacion de atmosferas inquietantes,donde lo pecaminoso, lo oscuro, y lo demoniaco, no se ofrecen con fines meramente doctrinarios, sino que en algunos casos como una autentica revelacion-sincera hasta el punto de obcena- de quienes somos los humanos en esencia y sin mascaras de los monstruos que en definitiva habitan en todos nosotros.  Se trata nada mas ni nada menos de que nos contemplemos en ese espejo ,tal y como somos y de que cada cual saque sus propias conclusiones. 

En la simbologia de la pintura del Bosco, aparecen el mundo conciente y el inconciente, entremezclados con influencias de los sermones tremendistas y amenazantes de algunos misticos de la epoca, asi como de las descripciones de rituales magicos, alusiones eroticas, a los proverbios y tradiciones populares, pero sobre todo de la alquimia, lo que hizo que su obra fuese tachada por algunos como herejia. En realidad lo unico que pretendia el Bosco, en un clima prerreformista, era poner en evidencia ciertos vicios y comportamientos sociales como la relajacion de costumbres, que se estaba produciendo en algunas ordenes religiosas.  El tono satirico y humoristico que impregna sus obras, no se desmarca de un plano profundamente moral e intelectual, que el artista se ocupo de documentar ampliamente con la simbologia del esoterismo, la alquimia y la ciencia cabalistica.

En el fondo El Bosco desea compatir esa presencia del "mal", del desorden,de lo oscuro en el mundo.
                                                                                                               by BLANCA MUñOZ

 Panel central del tríptico, Tentaciones de San Antonio
 Autor:El Bosco
 Fecha:1505-06
 Museo:Museo Nacional de Arte Antiga
 Características:131,5 x 119 cm.
 Material:Oleo sobre tabla
 Estilo:Pintura Flamenca

Los tres paneles del tríptico, el San Antonio y la reina de los diablos, Vuelo y caída de San Antonio así como esta escena central con las tentaciones, son de lo mejor de la producción de El Bosco. Cerrado, el tríptico nos muestra dos escenas de la pasión de Cristo en grisalla, tal y como hizo en otras obras como por ejemplo el tríptico del Juicio Final. En la tabla central, que es la que ahora vemos, se concentran todo tipo de tentaciones. El rostro sereno del santo está en el centro geométrico del cuadro, hacia el que convergen los diferentes grupos de monstruos y personajes grotescos. Los monstruos ocupan los cuatro elementos: vuelan por el aire, escapan del fuego del incendio en el horizonte, caminan o se arrastran por la tierra y bullen en el agua oscura del río inferior. Los personajes que salen de una cereza incitan a la lujuria. Los que preparan la mesa junto al santo invitan a la gula. La confusión general promueve la herejía y la pérdida de la fe, ante lo que el santo tan sólo puede reaccionar con la plegaria. En la torre en ruinas podemos vislumbrar un altar con el crucifijo que indica la única vía segura de salvación.    

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 Lateral del tríptico de las Tentaciones de San Antonio, San Antonio y la reina de los diablos
 Autor:El Bosco
 Fecha:1505-06
 Museo:Museo Nacional de Arte Antiga
 Características:131,5 x 53 cm.
 Material:Oleo sobre tabla
 Estilo:Pintura Flamenca

Este cuadro es una de las alas laterales del tríptico de las Tentaciones de San Antonio. El otro lado lo constituye el Vuelo y caída de San Antonio, en cuyo reverso figura una escena de la pasión de Cristo, al igual que en este cuadro que ahora contemplamos. A San Antonio le acosan diversas visiones que le llaman a los placeres mundanos: en el centro, una princesa endemoniada le ofrece su cuerpo desnudo. Abajo, una mesa llena de manjares y sostenida por seres desnudos le recuerda el hambre provocada por el ayuno del retiro. Al igual que en el Vuelo..., el paisaje que sirve de marco a la escena es sereno y despejado, todo lo contrario al panel central, con todo tipo de Tentaciones.      

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 Lateral del tríptico de las Tentaciones de San Antonio, Vuelo y caída de San Antonio
 Autor:El Bosco
 Fecha:1505-06
 Museo:Museo Nacional de Arte Antiga
 Características:131,5 x 53 cm.
 Material:Oleo sobre tabla
 Estilo:Pintura Flamenca

San Antonio fue uno de los santos que más apareció en la obra de El Bosco por las posibilidades que ofrece como modelo de conducta del buen cristiano frente a las tentaciones del mundo. San Antonio se retiró a meditar al bosque y sufrió todo tipo de tentaciones, ataque y acoso de los demonios. Ese cuadro es el panel lateral del tríptico que El Bosco dedicó a las Tentaciones de San Antonio, completado con San Antonio y la reina de los diablos, y el propio panel central que da nombre al tríptico. Esta escena muestra una de las torturas a las que el santo fue sometido: los diablos sostuvieron su cuerpo y lo elevaron por los aires para luego dejarlo caer. En el cuadro vemos los dos momentos, cuando el santo está volando sobre los cuerpos monstruosos de los diablos y cuando sus compañeros frailes le recogen medio muerto. Un par de detalles curiosos: el extraño pájaro con patines que está en el estanque sostiene en su pico la firma del pintor. Este pudiera haberse retratado en el campesino que ayuda a los monjes a sostener a San Antonio
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Tríptico cerrado

Tríptico de las Tentaciones de san Antonio (cerrado):
El Prendimiento y Cristo con la Cruz a cuestas

Cuando el tríptico está cerrado, se ven dos escenas en grisalla: a la izquierda, el Prendimiento; a la derecha, Cristo subiendo al Calvario con la Cruz a cuestas.
El primer plano del Prendimiento está ocupado por san Pedro, cortando la oreja a Malco. El Prendimiento propiamente dicho está detrás, ocupando la mitad superior. Jesucristo está caído en el suelo y lo rodean los soldados. En el borde izquierdo se ve una figura vuelta de espaldas: es Judas Iscariote.
Del mismo modo, en la otra escena, la subida de Cristo al Calvario está en segundo término, con la figura de la Verónica arrodillándose ante Jesucristo; el primer plano está ocupado por los dos ladrones: el malo a la izquierda, el bueno a la derecha, confesándose.
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En la hoja  del reverso del Tríptico encontramos la escena de la captura de Cristo en Getsemaní, en primer plano vemos a Pedro cortando la oreja del guardia del templo, a su izquierda Judas huye con las 30 monedas de Plata, y al fondo vemos cómo los guardias del templo arrestan al Señor que aparece caído ante la violencia de la escena. Sobre la montaña aparece de forma simbólica un cáliz, aquel del que Cristo bebería por la salvación del Mundo. 

La hoja muestra a Cristo cargando con la Cruz ayudado por el Cireneo, caído, lo que permite a la Verónica limpiar su rostro con el paño. El cortejo de soldados muestra su impaciencia por continuar el camino. En primer plano aparecen los dos ladrones, Dimas y Gestas, hablando con sendos frailes que parecen darles el Sacramento de la Penitencia, lo cual es claramente anacrónico.

El Bosco. Jerónimo Bosch
Nacionalidad: Holanda
Hertogenbosch 1450 h. - Hertogenbosch 1516
Pintor
Estilo: Pintura Flamenca
Escuela:

Obras: 91

• Alfabético
• Cronológico
• Galería

El Bosco es el apelativo por el que conocemos en España al genial pintor holandés Jeroen van Aeken. Nació en la localidad holandesa de Hertogenbosch, cerca de Amberes, en el ducado de Bravante. Sin embargo, no hay noticias de que saliera de su ciudad natal, ni siquiera a la próspera ciudad comercial de Amberes. Su familia estaba dedicada tradicionalmente al oficio de pintor: su abuelo, su padre, su tío, sus hermanos y su hijo. El taller familiar lo heredó Goosen, su hermano mayor, que de esta forma poseía en exclusiva el derecho a usar el apellido familiar Van Aeken que distinguía las obras de este taller frente a las de otros talleres de pintores. Por ello, Jeroen tuvo que buscar un nombre con el que organizar su propio taller y diferenciarse de su hermano; latinizó su nombre de pila transformándolo en Hieronimus y eligió por apellido el nombre de su ciudad natal S'Hertogenbosch, simplificado Bosch, nombre que en España derivó hacia El Bosco. Este cambio en su nombre tuvo lugar hacia 1480, cuando también se casó con Aleyt van Meervene, joven procedente de una buena familia que proporcionaba una buena dote al matrimonio. Por esas fechas, Hieronimus obtuvo el título de maestro, imprescindible para trabajar de forma independiente. Los encargos debían ser numerosos, ya que queda constancia de que pagaba uno de los tributos más altos de la ciudad y de que vivía en la mejor zona de la ciudad, en la plaza mayor. Su clientela estaba formada por burgueses, clérigos, nobles y la Hermandad de Nuestra Señora, cofradía religiosa dedicada a la Virgen de la que El Bosco era miembro. Uno de sus encargos más importantes lo recibió en 1504: pintó para Felipe el Hermoso un Juicio Final, lo que indica que su fama había llegado a la Corte borgoñona. Su estilo recogía claramente los fantasmas de los años finales de la Edad Media, en los que la salvación tras la muerte era una gran obsesión. Existen pocos datos de su vida, siempre llena de leyendas que intentan explicar el enigmático significado de sus cuadros. Su formación como pintor la pasó en el seno de su familia: fueron sus propios hermanos y su padre quienes le enseñaron el oficio artesanal. De esto se deriva una cierta torpeza compositiva, aunque enseguida estableció su temática favorita: la debilidad humana, tan proclive al engaño y a ceder a las tentaciones. Una de sus fuentes de inspiración favoritas fue la cultura popular. Los refranes, los dichos, las costumbres y leyendas, las supersticiones del pueblo le dieron múltiples temas para tratar en sus cuadros. Da a los objetos de uso cotidiano un sentido diferente y convierte la escena en un momento delirante, lleno de simbolismos. Todos sus cuadros están impregnados de un sentido del humor burlesco, a veces cruel. El Bosco vivió en un mundo cruel, la organización de los estados nacionales brillaba por su ausencia y en los terrenos rurales se imponía la ley del más fuerte. La ignorancia y el analfabetismo alcanzaban a un 90% de la población, que veía su esperanza de vida en poco más de los cuarenta años. Las enfermedades endémicas y las epidemias, frecuentemente de peste, diezmaban a la población, cuando no se trataba de guerras mantenidas durante años. En tal estado de cosas, en toda Europa se produjeron abundantes movimientos heréticos, sectas que trataban de romper con la Iglesia, que ostentaba un poder y un lujo excesivos. Los movimientos heréticos trataban de retornar a las raíces del primer cristianismo, con comunidades en las que se compartieran los bienes. Casi todas las sectas fueron perseguidas, con casos como el de Savonarola en Italia. Sin embargo, en Alemania, muy cerca de Países Bajos, Lutero conseguiría triunfar pocos años después de la muerte del Bosco. Es decir, nuestro artista vivió en una época de crisis espiritual muy profunda, que condujo poco después a la ruptura del mundo cristiano. El Bosco prácticamente pintó sólo obras religiosas. Su piedad era extrema, rigurosa, y presentaba un mundo enfangado, que se revolcaba en el pecado, casi sin esperanza de salvación. El Bosco ve a sus congéneres pudriéndose en el Infierno por todo tipo de vicios. Se tiende a mirar sus obras como productos magníficos de la imaginación y no hay tentación más fácil que identificarlo con el surrealismo. Se comete el error de pensar que El Bosco pintó para nosotros, que se adelantó a nuestra visión de época y que en ello radica su valor como visionario. Pero lo hizo hace más de 400 años y nosotros hoy día somos incapaces de comprender todos los símbolos y lecturas con que impregnó sus cuadros. Tan sólo aquellas imágenes que resultan familiares son rápidamente extraídas de su contexto y examinadas a la luz de la psicología del siglo XX. En la época del Bosco no existía la psicología. El mundo religioso estaba tan presente o más como los fenómenos cotidianos. En un mundo donde no se sabía leer ni existían imágenes apenas, los cuadros del Bosco presentaban una realidad tan cotidiana como los trabajos del campo. La presencia continua del pecado y la amenaza del infierno eran ley de vida, contra la que se revelaban la "devotio moderna" o los seguidores de Lutero: interpretación personal de la Biblia, diálogo íntimo con Dios, salvación a través de la fe y no de los actos externos. Algunos centros urbanos de importancia tratan de cambiar el mundo, de racionalizar la vida del ser humano y de desterrar el miedo y la superstición. La ciencia sepulta mitos y la filosofía se trata de conjugar con la religión. Es el mundo de Durero y de Leonardo, de Erasmo, de Maximiliano I y de Carlos V. Sin embargo, El Bosco jamás entró en contacto con la cultura urbana ni con las renovaciones que se estaban produciendo en los Países Bajos, Italia y España. El Bosco representa el arte de provincias, casi sin influencia de los movimientos contemporáneos. Muere en 1516, tres años antes que Leonardo da Vinci, su más estricto contemporáneo. Comparemos sus obras y tratemos de comprender cuál era el mundo real en el que vivía la mayor parte de la sociedad europea del siglo XVI y cuál el mundo reducido de las cortes llenas de intelectuales donde se pretendía cambiar el concepto del mundo basado en Dios por el de un mundo basado en el hombre.

            

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Director de la colección: Luis Sanguino Arias 

ISSAC LEVITAN

ISSAC LEVITAN


Autorrretrato de Isaac Levitan. 1880

Levitan - Isaak Ilich Levitan (Kibartai, 1860 - Moscú, 1900) fue un pintor ruso. Es el fundador del paisaje psicológico que trasmite toda una variedad de asociaciones poéticas en cuadros como "Marzo", "Lago.Rus" o "Otoño Dorado". El artista se destacó por su apertura a los diferentes estados de la naturaleza y los fines matices de su pintura. Dejó más de mil pinturas, entre ellas watercolors, pasteles, gráficos e ilustraciones.

Influido por el pintor Corot y por la estética de la Escuela de Barbizon, expresó en sus paisajes la belleza de la región del Volga. Su color y su estilo inspirarán posteriormente a pintores como Dalí o Antoni Tàpies. 

Su padre Elyashiv Levitán fue un humilde profesor de idiomas y traductor que sin embargo se mudó en 1870 a Moscú para permitirle a su hijo que estudiara en la Academia. Egresó a los 19 años y pintó su primer cuadro: Paisaje en Otoño (1880) que fue comprado por el coleccionista Pavel Michailovich Tretiakov, con quien luego Isaak entablara una amistad. Tretiakov le otorgó una beca para estudiar en París, y fue la única vez que Levitán salió de Rusia. En su viaje conoció las obras del magnífico paisajista realista Jean-Baptiste Camille Corot, antecesor del impresionismo y maestro de otro artista de familia israelita: Camille Jacob Pissarro, famoso impresionista francés. Volvió a Rusia y desarrolló su carrera como pintor. A los 37 años el artista es nombrado miembro de la Academia de Artes Rusa y director del departamento de pintura de paisajes. Con el escritor y dramaturgo Antón Chéjov, fueron amigos y mutuos admiradores. Muere a los 40 años por una enfermedad pulmonar. El llamado "pintor-poeta" dejó un legado de miles de telas.

Estilo

Cuando joven, Levitán recibió una notable influencia de Corot, que supo trasladar con profundo sentimiento telúrico al paisaje y la idiosincracia rusos. Al regreso a su país comenzó a trabajar febrilmente y muchos se atrevieron a asegurar que nadie pudo sentir el alma del paisaje de Rusia como lo izo Levitán, quien sólo cultivó ese género pictórico. Actualmente se lo considera en la cima de la pintura de paisaje rusa del siglo XIX, porque además, en su pintura al aire libre captó con pincelada ligera, y admirable realismo las sutiles gradaciones de la espesa luz solar y las finas capas de color de las sombras.

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Isaac Levitan nació el 18 de Agosto de 1860, en Kaunas, Lituania. Su padre Elyashiv Levitan era el hijo de un rabino, completó su Yeshiva (estudio de la Torah) y era autodidacta. Enseñó alemán y francés en Kaunas y después trabajó como traductor en la construcción de un puente de vía férrea para una empresa constructora francesa. A comienzos de 1870 la familia de Levitan se trasladó a Moscú. En septiembre de 1873 Isaac Levitan entró en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, donde su hermano mayor Avel había estudiado durante dos años. Después de un año en la clase de copiando Isaac se cambió a una clase naturalista, y pronto después de esto a una clase de paisaje.
En 1877 los trabajos de Isaac Levitan se exhibieron por primera vez públicamente y ganaron reconocimiento favorable de la prensa. Después del intento de Alejandro Soloviev para asesinar a Alejandro II, las deportaciones en masa de judíos de las grandes ciudades del Imperio ruso obligaron a la familia a mudarse al suburbio de Saltykovka en mayo de1879, pero en los medios oficiales respondieron a la presión de los devotos del arte y permitieron a Levitan volver. En 1880 su pintura “Día de otoño. Sokolniki” fue comprada por el famoso filántropo y coleccionista de arte Pavel Mikhailovich Tretyakov.

En la primavera de 1884 Levitan participó en la exhibición de arte móvil del grupo conocido como Peredvizhniki y en 1891 se hizo miembro de la sociedad Peredvizhniki. Durante sus estudios en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú Levitan se hizo amigo de Konstantin Korovin, Mikhail Nesterov, el arquitecto Fyodor Shekhtel, y el pintor Nikolai Chejov cuyo famoso hermano, el escritor Anton Chejov se convirtió en el amigo más íntimo del artista. Levitan visitaba a menudo a Chejov, hasta que termino mudándose a su casa en Crimea.

A principios de los 1880 Levitan colaboró con los hermanos Chejov en la revista ilustrada "Moscú" e ilustró una edición de "Kremlin" de M. Fabritsius. Junto con Korovin en 1885-1886 pintó escenarios para las actuaciones de la ópera privada rusa de S. I. Mamontov. En esa misma época participó en la recolección de dibujos y acuarelas en la casa Polenov.

 Durante el trabajo en Ostankino, Levitan campo modesto. Característica de su trabajo es una quietud y ensueño casi melancólico en medio de los paisajes pastorales principalmente desprovistos de presencia humana. Bellos ejemplos de estas características son “El Camino de Vladimirka” (1892), “Campanas de la Tarde” (1892), y “Descanso Eterno” (1894), todos en la Galería de Tretyakov. Aunque su trabajo tardío desplegó familiaridad con el Impresionismo, su paleta fue generalmente opaca, y sus tendencias eran más naturalistas y poéticas que ópticas o científicas.
Levitan no tuvo familia ni hijos. La enorme herencia artística de Isaac Levitan consiste en más de mil pinturas, entre ellas acuarelas, pasteles, gráficos e ilustraciones, aparte de los óleos.