Museo:Österreichische Galerie Wien
Características:153 x 133 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:
El retrato de Adele Bloch-Bauer es el más famoso entre los pintados por Klimt y la obra maestra del llamado "estilo dorado". Su elaboración fue muy larga ya que existen dibujos preparatorios fechados en 1903 pero el lienzo definitivo no se concluyó hasta cuatro años después. En una carta fechada el 22 de agosto de 1903 Adele dice que su esposo ha decidido que Klimt le haga un retrato pero que empezarán después del verano. Una vez concluido, el lienzo fue exhibido en los Talleres de Viena en la primavera de 1907 pero su primera exposición pública fue en la Exposición de Arte de 1908. En el "Wiener Allgemeine Zeitung" fue calificado de "ídolo en un santuario dorado".Adele Bauer nació en Viena el 9 de agosto de 1881. Su padre era el importante banquero Moriz Bauer, uno de los miembros de la élite económica austriaca como director de uno de los siete bancos más importantes del Imperio Austro-Húngaro, el Wiener Bankverein. El 19 de diciembre de 1899 Adele contraía matrimonio con el magnate de la industria Ferdinad Bloch, dieciséis años mayor por lo que nos encontramos ante un matrimonio de conveniencia "basado en el respeto pero carente de amor". La relación entre ambas familias se estrechará con el matrimonio de Marie-Therese -Thedy- Bauer con el abogado Gustav Bloch. Cuando los descendientes varones desaparecieron, la familia cambió de nombre oficialmente para pasar a llamarse Bloch-BauerEl colapso de la monarquía austriaca en 1918 llevó a la familia Boch-Bauer a las cercanías de Praga. Maria Altmann, la única sobrina viva describe así a Adele: "Enferma, sufriente, siempre con dolor de cabeza, fumando como una chimenea, terriblemente frágil, oscura. Un rostro espiritual, delgada, elegante. Complaciente, arrogante". Tras su regreso a Austria, Adele fue una gran protectora de artistas e intelectuales, convirtiendo su casa en uno de los centros culturales de la Viena Fin-de-Siecle. Se interesó por los idiomas y estudió intensivamente alemán, francés e inglés, sintiéndose atraída por la literatura inglesa. Adele falleció el 24 de enero de 1925. Tras su muerte, su habitación de la casa de Schillerplatz se convirtió en una "habitación conmemorativa" siempre decorada con flores frescas. Ferdinand Bloch emigró a Checoslovaquia con motivo de la ocupación nazi, tras haber sido confiscada su inmensa fortuna y su valiosa colección artística, y después a Suiza, falleciendo en Zurich el 13 de noviembre de 1945.En el retrato pintado por Klimt, la dama aparece sentada, como si estuviera flotando en el mar de oro que forma la estancia. Viste un vestido dorado que apenas permite distinguir su cuerpo del fondo y del sillón, cuyo respaldo se funde entre los mosaicos. En su vestido podemos apreciar ojos egipcios, muy habituales entre los miembros del Modern Style inglés con Mackintosh a la cabeza. Como si de un icono bizantino se tratara, sólo podemos apreciar con claridad el torso, parte de los brazos, las manos y el rostro, absorbiendo el entorno al resto de los elementos, incluyendo a la figura en la decoración, al igual que hizo en el Friso Stoclet.Las influencias de la estampa japonesalas podemos encontrar en la eliminación del espacio y la bidimensionalidad de la figura pero la verdadera fuente de este icono la encontramos en los mosaicos bizantinos de Ravena que Klimt había visitado en dos ocasiones en 1903. Incluso algunos estudiosos vinculan esta obra con las madonnas italianas de época medieval, al presentar un aspecto de madre y objeto de culto.En alguna ocasión se ha planteado una posible relación amorosa entre Adele y Klimt, basándose en la ausencia de sexo en el matrimonio de la dama. El psiquiatra norteamericano Salomon Grimberg en un artículo publicado en 1986 es uno de los más firmes seguidores de esta hipótesis que resulta difícil de probar.
tema d
EL tema de la mujer embarazada será habitual en la producción de Klimt. Ya la había pintado en la Medicina y dedicará un lienzo exclusivo titulado La esperanza I. Cuatro años después retomó el tema en esta tela que contemplamos, apareciendo diferencias entre ambas versiones. La mujer ahora está vuelta hacia la derecha, vestida con un decorativista traje que recuerda al Friso Stoclet, mostrando los senos al descubierto y bajando su cabeza en un gesto de resignación. A sus pies encontramos las figuras alegóricas -entre ellas la enfermedad y la muerte- que ahora son menos amenazantes al igual que la mujer embarazada parece haber perdido su poder de seducción para mostrarse sólo como madre. La "femme fatale" ha dejado paso a la matrona en esta composición en la que el decorativismo gana partido, convirtiendo a la figura en un elemento anecdótico incluido en la decoración, resultando difícil distinguir lo decorativo de los personajes. Las referencias espaciales han desaparecido por completo, creando el efecto de "pegado" por lo que se vincula con el collagecubista.
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| La virgen Autor:Gustav Klimt Fecha:1913 Museo:Národní Galerie de Praga Características:190 x 200 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Hacia 1910 podemos considerar cerrada la etapa dorada de Klimt. Una de las causas de este cambio debemos buscarla en el éxito del expresionismo gracias a Schiele y Kokoschka. Klimt se acercó a este nuevo estilo e incluso buscó nuevas influencias en el neo-impresionismo, especialmente Toulouse-Lautrec. Sin embargo, pronto cambiaría su estilo para interesarse por el movimiento y el color como podemos observar en La virgen, donde encontramos ciertas referencias a obras anteriores como Serpientes acuáticas, al entrelazar diversas figuras en una estructura piramidal.También conocido como Las muchachas, Klimt nos presenta a cinco figuras femeninas en diferentes posturas, algunas de ellas forzadas, sobre un campo de flores. La figura central, la virgen, yace en el centro de la composición, ataviada con un largo y decorativista vestido en tonalidades moradas, adornado con roleos y flores de colores. Aparece dormida lo que se interpreta como la conversión de la joven muchacha en mujer al ser rodeada por sus sentidos que, al despertar, la conducirán al éxtasis amoroso. La dulce y recatada joven dará paso a la "femme fatale" que aparece desnuda tras ella, convirtiéndose en una clara alusión a la sexualidad. Kirk Varnedoe considera que en esta obra no existe simbolismo sino más bien voyeurismo y sensualidad.Para su elaboración, Klimt utiliza colores puros, aplicados en algunas zonas en pequeños trazos que asemejan la estructura de un caleidoscopio.
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| Muerte y vida Autor:Gustav Klimt Fecha:1916 Museo:Colección Particular Características:178 x 198 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
La vida y la muerte será una de las temáticas favoritas de Klimt que se extenderá a los miembros del expresionismocomo Schiele o Munch. Algunos especialistas relacionan el auge de este asunto con la percepción de la vejez por parte del artista, al tiempo que ve más cerca la muerte.En la zona de la derecha encontramos un grupo de personas amontonadas -en relación con las imágenes de las facultades pintadas años atrás- encabezadas por el abrazo protector de la madre al hijo mientras que en la parte baja del grupo contemplamos un nuevo abrazo, ahora el de un hombre a una mujer, eliminando toda referencia erótica para mostrarnos "el amor como refugio y consuelo" (Eva di Stefano). En la zona de la izquierda podemos contemplar a la amenazante figura de la muerte, envuelta en un oscuro sudario decorado con cruces y dirigiendo su expresiva mirada hacia el grupo de la humanidad, grupo que parece no hacer caso a la amenaza que se le viene encima, como si continuaran en su moderna danza, relacionándose así con la tradicional danza macabra de los muertos. Precisamente la tensión se manifiesta en esta ausencia de relación y en la división espacial que permite dejar en el centro de la composición un amplio espacio vacío.Klimtr ha superado su "fase dorada" y entra de lleno en el decorativismo marcado por los mosaicos bizantinos de Ravena, creando un conjunto de variadas formas y colores como si de un caleidoscopio se tratara. Las formas onduladas siguen dominando el conjunto al igual que la ausencia de perspectiva se convierte en un elemento identificativo de la pintura del maestro austriaco. El acertado dibujo que siempre hará gala también se pone de manifiesto en este trabajo, estrechamente vinculado a La virgen por la sensación de remolino que se crea.
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| La cuna, El bebé Autor:Gustav Klimt Fecha:1917-18 Museo:National Gallery (Washington) Características:110 x 110 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Los cuadros que Klimt dejó en su estudio al fallecer el 6 de febrero de 1918 presentan una elevada carga alegórica que ha dificultado a los expertos interpretarlos en un sentido global. Es el caso del lienzo que aquí contemplamos, uno de los más entrañables pero a la vez de los más curiosos del artista, ya que no sabemos a ciencia cierta qué quería captar Klimt en esta composición. Podría tratarse de una referencia más a su obsesión por la muerte, recurriendo a la figura del recién nacido como antagonismo. El estilo decorativista de los últimos años se pone claramente de manifiesto en esta obra, dentro de las fórmulas caleidoscópicas que tanto admiraba en estos momentos. También se aprecia la estructura piramidal de otros trabajos como La novia o Muerte y vida."En lugar de un dibujo claro y preciso, hace su aparición un trazado pictórico más contenido. Una nueva actitud reprime la fuerza de lo ornamental. De esta forma consigue en sus últimos cuadros (...) una nueva síntesis de forma y pensamiento. En principio estos ovillos humanos guardan tan solo una afinidad superficial con las corrientes humanas de la Filosofía y la Medicina; pese al significado alegórico en el más elevado sentido de la palabra, apenas queda un resto de literatura. Son enigmáticas desde otros puntos de vista" (Novotny y Dobai).Las formas serpenteantes dominan el conjunto, en relación con el Art Nouveau, utilizando colores brillantes que vinculan la pintura de Klimt con el fauvismo de Matisse. También encontramos al pintor vienés a un paso de la abstracción al reducir al máximo las referencias figurativas, dotando de importancia al color. El resultado es una obra cargada de delicadeza y ternura.
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Serpientes acuáticas I
Autor:Gustav Klimt Fecha:1904-07 Museo:Österreichische Galerie Wien Características:50 x 20 cm. Material:Materiales varios Estilo:
En la obra de Klimt apenas aparecen hombres y cuando se muestran están amenazados por todas partes, siendo dominados por la mujer, la verdadera protagonista de sus imágenes. Incluso algunas muestran escenas lésbicas como ésta que contemplamos, vinculadas al mundo acuático como las Serpientes acuáticas II o Agua en movimiento. Bien es cierto que este tipo de composiciones lésbicas no son una novedad ya que Courbet y Toulouse-Lautrec las habían captado en sus trabajos. Klimt nos muestra a la mujer como un objeto sexual, incluso cuando representa escenas lésbicas como ésta. "Son las fantasías del hombre, no las de la mujer, las que se excitan con estas exhibiciones" (S. Partsch).El pintor vienés utiliza el tema del abrazo en numerosas ocasiones -El Beso, La satisfacción o el Friso Beethoven- pero sólo en este caso estamos ante dos mujeres, resaltando la sinuosidad de sus figuras y de sus cabellos, elementos habituales entre los artistas del modernismo. El decorativismo se adueña de la escena -ojos, algas, círculos, dorados, etc.-, tendencia hacia la que evolucionará el estilo de Klimt en sus años finales, convirtiendo algunas composiciones en estampas caleidoscópicas como La virgen o El bebé.
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| Adele Bloch-Bauer II Autor:Gustav Klimt Fecha:1912 Museo:Österreichische Galerie Wien Características:190 x 120 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Adele Bloch-Bauer sintió tanta admiración por el arte de Klimt que no dudó en posar una segunda vez para el pintor, cinco años después del primer retrato. En esta ocasión la pinta de pie -Adele no se sintió muy satisfecha en el anterior retrato al aparecer sentada- recortada su esbelta silueta sobre un fondo inspirado en la pintura oriental decorado con flores y figuras chinas, continuando con las notas decorativistas en sintonía con los trabajos de esta época -véase La virgen-. La modelo mira al frente y viste un ceñido traje adornado con una larga estola de piel que se ajusta a su cuerpo para llegar hasta el suelo, semejante a los arabescos al dominar la línea ondulada. La principal novedad la encontramos en el color y la libertad en su aplicación que manifiesta el artista, apreciándose influencias de los fauvistas y del jovenMatisse. Incluso podemos hablar de cierta referencia cubista al buscar la geometría en algunos elementos de la pared, como si cada uno de ellos -incluida la propia figura de Adele- tuviera autonomía propia y estuviéramos ante un puzzle.En el rostro de la dama podemos apreciar de manera perfecta la descripción que de ella hizo su sobrina Maria Altmann: "Enferma, sufriente, siempre con dolor de cabeza, fumando como una chimenea, terriblemente frágil, oscura. Un rostro espiritual, delgada, elegante. Complaciente, arrogante".
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Fritza Riedler
Autor:Gustav Klimt Fecha:1906 Museo:Österreichische Galerie Wien Características:153 x 133 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: |
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| Retrato de una dama Autor:Gustav Klimt Fecha:1916-17 Museo:Colección Particular Características:60 x 55 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Desconocemos el nombre de la mujer que posó para este elegante retrato que quedó inconcluso en el taller de Klimt cuando éste sufrió el ataque de apoplejía que le llevaría a la muerte. La dama se sitúa en la misma postura que el Retrato de dama en blanco, mostrando así la afición del pintor por las composiciones piramidales habituales en sus últimos años. La dulce mirada se dirige al espectador mientras el cuerpo queda en perfil, creando una postura dinámica que enlaza con la admiración por la línea serpenteante del Art-Nouveau. El vestido de la modelo está animado por toques de diversos colores, en sintonía con el decorativismo que caracteriza la mayoría de los cuadros de la última etapa del pintor, identificada como el estilo caleidoscópico, tal y como puede verse en La virgen o Muerte y vida. La elegancia y el estilo que caracterizan los retratos de Klimt están presentes en este delicado trabajo que recuerda al fauvismo, especialmente aMatisse, por los vibrantes colores empleados.
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| El sombrero de plumas negro Autor:Gustav Klimt Fecha:1910 h. Museo:Colección Particular Características:79 x 63 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Este lienzo fue exhibido por primera vez en Venecia, junto a la Judith II, en una sala especial dedicada a Klimt. Mientras la Judith fue adquirida por el Estado italiano, este retrato regresó a Viena para quedar bajo la custodia de H.O. Miethke, el agente exclusivo del pintor. Tres años después fue vendido a Rudolf Khaler en 5.000 coronas de las que Klimt recibió 4.000.La mujer está sentada en una posición de espera; se trata de el ideal femenino de Klimt: complexión delgada, rostro atractivo, ojos oscuros, prominentes cejas, marcados, labios rojos. Viste una ajustada chaqueta blanca y cubre el cuello con una larga estola, destacando el gran sombrero negro que adorna su cabeza. El brazo derecho sujeta la cabeza y sobresale del plano principal, otorgando algo de perspectiva a una obra caracterizada por la planitud. La expresión del rostro y la actitud de la mujer están directamente relacionadas con la Mujer con sombrero y boa.Estilísticamente, nos encontramos ante una obra marcada por la influencia de Toulouse-Lautrec, manifestando el maestro austriaco deseos de captar en sus obras la otra cara de la gran ciudad, abandonando la etapa dorada para evitar caer en la estilización. Sin embargo, pronto cambiará su estilo para interesarse por el color y el movimiento, entrando en la llamada época caleidoscópica.
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| Mäda Primavesi Autor:Gustav Klimt Fecha:1912 h. Museo:Metropolitan Museum Características:150 x 110,5 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Mäda Gertrude Primavesi nació en Olmütz el 22 de diciembre de 1903. Realizó estudios de enfermería y en 1945 emigró a Canadá, donde fundó un hogar de niños convalecientes en Montreal, convirtiéndose en su directora. Sin embargo, ella siempre mantuvo contacto con Viena. Cuando abandonó Austria llevó consigo el retrato que Klimt había pintado de sumadre hasta que lo vendió en 1987. Mäda falleció el 25 de mayo de 2000, privándonos no sólo del último modelo superviviente del pintor sino de una de las últimas fuentes para conocer la personalidad del artista.La familia del banquero Otto Primavesi sintió una especial admiración por la pintura de Klimt. El artista visitaba con frecuencia la residencia de los Primavesi en Olmutz (Moravia). Con ciertas dificultades, el maestro acabó este retrato de Mäda justo a tiempo para la Navidad de 1913, siendo exhibido públicamente por primera vez al año siguiente, en Roma. Tras la ruina de la familia, el lienzo fue posiblemente vendido en los últimos años de la década de 1920.Klimt nos presenta a la niña de nueve años en pie, vistiendo un vaporoso traje blanco que sobrepasa sus rodillas, adornado con una cenefa de flores a la altura del pecho. Medias, zapatos y lazo del mismo color son los complementos que nos muestra el pintor con perfecta maestría, relacionándose con los retratos de Whistler. Tras ella, y a modo de la estampa japonesa, podemos observar dos zonas de color para representar la estancia. La pared se pinta de rosa con flores de colores que parecen presentar relieve mientras que el suelo se cubre con una alfombra con motivos animales y florales, también en sintonía con el arte japonés, como habían hecho Monet y Van Gogh. El decorativismo de otras obras de este momento -La Virgen o La Bailarina- se ve limitado para presentarnos a Mäda a la manera de una adulta, interesándose el pintor por el contraste cromático, en sintonía con los artistas fauvistas. La mirada inteligente y desafiante de la joven se convierte también en uno de los elementos más importantes del retrato.
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| Eugenia Primavesi Autor:Gustav Klimt Fecha:1913-14 Museo:Colección Particular Características:140 x 84 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Eugenie Butschek nació el 13 de junio de 1874 en Langenzersdorf. En su juventud asistió a clases de teatro en el Conservatorio de Viena, siendo su primer trabajo en Olmütz (Moravia) donde cambió su nombre por el de Mäda. En esta ciudad se encontró con el banquero Otto Primavesi, relación que acabó en matrimonio el 19 de noviembre de 1895. De este enlace nacerían cuatro hijos: Otto, Lola, Madä -también retratada por Klimt- y Melitta. Los Primavesi serán una de las familias que financien el proyecto de los Talleres de Viena, convirtiéndose Otto en uno de sus directores en 1915. La pareja se separó en 1925, falleciendo Otto al año siguiente. Eugenia morirá el 13 de junio de 1963.Los Primavesi se encuentran entre los mejores clientes y coleccionistas de obras de Klimt. Además, Mäda, como miembro de la próspera burguesía vienesa, acudía con frecuencia a la tienda de modas de las hermanas Flöge, donde estrecharía su contacto con el pintor.Mäda aparece en este retrato en una postura incierta, no sabemos si sentada o erguida, rodeando su cabeza un elemento que recuerda al retrato de Fritza Riedler, donde se muestra la influencia de Velázquez. La dama viste un colorista traje que sólo permite ver sus manos y un ligero escote -se trata del famoso traje reforma que se puso de moda en Viena en la década de 1910- donde podemos observar la admiración hacia el decorativismo mostrada por Klimt. Líneas y colores se comunican entre ellos en un libre diálogo. Las variadas tonalidades conforman una especie de mosaico en el que destaca la inteligente y atractiva mirada de Mäda. La influencia del arte japonés también está presente -tal y como habían hecho años atrás Manet, Van Gogh o Monet- tanto en la ausencia de perspectiva como en la decoración de la pared. El estilo caleidoscópico de la etapa final se encuentra presente en este trabajo, uno de los más atractivos de la producción del maestro vienés.
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| Hermine Gallia Autor:Gustav Klimt Fecha:1903 Museo:National Gallery de Londres Características:170 x 96 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Este retrato formaba parte de la exposición dedicada por la Secession a Klimt en el otoño de 1903. En el catálogo de la muestra se le menciona como inacabado pero si lo comparamos con el estado actual podemos comprobar que el pintor apenas introdujo cambios desde su exhibición pública, especialmente en el peinado y el escote. Hermine viste un traje blanco con un volantes que solo permite contemplar el amplio escote y las manos. Sobre el traje, viste un "ball entrée" reminiscencia del diseño realizado por Eduard Wimmer-Wisgrill.Hermine Hamburger nació el 14 de junio de 1870 en Freudenthal, Sleszko. El 16 de mayo de 1893 se casó con el emprendedor industrial Moriz Gallia, doce años mayor que ella. Moriz Gallia fue un activo admirador de la Secession y del arte en general, siendo uno de los principales impulsores de la fundación de la Galería Moderna de Viena. La decoración de su casa corrió a cargo de Josef Hoffman, ocupando el retrato pintado por Klimt un lugar destacable en el salón. En el salón de música colgaba el paisaje de Klimt titulado Bosque de hayas II. Otras obras de secesionistas y de los Talleres de Viena aportaban un especial sabor a la decoración de su hogar. Hermine murió el 6 de febrero de 1936, siendo enterrada junto a su esposo en el cementerio de Hietzing. El matrimonio tuvo cuatro hijos: Ernst, Margarete, Käthe y Helene, estas últimas gemelas.La dama y su vestido blanco con reflejos azulados se adueñan de la composición, eliminando el pintor cualquier referencia espacial, a excepción de los dibujos geométricos de una supuesta alfombra a sus pies, una pequeña muestra dele stilo decorativo que caracterizará al maestro austriaco en los próximos años. La pared sobre la que se recorta la figura está tratada bajo la influencia directa del neo-impresionismo, recordando algunas obras de Cèzanne al utilizar un amplio abanico de colores que reflejan en el vestido de Hermine. Precisamente, el blanco del vestido y la actitud nostálgica de la modelo indican cierta vinculación con el estilo de Whistler, autor que atraía en los ambientes vanguardistas europeos. De esta "suma de influencias" resulta un estilo personal, con el que Klimt cosechó un importante éxito entre la burguesía adinerada austriaca.
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| Margaret Stonborough-Wittgenstein Autor:Gustav Klimt Fecha:1905 Museo:Bayerisches Nationalmuseum (Munich) Características:180 x 90,5 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Margarethe Anna Maria Stonborough-Wittgenstein nació el 19 de septiembre de 1882. Era la hija menor del magnate del acero Karl Wittgenstein, de familia protestante y judía pero que, por consejo de su esposa Leopoldine, había educado a sus hijos como católicos. De los ocho hijos que tuvo Karl, tres se suicidaron, lo que se ha atribuido al carácter dominante del padre. Margarethe estuvo especialmente unida a su hermano, el filósofo Ludwing Wittgenstein. Tras su matrimonio -el 5 de enero de 1905- con el hijo de un rico propietario neoyorquino llamado Jerome Stonborough, Margarethe cambió su nombre por Margaret. La pareja se trasladó a Berlín pero se separó en 1923, manteniendo un amistoso contacto. Margaret regresó a Viena donde murió el 27 de septiembre de 1958.Klimt empezó los bocetos preliminares del cuadro en 1904 y permitió a su cliente que contemplara el resultado, negándose a recibir los 5.000 florines que le correspondían hasta no finalizar el trabajo. Como Margaret se casó al año siguiente -algunos especialistas apuntan a que el retrato fue un regalo de bodas del padre- y pronto quedó en estado, Klimt pudo avanzar poco en la ejecución de la obra, alterando el fondo y dejando la figura como estaba. El resultado no fue del agrado de la retratada, razón por la que el lienzo estuvo poco tiempo expuesto en la mansión Wittgenstein, siendo prestado permanentemente a la Galería Austriaca. Tras pasar a la Neue Galerie de Linz, fue adquirida en 1960 por la Neue Pinakothek de Munich.La figura de Margaret se sitúa en el centro de la composición, ocupando casi toda la superficie del lienzo. Viste un elegante y vaporoso traje largo de terciopelo blanco con aguas que sólo permite contemplar los sensuales hombros y las manos de la modelo, anulando el cuerpo e incluso cortando sus pies, recordando las imágenes de Whistler. La dama se vuelve hacia la derecha, enmarcando el pintor la cabeza con una decoración en forma de arco, al igual que en los retratos de Emile Flöge y Fritza Riedler. De esta manera destaca el maestro el gesto de su modelo cuya mirada se distancia del espectador mientras que los labios abiertos permiten ver sus blancos dientes. Su gesto distante, abstraído y frío no parece corresponder con su personalidad, una mujer de carácter que no tenía inconveniente con romper las reglas establecidas, interesándose por las matemáticas, la filosofía, las ciencias, la literatura y el arte. Resultan por lo tanto lógico que no fuera de su agrado el retrato donde se muestra como una elegante y fría dama de la sociedad vienesa de su tiempo.En el fondo de la tela encontramos importantes novedades; el organicismo de la ornamentación del retrato de Emile Flöge deja paso a elementos geométricos en los que se pierde la perspectiva. La zona verde de limita por una banda negra en la que observamos cuadros plateados mientras que la pared grisácea se interrumpe por un zócalo blanco con dos placas de tonalidades cobrizas a los lados. Esta pared ante la que se recorta la figura es un claro ejemplo de la relación de Klimt con los Talleres de Viena en los que predominaban las formas geométricas. Este geometrismo pronto dejará paso a la composición caleidoscópica de los años finales.
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| Ria Munk III Autor:Gustav Klimt Fecha:1917-18 Museo:Neue Gallerie der Stadt Linz Características:180 x 90 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Maria Munck nació en Viena el 6 de noviembre de 1887. El 28 de diciembre de 1911 puso fin a su vida, apareciendo la noticia en el "Wiener Fremdenblatt": "A los 24 años, Marie M., hija del consejero comercial Alexander M., se disparó en el lado izquierdo de su pecho con un revolver de cinco milímetros de calibre, ayer a la tarde en su apartamento de Währing. Avisados los servicios de emergencia, el doctor sólo pudo certificar su muerte".Maria era hija de Aranca -hermana deSerena Lederer- y Alexander Munk, una de las familias más importantes de Viena, apareciendo ambos esposos en el cuadro del Auditorio del viejo Burg Teather.Klimt realizó un retrato post-mortem de la joven, rodeando su cabeza de flores, cuadro que se conserva en una colección particular. La cabeza de Ria flota en un mar de flores al igual que la Ofelia de Shakespeare. Un segundo retrato de Ria no fue del agrado del padre de la joven fallecida por lo que Klimt lo transformó en La Bailarina. En una tarjeta escrita a Emile Flöge el 28 de febrero de 1913 confirma las complicaciones que le está trayendo el retrato. La tercera versión es ésta que contemplamos, que quedo inconclusa por la muerte del pintor el 6 de febrero de 1918. El rostro de Ria y buena parte del fondo son los elementos que han sido finalizados, mientras que el resto de la figura está sencillamente esbozado. El esplendor floral -peonias, crisantemos, tulipanes, cinerarias, etc.- es una clara reminiscencia del arte japonés que tanto interesó al maestro a partir de la década de 1910. El firme trazo, especialmente con líneas curvas y sinuosas, también se pone de manifiesto en este trabajo, al igual que la facilidad de Klimt para realizar retratos en los que exalta la belleza de sus modelos.
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Arbol de la vida
Autor:Gustav Klimt Fecha:1905-09 Museo:Österreischisches Museum für Angewandte Kunst Características:195 x 102 cm. Material:Pintura al temple Estilo:
El industrial belga Adolphe Stoclet vivía en Viena desde 1904 con su esposa, Suzanne Stevens. Encantado con la producción de los Talleres de Viena (Wiener Werksttäten), encargó la decoración de su villa-palacio de Bruselas a Josef Hoffman y Klimt, siendo esta obra la única muestra de arte total de los Talleres que se conserva. La construcción del palacio duró ocho años y costó una considerable fortuna, desconocida porque Stoclet nunca reveló el coste de su capricho.Klimt se encargó del diseño de la decoración del salón comedor, en cuya mesa pueden sentarse hasta 22 personas. Los mosaicos fueron elaborados finalmente por miembros de los Talleres de Viena. El friso consta de nueve tablas en las que encontramos elementos abstractos, estilizados y figurativos. La inspiración de los diseños debemos buscarla en losmosaicos bizantinos de Ravena -conocidos en un viaje a la ciudad italiana- y en el arte oriental budista e hinduista al que los Stoclet eran muy aficionados y grandes coleccionistas.El motivo central del friso es el Arbol de la Vida, el árbol de la sabiduría, un símbolo de la Edad de Oro en el que se reúnen todos los temas que tenían verdadera importancia para el artista, desde la mujer hasta el amor, tratándose una vez más de su obsesión por la vida y la muerte -representada en este caso por el ave negra- , uno de sus temas favoritos. Pero a diferencia de los otros encargos monumentales realizados por el maestro austriaco, el Friso Stoclet destaca no por el contenido sino por la decoración, siendo considerado por el propio Klimt como "la última fase de mi etapa decorativa". En efecto, líneas sinuosas dominan la composición, olvidando en algunos momentos la forma para acercarse a la abstracción. La expectación y La satisfaccióntambién forman parte de este sensacional friso decorativo.
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| El beso Autor:Gustav Klimt Fecha:1907-08 Museo:Österreichische Galerie Wien Características:180 x 180 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
e Klimt es El Beso, exhibida por primera vLa obra más famosa dez en la Exposición de Arte de 1908 junto a Las Tres Edades de la Mujer. En esa muestra se titulaba Los Amantes y fue adquirida al finalizar la exposición por el ministro de Educación, doctor Marchet, para la Galería Austrica, lo que fue interpretado como un "excelente servicio a nuestro arte moderno" por Ludwig Hevesi. La obra recibió una entusiasta crítica desde el primer momento, convirtiéndose en uno de los símbolos de la Secession, a pesar de estar ya roto el grupo.Las figuras de los amantes están representadas ante un fondo dorado que enlaza con los iconos bizantinos y rusos. La pareja se abraza ante un reducido prado repleto de florecillas, siendo difícil interpretar si están arrodillados o de pie. Ese prado finaliza de forma brusca, como si el pintor quisiera situar a los amantes al borde del precipicio. La pareja se enmarca también con una aureola dorada, vistiendo ambas figuras de ese color, adornadas sus vestimentas con rectángulos negros y grises el hombre -interpretados por Schorske como un símbolo fálico- y círculos de colores el de la mujer. El ceñido vestido nos presenta claramente las formas femeninas, dejando ver piernas, hombros y brazos, sujetándose la joven con los dedos de los pies para evitar el precipicio. Su cabeza presenta una escorzada postura, inclinada hacia atrás y vuelta de lado, mirando hacia la perspectiva del espectador a pesar de sus ojos cerrados. El hombre también presenta una escorzada postura, sujetando con sus manos la cabeza de la amada, dejando ver sólo la cabeza coronada de flores. Su ancho cuerpo y su actitud de dominio son dos elementos claves en la composición, interpretada por buena parte de los especialistas como una escena protagonizada por el propio Klimt y su buena amiga Emile Flöge.Quizá el elemento más extraño sea el precipicio, símbolo de peligro al que podía dirigirse la relación, por lo que la mujer se aferra con sus pies a la pradera. El gesto de la mujer también ha sido interpretado como rechazo ante la agresión al que la somete el hombre, intentando evitar el dominio masculino sin un resultado positivo. ¿Podríamos considerar, en este caso, una muestra del "fracaso" de la lucha femenina por la emancipación que ya se estaba dando en aquellos momentos?Sin embargo, a lo largo de la carrera de Klimt se repite esta temática en varias ocasiones: El Amor, la Filosofía, el Friso Beethoven, el Friso Stoclet, interpretándose como el símbolo de la reconciliación de los sexos, sin personalizar en la figura del artista y Emile.Estilísticamente, nos encontramos en la obra que corona la llamada "fase dorada", etapa dominada por el decorativismo en la que las líneas sinuosas se adueñan del conjunto. La perspectiva tradicional tiende a desaparecer ante el empleo de la bidimensionalidad. Como si de un caleidoscopio se tratara, Klimt emplea sucesivas piezas de colores que recuerdan a los mosaicos de Ravenapor los que el maestro sentía especial admiración. El resultado es una obra con la que el maestro alcanza el cenit de su arte.
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Sendero de jardín con gallinas
Autor:Gustav Klimt Fecha:1916 Museo:Perdido Características:110 x 110 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Los paisajes pintados por Klimt no muestran figuras en la mayoría de los casos y cuando aparecen son gallinas, como ocurre en Después de la lluvia y este Sendero de jardín que contemplamos. Las plantas de los laterales adquieren un efecto en cascada muy habitual en las obras figurativas -La Bailarina, Muerte y vida- para acentuar la sensación decorativista. Pero al mismo tiempo, el pintor transmite perspectiva al disponer en el centro de la composición el sendero que se dirige hacia el fondo, colocando las gallinas en profundidad. Cada uno de los elementos que componen el conjunto -creando una sensación de horro vacui al ocupar toda la superficie del lienzo- parece adquirir independencia, enmarcándose con una línea oscura al igual que hacía Gauguin, como si de un puzzle se tratara. Las tonalidades brillantes de los retratos de estos años -Baronesa Elisabeth Bachofen-Echt o Friederike Maria Beer- se hacen más oscuras, quizá por el estallido de la guerra y la muerte de la madre del pintor en 1915.
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| La bailarina Autor:Gustav Klimt Fecha:1916-18 Museo:Colección Particular Características:180 x 90 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
En esta composición Klimt hace una readaptación del retrato de Ria Munck, convirtiéndose en una de sus imágenes más atractivas y llenas de encanto de sus años finales. La figura de la joven aparece en el centro de la composición, con una colorista bata que permite contemplar su pecho al descubierto, cargando así de sensualidad y erotismo al retrato. A su lado observamos una mesa baja adornada con un jarrón de flores, flores que se multiplican por el espacio como observamos tras la bailarina, que incluso lleva una vara en su mano. El fondo de la estancia es un papel pintado típico del arte japonés, mostrando así la influencia de la estampa japonesa en estos trabajos. Esta influencia de lo oriental ya se empezó a manifestar durante el impresionismo, en artistas como Manet, Monet o Van Gogh, reforzándose con Gauguiny su afición hacia lo exótico. La ausencia de perspectiva y la bidimensionalidad que se manifiesta en la escena son elementos tomados del arte japonés, dando la sensación de que los elementos están pegados a la superficie de la tela. Incluso la alfombra que vemos junto a la mesa parece levantarse del suelo y asemejarse a un collage típicamente cubista. De esta manera, Klimt demuestra claramente que su arte no se estanca y que evoluciona con el tiempo, eso sí, siempre mostrando grandes dosis de decorativismo, ahora gracias al color.En esta última etapa, llamada por algunos especialistas caleidoscópica, el lienzo se inunda de diversas tonalidades, generalmente colores puros, que recuerdan a losmosaicos bizantinos de Ravena, admirados por el artista. El color deja en un segundo plano a la línea sinuosa que define todos y cada uno de los contornos, eliminando casi de su repertorio la línea recta. La Virgen o el retrato de Eugenia Primavesi son algunas de las obras realizadas en este estilo final.
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| La Lluvia Dorada, Dánae Autor:Gustav Klimt Fecha:1907 Museo:Galería Welz Características: Material:Oleo sobre lienzo Estilo:
Una de las obras más famosas de Klimt está inspirada en la mitología griega, temática no muy habitual en la producción del maestro vienés -Leda es otro de los escasos ejemplos-. Danae era hija de Acrisio, rey de Argos. El oráculo había pronosticado que el hijo de Danae mataría a Acrisio, por lo que éste encerró a su hija en una torre de bronce, al cuidado de una anciana y alejada del mundo. Sin embargo, Acrisio no pudo evitar que su hija fuera seducida por Zeus, quien convertido en lluvia de oro, engendró en Danae el hijo no deseado por Acrisio. El recién nacido sería llamado Perseo y cuando el rey conoció la noticia, encerró a su hija y su nieto en un cofre y los arrojó al mar, siendo recogidos en la isla de Séfiros por Dictis, hermano del tirano Polidectes. A pesar de evitar la muerte a manos de su nieto, Perseo acabó con la vida de Acrisio, aunque fuera de manera accidental.Klimt elude las referencias clásicas del Renacimiento y el Barroco -Tiziano o Rubens- al presentarnos a la joven Danae de manera aislada, sin ninguna referencia espacial, rodeada de elegantes y decorativas telas que enmarcan su curvilínea silueta. La postura de Danae acentúa el erotismo y la sexualidad del momento de la seducción, recibiendo en su sexo la lluvia de oro que permitirá el engendramiento de Perseo. Las formas redondeadas -características del modernismo- y el color dorado aumentan la erotización del asunto, convirtiendo el maestro el desnudo en un elemento decorativo, según algunos especialistas. Como bien dice J.M. Palmier: "La sensualidad y lo erótico están presentes por doquier; pero aquellas mujeres semidesnudas, aquellos cuerpos dormidos, habían sido aceptados por la burguesía y la aristocracia vienesa". En efecto, sus cuerpos desnudos nunca provocarán gran polémica, si exceptuamos las obras de la Universidad y el Friso Beethoven. El sueño se ha apoderado de la joven y se presenta totalmente aislada del espectador. Para algunos críticos se puede interpretar como que Klimt ya no se siente amenazado por la mujer.Estilísticamente, destacaría la delicadeza de líneas gracias a su acertado dibujo, el empleo de tonalidades brillantes y el contraste de la piel dorada de Danae frente a las telas oscuras que la rodean. La línea sinuosa domina la composición, o toda referencia espacial y eliminando la sensación de perspectiva tradicional. El resultado es una obra cargada de belleza que se ha convertido en símbolo de una época.desapareciend
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   Klimt, GustavNacionalidad: Austria Baumgarten 14-7-1862 - Viena 6-2-1918 Pintor Estilo: Secession de Viena Escuela: Simbolismo
Obras: 132
En uno de los escasos textos autógrafos que conservamos, Klint escribió: "estoy convencido de que no soy una persona especialmente interesante. No hay nada especial en mí. Soy pintor, alguien que pinta todos los días de la mañana a la noche. Figuras, paisajes; de vez en cuando, retratos. Las palabras, habladas o escritas, no me salen con facilidad, especialmente cuando tengo que decir algo sobre mí mismo o sobre mi trabajo. (...) Si alguien quiere descubrir algo en mí (...) puede contemplar atentamente mis pinturas y tratar de descubrir a través de ellas lo que soy y lo que quiero". Sin embargo, el hombre poco interesante será uno de los creadores más originales de las primeras décadas del siglo XX.Gustav Klimt nació en Baumgarten, en las cercanías de Viena -hoy es el distrito XIV de la capital- el 14 de julio de 1862. Su padre se llamaba Ernst y era grabador, aunque en su juventud hubiera soñado ser cantante de ópera. Su madre era una mujer de carácter llamada Anna Finster. Formaban una familia humilde que mudaba con frecuencia su domicilio al no poder pagar el alquiler. El matrimonio tuvo siete hijos: Clara, Gustav, Ernst, Hermine, Georg, Anna y Johanna.A los seis años el pequeño Gustav acudió a la escuela pública, obteniendo su certificado de estudios a los catorce. Ya en esta época mostró buenas dotes para el dibujo por lo que los profesores aconsejaron a sus padres que hiciera el examen de ingreso en la Escuela de Artes y Oficios. Gustav realizó como prueba el dibujo de una cabeza femenina, aprobando el examen y consiguiendo una plaza en la Escuela. Un joven llamado Franz Matsch también ingresó ese mismo año. Ernst Klimt ingresó un año más tarde. Los tres formarán la Compañía de Artistas poco tiempo después. Los hermanos Klimt estudiaban gracias a una beca y pronto empezaron a recibir pequeños encargos, por lo que la situación económica familiar empezó a aliviarse. Su primer trabajo fueron los dibujos de las vidrieras de la Iglesia Votiva de Viena. Tras tres años dibujando moldes de escayola y estatuas clásicas -la verdadera fuente del arte en aquellos momentos- habían superado la formación en la Escuela, por lo que pensaron presentarse a las oposiciones estatales para profesores de dibujo en las escuelas secundarias. Sin embargo, el arqueólogo e historiador del arte Rudolf Eitelberger von Edelberg, tras contemplar sus trabajos, les animó a que continuaran su carrera como pintores, acudiendo a las clases del profesorFerdinand Laufberger, consiguiendo una beca de 30 florines al mes. A la muerte de Laufberger en 1881 será Julius Victor Berger quien se encargue de su aprendizaje, permaneciendo en la Escuela de Artes y Oficios hasta 1883.En 1881 los tres jóvenes artistas crearon un estudio, tras haber recibido importantes encargos como la decoración del patio del Kunshistorisches Museum de Viena o de los techos del Palacio Sturnany en Viena y del balneario Carlsbad en Checoslovaquia. La Compañía de Artistas empezaba a cosechar importantes éxitos debido a que podían trabajar más deprisa que un pintor en solitario, asegurándose la unidad de estilo, a pesar de que el trabajo estaba muy estructurado y cada uno hacía su cometido. La mayor parte del año 1883 la Compañía estará decorando el teatro municipal de Reichemberg. El resultado fue tan satisfactorio que el propio rey de Rumania les encargó la decoración de la escalera del castillo de Peles con una galería de antepasados. Gustav copió el retrato de Isabella d´Este de Tiziano, sintiéndose atraído por el gran artista veneciano.En 1885 decorarán la Villa Hermes en Lainz, el lugar más apreciado por la emperatriz Elisabeth para su reposo. En este encargo siguieron los modelos del recientemente fallecido Hans Makart, considerado el "príncipe de los pintores". Bien es cierto que todos los trabajos que realice la Compañía en estas fechas están vinculados al clasicismo historicista del que Makart era el máximo representante.Ese año de 1885 también decoraron el Teatro Nacional de Bucarest y el teatro municipal de Fiume (Rijeka). Al año siguiente sería el techo del teatro de Karlsbad. La fama de los miembros de la Compañía había llegado a Viena gracias a Karl Freiherr von Hasenauer, el arquitecto de Villa Hermes, quien les proporcionó su primer encargo en la capital del Imperio: los techos de las escaleras del Burg Teather, siguiendo el más absoluto historicismo en su ejecución. La obra duró dos años, entre 1886 y 1888, recibiendo de manos del emperador Francisco José I la Medalla de Oro al Mérito Artístico. El éxito obtenido llevaría a un nuevo encargo relacionado con el Burg Teather: unas obras que recogiesen el ambiente del teatro antes de su demolición. Con estos trabajos, Matsch y Klimt obtuvieron el Premio Imperial, dotado con 400 florines.El 28 de febrero de 1890 la Compañía de Artistas recibe el encargo de pintar la caja de la escalera principal del Kunsthistorisches Museum de Viena. Gustav será quien pinte los lienzos correspondientes al Arte Egipcio, el Arte Griego y el Renacimiento Italiano. En estos trabajos empezaron a hacerse notables las diferencias entre los tres miembros de la Compañía pero seguían unidos. En 1892 se trasladaban a un estudio en la Josefstädterstrasse, estudio que posteriormente sólo utilizaría Gustav. El 9 de diciembre de ese año fallecía Ernst Klimt. El primer envite para la desaparición de la Compañía se había producido. El grupo sólo aguantaría dos años más. Ese mismo año de 1892 también falleció el padre de Klimt, de un ataque de apoplejía, la enfermedad que también llevaría al pintor a la tumba.Gracias al dinero conseguido, Gustav realizó algunos viajes, visitando Munich, una de las ciudades más vanguardistas del momento. En este viaje pudo conocer la obra de Fernand Khnopff, cuyo estilo simbolista influirá en los trabajos realizados por Gustav entre 1895 y 1898.En 1893 la Compañía recibe un nuevo encargo: la decoración de la sala de música y el comedor del Palacio Dumba. Klimt se responsabilizó de la decoración de la sala de música y su compañero del comedor, poniéndose de manifiesto que los estilos de cada uno eran diferentes y ya no podían trabajar de manera complementaria. A pesar de esto, ambos artistas firman en 1894 uno de los contratos más importantes de su vida: las pinturas del techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. En su ejecución, Klimt trabajó más de diez años y supusieron su principal quebradero de cabeza, tanto con la prensa como con los expertos, el claustro universitario o el público en general, que se sentirá escandalizado ante el resultado final. El estilo del pintor sufrirá una profunda evolución en estas obras que, por desgracia, fueron quemadas por las tropas nazis en mayo de 1945, para evitar que los soviéticos, en su avance hacia Berlín, se apropiaran de los tesoros artísticos que guardaba el Castillo Immendorf, donde se habían llevado para preservarlas de los bombardeos que sufría Viena.Como uno de los pintores más importantes de Austria, Klimt formaba parte de la Sociedad de Artistas Figurativos de Viena, más conocida como la "Casa de los Artistas". En el seno de esta Sociedad tendrá lugar un importante conflicto que se saldará en 1897 con la secesión de un importante grupo liderado por Klimt y del que también formaban parte los pintores Karl Moll y Kolo Moser y los arquitectos Otto Wagner, Josef Hoffman y Josef Maria Olbrich. Gustav es elegido presidente de la Secession, uno de los grupos más vitales en la vanguardia de los primeros años del siglo XX. Al año siguiente tendrá lugar la primera de las veintitrés exposiciones que organizarán los secesionistas, para la que Klimt diseñará el cartel. Ese año 1898 se fundará la revista "Ver Sacrum" en la que el pintor colaborará en algunas ocasiones. Los cuadros de la Universidad son presentados en el edificio de la Secession donde reciben todo tipo de críticas y elogios. La Filosofía es enviada a la Exposición Universal de París de 1900 y recibe la medalla de oro. Nadie es profeta en su tierra.
Una de las principales exposiciones del grupo secesionista será la organizada en 1902, dedicada a la escultura de Beethoven realizada por Max Klinger. Para este importante evento, Klimt pinta una de sus obras fundamentales: el Friso Beethoven. Al año siguiente, el edificio de la Secession acoge la primera retrospectiva de Klimt. También en 1903 hace un importante viaje por Italia, visitando Florencia, Venecia y Ravena, interesándose especialmente por los mosaicosbizantinos que decoran las iglesias de San Vital y San Apolinar. Algunos estudiosos sugieren que esta doble visita a Ravena provocará el inicio de su "fase dorada", cuya obras más importantes son El Beso y el retrato de Adele Bloch-Bauer I.En 1905 se produce un importante conflicto dentro de la Secession, conflicto que se resuelve con el abandono del grupo por parte de Klimt y sus amigos, formando el llamado "Grupo de Klimt". La razón de esta escisión será la estrecha relación de este grupo con los Talleres de Viena (Wiener Werkstätte), fundados en 1903 por Hoffman y Moser, partiendo de un concepto de obra de arte total. Una de las obras maestras de estos Talleres de Viena será el Palacio Stoclet de Bruselas, construido por Hoffman y para el que Klimt diseñó un decorativista friso que sería realizado por un buen número de artesanos vinculados a los Talleres. Klimt no era un gran amante de los viajes ya que no se sentía cómodo viajando, al no saber idiomas y echar de menos su vida en Viena al poco tiempo de partir. Sin embargo, para huir de la presión que le suponían los plazos de entrega, pasaba todos los veranos en los alrededores de Kammer, junto al lago Atter, en compañía de su buena amiga Emile Flöge. Sobre la relación de Klimt y Emile existen numerosas dudas ya que sólo contamos con las notas que Gustav escribía a su amiga, que, francamente, no son muy reveladoras de lo que había entre ambos, además de una gran amistad. Es conveniente en este momento hablar de las relaciones del pintor con las mujeres, especialmente con sus modelos. Sabemos que al menos tuvo dos hijos -Gustav y Otto- en su relación con Mizzi Zimmermann, entre 1899 y 1903; incluso se cuenta que tras fallecer, surgieron unas catorce mujeres que decían tener un hijo de Klimt. Y eso que la herencia dejada por el artista fue tremendamente escasa ya que aunque ganó mucho dinero, sus gastos fueron numerosos y no dejó casi nada a sus hermanas. En 1909 visita París, interesándose especialmente por la obra de Toulouse-Lautrec y de los fauvistas, encabezados porMatisse. También le llaman la atención los trabajos de Van Gogh, Gauguin y Munch. A su regreso a Viena se produce un importante cambio en su pintura ya que finaliza la época dorada y empieza la etapa identificada como caleidoscópica, ya que el decorativismo y la diversidad de colores se adueñan de las telas como se puede observar en Muerte y vida o el retrato de Eugenia Primavesi. En los primeros años de la década de 1910 Klimt empieza a ser valorado internacionalmente y sus trabajos consiguen buenas críticas en la IX Biennale de Venecia (1910), obteniendo al año siguiente el primer premio de la Exposición Universal de Roma. Será en 1911 cuando realice un largo viaje por Europa, visitando Florencia, Roma, Bruselas, Londres y Madrid, donde pudo contemplar los trabajos de su admirado Velázquez. No olvidemos que Klimt llegó a manifestar que sólo había dos pintores en la Historia: Velázquez y él mismo.Gustav era un hombre tremendamente rutinario como podemos observar en la siguiente descripción de Karl Moll: "Le gustaba levantarse temprano y necesitaba ejercicio; por la mañana hacía a pie todo el camino desde la Westbahnstrasse, donde vivía con su madre y sus hermanas -que dependían de él- hasta el café Tívoli, en Meidling -que estaba decorado en el antiguo estilo vienés que más le atraía, el Nuevo Artista-, muy cerca de Schönbrunn. Como cliente distinguido, se le mimaba y apreciaba; un espléndido desayuno, del que lo más importante eran montones de nata montada, que le iba a dar fuerza para el resto del día. Allí también es donde solían visitarle los amigos porque, una vez llegaba al estudio, se encerraba en él. Reemprendía de nuevo el camino hacia el estudio, a través del parque de Schönbrunn (...). Después de haber movido las piernas y llegado al estudio, ejercitaba los brazos. Entonces empezaba a trabajar; siempre había varias modelos disponibles y, si no las necesitaba para trabajar en sus cuadros, las dibujaba; pero los dibujos siempre estaban en relación con alguno de sus lienzos. No descansaba a mediodía. Con fruta y dulces tenía bastante hasta la cena, que tenía que ser de lo más abundante".La muerte de la madre del pintor en 1915 supondrá un duro golpe para él, provocando que su paleta se haga más oscura, lo que conducirá a que sus paisajes tiendan al monocromatismo. Al año siguiente participa en la exposición del Bund Österreichischer Künstler en la Secession de Berlín, junto a Egon Schiele y Oskar Kokoschka, dos jóvenes artistas con los que Klimt estableció una estrecha relación, especialmente con el primero al que conocía desde 1907.Si bien en 1893 se le había negado el nombramiento como catedrático de la Academia de Arte, renunciando a concesiones oficiales tras el escándalo de las pinturas de la Universidad, en 1917 se le elige miembro de honor de las Academias de Arte de Viena y Munich. El fundador de la Secession ha conseguido hacerse un hueco en las instituciones, a pesar de su lenguaje profundamente provocativo.El 11 de enero de 1918 Gustav Klimt sufría un ataque de apoplejía que le dejó medio paralizado. Fue trasladado a un sanatorio y el 3 de febrero se le llevó al Hospital General de Viena donde fallecía a las seis de la mañana del 6 de febrero, a consecuencia de una neumonía. Cuatro días después era enterrado en el cementerio de Hietzing, habiendo rechazado la familia un panteón de honor erigido t.por el Ayuntamiento de Viena. En su estudio quedaron un buen número de trabajos sin finalizar y un amplio catálogo de dibujos que fue repartido entre Emile Flöge y los hermanos
Klim
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Inconfundible Klimt y sus mujeres. Un autor que no puede pasar desapercibido.
ResponderEliminarUn saludo.
Alguna información más amplia sobre el cuadro de la lagrima dorada ?
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