domingo, 30 de octubre de 2011

FRANCESCO MAZZOLA **PARMIGIANINO**


GNU Free Documentation Licensem Sailko,  madonna col bambino



madonna
Parmigianino_-_Virgin_and_Child_with_an_Angel_-_
Parmigianino_Selfportrait  frente a un espejo
 
madonna della rosa
-Parmigianino_-_Saint_Barbara_
 la esclava turca

pallas-athene
camilla-gonzaga-with-her-three-sons


-Parmigianino,_lucrezia_romana,_1540
La Visión de San Jerónimo,

Francesco Mazzola (Parma, 11 de enero de 1503 - Casalmaggiore, cerca de Cremona, 24 de agosto de 1540), llamado il Parmigianinoel parmesanito») por su lugar de nacimiento y por su reducida estatura y aspecto grácil, fue un pintor italiano, uno de los máximos exponentes del manierismo.
ese momento trabajaba en los grandes ciclos de frescos de Parma.

Su primera obra es de 1519, El Bautismo de Cristo. Se dedica además a la decoración de algunas capillas del templo de San Juan Evangelista. Hacia 1523 trabaja en el tocador de Paola de Gonzaga en la Rocca de los Sanvitale en Fontanello, donde hace una recreación de la estancia de San Pablo de Correggio.
Instalado en Roma, en 1524, conoce la obra de Miguel Ángel y Rafael Sanzio, quienes le influirán decisivamente. En la ciudad se sabe que tomó parte en los encuentros y discusiones que tenían lugar en la casa de Paolo Valdambrini, secretario del Papa Clemente VII, a los que acudía Rosso Fiorentino, Perin del Vaga y Giulio Romano. Entre las obras de este periodo destaca La visión de San Jerónimo de 1525, Desposorios Místicos de Santa Margarita y el Retrato de Lorenzo Cybo, del mismo año.
Tras el Saqueo de Roma (1527), se instala en Bolonia. Allí encomienda a Antonio da Trento la reproducción de diseños suyos mediante xilografía de chiaroscuro, que imita las texturas de la acuarela; actualmente se conocen seis planchas, como Martirio de dos santos y La sibila tiburtina y el emperador Augusto. La relación entre el maestro y el grabador no hubo de terminar cordialmente, y éste huyó llevándose pertenencias del taller, según las crónicas.
 La importancia de su obra supera ampliamente el hecho de contarse con pocas obras legadas. Entre ellas se encuentran La conversión de san Pablo de 1527 y el Autorretrato ante el espejo (ambos en el Kunsthistorisches Museum de Viena), La Virgen de la Rosa de 1529, La Virgen del cuello largo (hacia 1535; Galería de los Uffizi de Florencia), la Esclava turca y la Antea.
Su obra y su personalidad se afirman en contacto con el primer manierismo toscano y, a través de las obras de los grandes maestros Rafael y Miguel Ángel, consiguiendo traducir en términos originales los modelos del Renacimiento con una orientación ya plenamente manierista. Para él la función del arte era trasmitir sensaciones exquisitas y excitantes, para lo cual tuvo que crear una necesaria artificiosidad. De Correggio asimilará el clasicismo, convirtiéndolo en manierismo, manteniendo el ilusionismo del primero pero traduciéndolo a modelos más decorativos y una mayor vitalidad de las formas.
En los Esponsales de Santa Catalina, de 1521, hay una rebuscada elegancia en las formas y una composición en la que todas la figuras giran alrededor del pedestal de la Virgen, este cuerpo geométrico se va a repetir deliberadamente en toda la composición, incluso el marco arquitectónico aparece con forma semicilíndrica.
La Visión de San Jerónimo, realizada tras su llegada a Roma y tras conocer las obras de Rafael y Miguel Ángel, es una obra que resume todas esta experiencias. La dimensión de sus personajes y su expansividad formal se inspiran en Miguel Ángel, pero la energía propia de este artista se reduce y se sustituye por la elegancia.
Hay grandiosidad en las apariencias y dignidad en la representación del tema, aunque parece haberse evaporado todo sentimiento específicamente cristiano. Esta representación ilustra la actitud de las creencias de la Roma de Clemente VII, virtualmente indiferente a los valores tradicionales de la devoción cristiana, para la cual los símbolos religiosos y el dogma solo poseían una dimensión estética.
En sus obras posteriores a su estancia en Roma, mantendrá el aire elegante y en ciertos momentos majestuoso, tendiendo cada vez más a una belleza abstracta y una gracia artificial.
El Museo del Prado posee tres obras suyas: una Sagrada Familia que perteneció al escultor Pompeo Leoni, un pequeño busto de Santa Bárbara y el Retrato del conde de San Secondo. El retrato de su esposa se considera de inferior calidad, posible obra de ayudantes, si bien es muy curioso porque está acompañada de sus hijos. Además en el Museo del Patrimonio Municipal de Málaga podemos contemplar la obra "Los Despososios Místicos de Santa Margarita" de 1927.







sábado, 29 de octubre de 2011

ALEXEI VON JAWLENSKY


Jawlensky, Alexei von
Nacionalidad: Rusia
Torjok 1864 - Wiesbaden 1941
Pintor


(13 March 1864 – 15 March 1941)
Alexej Georgewitsch von Jawlensky  was a Russian expressionist painter active in Germany. He was a key member of the New Munich Artist's Association (Neue Künstlervereinigung München), Der Blaue Reiter (The Blue Rider) group and later the Die Blaue Vier (The Blue Four).

Miembro de una familia aristocrática, fue educado en la Escuela de cadetes de Moscú, llegando a ser oficial de guardia. Abandonó la carrera militar e inició su formación artística en la Academia de San Petersburgo para trasladarse posteriormente a Munich, fijando en esta ciudad alemana su residencia desde 1896. Sus trabajos tendrán como base el folklore y la religiosidad del pueblo ruso, interesándose por los iconos, mezclando estas influencias con la cultura occidental. Sintió especial admiración por la obra de Van Gogh, Cèzanne y los nabis, pero será Matisse quien le conduzca a una imporante renovación en su obra, gracias a la luminosidad cromática y la simplificación formal, acercándose al Fauvismo.
Junto a Kandinsky fundará en 1909 la Nueva Asociación de Artistas de Munich, movimiento cercano a Der Blaue Reiter. El estallido de la Primera Guerra Mundial le llevará a refugiarse en Suiza, momento que acentuará el misticismo de sus trabajos. Se concentrará en el rostro humano, reduciendo sus formas a esquemas geométricos cercanos al icono. En 1924 fundó, junto a Klee, Feininger y Kandinsky, el grupo de los Cuatro Azules, cuyos planteamientos remitían a la filosofía de Der Blaue Reiter. Expuso con este grupo durante varios años hasta que la artritis le llevó a abandonar la pintura.

miércoles, 26 de octubre de 2011

CARLO CRIVELLI **PINTOR RENACENTISTA









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St-stephen  




Obras: 3

El periodo de formación del veneciano Carlo Crivelli es algo confuso, aunque existe unanimidad sobre su aprendizaje en el taller de los Vivarini, apuntándose también a la familia Bellini como sus maestros. Se interesó por las obras de Donatello y Mantegna, quienes habían trabajado en la Ciudad de los Canales, así como por Squarcione. En 1457 fue procesado por adulterio y encarcelado durante unos tres años, abandonando Venecia tras cumplir su condena. La ciudad dálmata de Zara parece ser su primer destino hasta que se encuentra documentado en Ascoli Piceno desde 1468, creando un fructífero taller de obras religiosas, que surte a todos los conventos e iglesias de la región de Las Marcas. Sus trabajos gozan de una gran originalidad, uniendo en ellos influencias de las más variadas escuelas del Renacimiento italiano, incluso de la pintura flamenca, interesándose por los escorzos, los volúmenes y las construcciones arquitectónicas antiguas, siguiendo a Mantegna; incluso encontramos ligeras referencias al mundo gótico en la mayor parte de sus escenas. Los elementos decorativos forman una nota identificativa de Crivelli así como el colorido preciso y no exento de delicadeza, repitiendo los esquemas compositivos en sus últimos cuadros, donde encontramos abundantes huellas de la intervención de miembros de su taller.